Llamame Plissken

Flashpoint. Cruces: El apocalipsis de la era DC

2012-03-11T16:25:00.000+01:00

El escenario sugerido en Flashpoint se desarrolla plenamente en más de cincuenta tebeos, agrupados en miniseries de tres números y varios especiales centrados en diversos personajes que dan una idea global de los acontecimientos que se desarrollan de forma mucho más apresurada y condensada en la miniserie de Johns y Kubert. Las historias desarrollan una misma historia central que va saltando de número a número y de serie a serie con continuos cliffhangers y golpes de efecto, y alterna la narración en tiempo real de los hechos de Flashpoint con saltos al pasado de los respectivos personajes para ofrecer un panorama más detallado de los sucesos que han conducido al planeta a un punto sin retorno, al borde del armagedón definitivo. Sin ánimo de ser extensivo les voy a referir las mencionadas series y algunos de los especiales, mencionando entre paréntesis los equipos creativos y dando una breve pincelada sobre cada una de las mismas. Adentrémonos en el mundo del punto de colisión.

La gran foto de la historia se nos narra en tres series sobre el corazón del conflicto y la escalada de la crisis en Europa. En Emperador Aquaman (G: Tony Bedard, D: Ardian Syaf y Vicente Cifuentes) y Wonder Woman y las Furias (G: Dan Abnett y Andy Lanning, D: Scott Clark y David Beaty) conocemos los hechos que llevaron a dos civilizaciones milenarias a una guerra genocida sin cuartel y cómo sus respectivos líderes se convierten en los cabecillas de un conflicto cruel y sin aparente salida. Lois Lane y la resistencia (G: Dan Abnett y Andy Lanning, D: Eddy Nunez y Sandra Hope) nos ofrece una mirada a la desolación existente en Gran Bretaña tras la ocupación amazona y la heroica lucha de una mermada resistencia liderada por Grifter contra un enemigo muy superior. Los especiales Grodd de la Guerra (G: Sean Ryan y D: Ug Guara), Industrias Flecha Verde (G: Pornsak Pichetshote y D: Mark Castiello) y El grillo de Canterbury (G: Mike Carlin y D: Rags Morales) ofrecen tres visiones más de la situación en el mundo, con la actividad del gorila Grodd como señor de la guerra en África, la de Oliver Queen como especialista en armas que vende al mejor postor y el surgimiento de un nuevo héroe en Bretaña cuando su país más lo necesita, el Grillo de Canterbury... Señor, señor, lo que hay que escribir a veces...

En Batman, Caballero de la Veganza (G: Brian Azzarello y D: Eduardo Risso) somos testigos de la decadencia moral de Gotham City así como de los expeditivos métodos de Batman en su lucha contra su más cruel enemigo, el Joker. Deadman y los Graysons Voladores (G: JT Krul y D: Mike Janin) nos lleva de gira por Europa con un peculiar circo en el que la tragedia se cebará con sus miembros. Sólo los trapecistas Boston Brand y Dick Grayson sobrevivirán a duras penas para encontrarse perdidos y acosados por las Furias en el viejo continente. Proyecto Superman (G: Scott Snyder y Lowell Francis y D: Gene Ha) nos lleva a las entrañas de una instalación secreta gubernamental donde el gobierno experimenta con varios sujetos, algunos voluntarios y otros recogidos de sondas espaciales caídas en Kansas, para lograr las armas definitivas. Para conocer cuán diferente ha sido la trayectoria de los Linterna Verde en este mundo tenemos las series Abin Sur, Linterna Verde (G: Adam Schlagman y D: Felipe Massafera) y Hal Jordan (G: Adam Schlagman y D: Ben Oliver) donde somos testigos de cómo el encuentro entre ambos es muy diferente y el primero se mantiene como Linterna Verde de la Tierra mientras el segundo desarrolla una carrera arriesgada como piloto experimental de pruebas junto a su compañera, Zafiro, Carol Ferris.

Kid Flash perdido (G: Sterling Gates y D: Oliver Nome) nos cuenta las desventuras de un Bart Allen prisionero en el siglo 30 de Brainiac y sus desesperados esfuerzos por regresar a su tiempo, un tiempo previo a Flashpoint, para lo que contará con la inestimable ayuda de un inesperado aliado. En la tierra, en Central City nos encontramos con que Capitán Frío (G y D: Scott Kolins) es el héroe de la ciudad, de métodos expeditivos, pasado oculto y futuro incierto, al que Wally West, periodista, intentará exponer junto a su amigo el Flautista. En los mares del Atlántico Norte un buque pirata navega en busca de sus presas. Se trata de Deathstroke y la maldición del Desolación (G: Jimmy Palmiotti y D: Joe Bennet y John Dell), un buque lleno de desalmados y fuera de la ley embarcados en una misión suicida, recuperar a la hija de su capitán, Deathstroke, a cualquier precio. La Legión de la Muerte (G: Adam Glass y D: Rodeny Buchemi & Jose Marzan) nos lleva hasta las entrañas de una prisión metahumana para criminales en la que Ola de Calor prepara una venganza explosiva y mortal tanto contra sus captores como contra sus antiguos enemigos, para lo que contará con la ayuda de Plastic Man, una venganza que llevará la sangre, la desolación y la muerte allá por donde pasen.

En los márgenes del conflicto también hay actores secundarios cuyo papel resultará a la postre relevante. Nos podemos encontrar al Outsider (G: James Robinson y D: Javi Fernandez), un descastado que se hizo con el control de los bajos fondos de la India y acabó creando un imperio científico empresarial de intenciones siempre ambiguas, o a las correrías de una aprendiz de bruja intentando evitar que su padre desarrolle una solución final contra los bandos en conflicto en El mundo de Flashpoint (G: Rex Ogle y D: Paulo Siqueira). Las extrañas correrías vividas en el lado oscuro de ese particular UDC se reflejan en las series Siete Secretos (G: Peter Milligan y D: George Perez y Fernando Blanco) y Frankenstein y las Criaturas de lo Desconocido (G: Jeff Lemire y D: Ibraim Roberson). Mientras que en la primera se nos muestra la pelea a muerte dentro de una cábala de magos en la que Racc Shade y su abrigo de la locura jugarán un determinante papel, la segunda nos lleva hasta un proyecto secreto desarrollado en la II Guerra Mundial para emplear como soldados de élite a criaturas terroríficas, liderados por la mítica criatura de Frankenstein.

Digamos que historias alternativas ha habido muchas, con variantes temporales, alternando factores de la historia, eliminando personajes o cambiándolos de entorno, pero la jugada más similar a esta se encuentra a dos décadas de distancia y en la competencia, y se llamó La era de Apocalipsis, saga con la que los cruces de Flashpoint guardan más de una similitud. Ambas historias parten y se resuelven en una crisis mostrada en sus correspondientes especiales o miniseries, desarrolla su historia en una serie de series limitadas y nos muestra un universo completamente diferente al conocido, en aquel caso de las series mutantes Marvel, y vehicula la narración a través de un personaje consciente de las diferencias y cambios, Bishop en aquella ocasión. El caso es que podríamos decir que en aquellos tiempos la calidad de los autores mutantes era mediocre -Scott Lobdell, Larry Hama, Howard Mackie, Jeph Loeb- o contaba con autores que daban trabajos competentes pero lejos de su potencial -Mark Waid, Warren Ellis-, pero recuerdo aquel cruce con agrado y me dejó la sensación de haber leído una historia cuando menos entretenida que respetaba a sus personajes. Y en el apartado gráfico de aquella serie, además, pudimos disfrutar del trabajo de artistas como Madureira, Larroca, Pacheco, Adam y Andy Kubert, Bachalo, Churchill, Dodson...

Las comparaciones resultan odiosas, y en este caso la editorial DC ha intentado crear un evento de gran calado pero se ha quedado corta al tirar de un banquillo con demasiados nombres de recién llegados, tanto es así que de todas las series leídas apenas salvaría a una media docena de ellas, curiosamente las que cuentan con equipos creativos solventes y con una historia algo más cabal que contar que las barbaridades que ocurren en el mundo de Flashpoint. Destacaría la labor de Robinson en Outsider, la recreación de Batman de Risso y Azzarello -una de las pocas historias que llegó a sorprenderme verdaderamente-, los Siete Secretos de Milligan y curiosamente, la de Frankenstein y las Criaturas, desarrollada con un sano espíritu pulp en el que se mezclan en un afortunado pastiche los géneros bélico, fantástico y terrorífico. En las demás series hay algún destello aislado de calidad, algún retruécano afortunado de la historia, y alguna sorpresilla que agradece al lector el tiempo invertido en la lectura del evento.

Para terminar ya con los crossovers de la saga DC del 2011, decir que el tono general de ese universo alternativo me desagrada profundamente como lector, ofreciendo una visión ultra oscura y agresiva de personajes que actúan de forma completamente opuesta a como lo harían incluso aunque los hechos se hubieran desarrollado de forma similar en su universo tradicional, alcanzando en algunos casos unas cotas de sadismo y crueldad que, honestamente, no me gusta leer en personajes que admiro y me han acompañado durante años. Ver a Diana decapitar sin torcer el gesto a un personaje clave y guardar su casco como trofeo, a Aquaman empalar a sus enemigos sin despeinarse lo más mínimo o provocar la muerte de millones en su enfrentamiento con las amazonas es una mínima muestra de las muchas formas violentas de morir que se desgranan en cada una de las series. Lo único positivo que podría decir sobre el tinglado editorial es que a nivel de coordinación la historia salta de uno a otro título para permitir seguir el fluir de los acontecimientos de una forma comprensible. Y hasta aquí llegó la broma, amigos.

Qué será,será, whatever will be, will be...

Y una vez acabado el evento, ¿qué nos queda? Un nuevo Universo DC en el que algunos de los eventos editoriales mantienen su vigencia (Una muerte en la familia, La broma asesina, Crisis de Identidad, La noche más oscura), pero muchos otros no, algo que estará determinado en una línea temporal con la que trabajarán los autores. Y a partir de ahí, tabula rasa para hacer con muchos personajes lo que se quiera -dentro de los patrones que DiDio, Harras y Berganza, a partir de ahora Tridente Catacroquer, permitan-, alentando los cambios y defendiendo que se trata no de un reinicio sino de menear el árbol editorial y crear nuevos conceptos y personajes dentro de los mismos. Todavía no he hincado el diente a ningún número de esas nuevas series, pero las sensaciones son directamente malas, oscilando entre la pereza por volver a leer según qué cosas y la decepción por comprobar la deriva editorial de una casa que ha sido la de mis amores, y que a lo largo de 30 años, prácticamente toda mi vida lectora, me ha ofrecido cientos de horas de momentos inolvidables. Como diría Roger Murtaugh, estoy demasiado viejo para esto...

Flashpoint: It's the end of the DC world as we know it... and I don't feel fine

2012-03-09T22:02:00.000+01:00

Me permito la licencia de fusilar la letra de una de mis canciones favoritas de R.E.M. para subtitular este artículillo centrado en la serie que acaba de comenzar a publicarse en nuestro país y que dentro de unos meses marcará el pistoletazo de salida para el nuevo universo DC, en el evento conocido como All New 52, donde a través de 52 colecciones se nos irá descubriendo qué es válido y qué no del UDC tal y como lo hemos conocido desde 1985. La sensación que tengo ahora mismo es un retro dejà vú, ya que no pude sentirla en 1985 en tanto que fui uno de los beneficiados de aquel reseteo de personajes y editorial y me subí al carro con verdadero entusiasmo. Algo menos de tres décadas después la editorial repite jugada, y las sensaciones son verdaderamente contradictorias. Pero de eso me extenderé debidamente en su momento. Vayamos con el repaso a la miniserie central del evento, a la madre del cordero, por así decirlo, para pasar a analizar brevemente los crossovers y especiales conectados a la misma y para comentar, breve,subjetiva y sentidamente las sensaciones que este All New despierta en mí, lo que dejo apropiadamente para un domingo por la tarde en que la resaca y el cansancio me colocan en el estado anímico ideal para escribir la poco menos que despedida definitiva a los personajes que marcaron mi adolescencia y juventud... Aunque lo de definitivo no existe para las editoriales y lo cierto es que la jugada que tengo en mente, Heroes Reborn, no duró más allá del año... Cruzaré mis deditos frikis...

El camino a Flashpoint: Dime con quién andas y te diré de que tiempo eres

Tras el regreso de Barry Allen de más allá de la Fuerza de la Velocidad, este ha retomado su trabajo como policía científico en el departamento de Central City donde ya se las ha visto con una acusación de asesinato lanzada por un cuerpo de vigilantes del siglo XXV conocidos como Los Renegados. A su complicada situación personal, en la que no termina de conectar con el amor de su vida o con su nieto, y su atracción por una compañera de trabajo, hay que sumarle la irrupción de un bizarro personaje en las calles de Central City, Hot Pursuit, un misterioso policía venido del futuro con la capacidad para arrebatar la Fuerza de la Velocidad a aquellos que la poseen y ominosas intenciones.

Los caminos de Bart y Barry Allen, separados por el distanciamiento emocional mostrado por Barry tras su regreso, se cruzan con los de Hot Pursuit, una suerte de Motorista Fantasma Velocista con expeditivos métodos a la hora de enfrentarse a sus objetivos y de recuperar aquello que vino a buscar a nuestro tiempo, toda la Fuerza de la Velocidad que atesoran los velocistas de nuestra época, con el fin de evitar un cataclismo temporal de épicas proporciones que pondrá en peligro la existencia misma del universo, un Punto de impacto al que nuestros héroes parecen abocados irremisiblemente y en el que Eobard Thawne, el Flash Reverso, parece tener mucho interés por encontrarse en su epicentro.

Flashpoint: Ya no estamos en Kansas, Barry

Barry Allen despierta un día cualquiera y acude a su trabajo en el departamento científico de la policía de Central City. Todo parece igual, pero una sensación de extrañeza se va apoderando de él. Cuando el aviso de un crimen se recibe en la comisaria Barry Allen hace mutis por el foro y decide acudir al lugar de los hechos como Flash, el hombre más rápido del mundo... solo que no puede correr. O sí puede hacerlo, pero no a supervelocidad. Barry Allen ha perdido sus poderes, pero no solo eso. Para combatir el crimen, Central City ya cuenta con su propio campeón, el Capitán Frío... Esta será la primera de las muchas dolorosas y sorprendentes revelaciones que Barry Allen irá sufriendo en ese mundo que podría ser una realidad paralela o un mundo alternativo, excepto por el hecho de que sus recuerdos, vivencias y sentimientos le gritan a cada momento que ese es su mundo, esas es su realidad, y las sombras y recuerdos de una existencia diferente en otro mundo distinto van desapareciendo progresivamente como, bueno, ya saben, lágrimas en la lluvia.

Sólo Booster Gold, viajero temporal, y su nieto Bart Allen -perdido en el futuro del siglo 30- parecen ser conscientes de que la realidad ya no es la que era, y que esa tierra, inmersa en una guerra genocida entre atlantes y amazonas -liderados por Aquaman y Diana respectivamente- que ha costado millones de vidas y el hundimiento de media Europa como daños colaterales, se halla en el límite mismo de un punto de impacto fatal y definitivo para los hechos desatados que amenaza con consumirlo todo y a todos. Al asalto final y definitivo en una guerra movida por oscuros intereses de terceros, a la preparación de una fuerza internacional de asalto liderada por Cyborg, el mayor héroe de esa tierra, a los esfuerzos de una resistencia heróica liderada por Grifter en el seno de la Gran Bretaña ocupada por las amazonas, hay que añadir los desesperados intentos de un Barry Allen más desesperado a cada segundo que pasa por recuperar sus poderes, mantener los pocos recuerdos que le quedan intactos y devolver al mundo a su estado anterior, al estado en que estaba cuando de su anillo fluía el uniforme rojo que representaba la valentía y la generosidad personificadas y no la cruel burla del traje amarillo que representaba los valores reversos, la mortal e infame crueldad y el terror absolutos.

Flashpoint, serie limitada de cinco números escrita por Geoff Johns y dibujada por Andy Kubert, es el núcleo central del evento editorial de DC del año pasado, un megacrossover que afectó a todas las colecciones de la compañía y que marcó la culminación de un proyecto editorial iniciado casi 30 años atrás. Con esta historia se cierra la etapa de continuidad que se abrió con Crisis en tierras infinitas -y enmendada posteriormente por los sucesivos crossovers Hora cero y Crisis Infinita- y da paso a algo no totalmente nuevo pero sí diferente que surge directamente de las páginas del clímax de este Flashpoint que no es intrínsecamente un mal tebeo, pero que deja encontradas sensaciones en un lector veterano y encariñado con los personajes a los que maltrata, como es mi caso. Lo cierto es que como historia, Johns parece hacer un juego de espejos con su primera saga con Flash -Wally West-, aquella Wonderland en la que Wally acababa en un mundo alternativo al otro lado del espejo y tenía que hacer lo posible por escapar de él. Aquí es Barry, el recientemente recuperado tras el Flash: Renacimiento, el que se ve envuelto en una confrontación directa con su más mortal y directo enemigo, de resultas de la cual acaba perdido en un mundo muy diferente del que conocemos, en el que se mantienen apenas unos conceptos, pero desvirtuados y deformados por una realidad cruel y brutal.

Johns siempre ha sabido manejar muy bien a sus personajes, y jugar en algunas de sus historias -me viene a la mente la que llevó hasta el número 200 de Flash, con la introducción de Zoom y la gloriosa aparición de Barry Allen- con los dos niveles que convierten un tebeo de pijamas en un glorioso y épico canto a la grandeza de un personaje: la humanidad de los seres que describe, y la grandeza de las acciones que las circunstancias les ayudan, obligan o impulsan a realizar. En este caso, en tan solo cinco números, el último de ellos doble, el guionista tiene que introducir al lector un mundo completamente diferente, descubrir a sus principales personajes del modo en que han cambiado respecto a los conocidos, plantear las dos tramas que vehiculan la acción de la serie -el marco general de la III Guerra Mundial Atlante-Amazona y el particular de Barry Allen intentando lidiar con la pérdida de poderes y memoria y la amenaza de Thawne- y desarrollarlas de forma relativamente coherente y finalmente culminar todo ello en un fin de fiesta que debería ser épico, espectacular y emotivo capaz de conmover al espectador. Demasiadas cosas que hacer en tan poco espacio y tiempo.

La sensación que acaba dejando la serie es que Johns tenía planteada esta historia desde hacía tiempo, y que habría supuesto algo así como el canto del cisne de Barry Allen tras su regreso, enfrentado a su mayor enemigo y volviendo a demostrar que es un personaje más grande que la vida al afrontar uno de los más duros y exigentes sacrificios de toda su carrera, pero que por las dichosas injerencias editoriales, y por esa peculiar falta de ideas que ha convertido a Johns en el corazón impulsor de la editorial a lo largo de la última década, se decidió que la historia sería la piedra angular del evento anual de marras que toda editorial grande que se precie -véase Marvel y DC- parece forzada a hacer cada año para vender decenas de miles de cruces inútiles amén del tomito recopilatorio de lujo de turno englobando a la colección central. Y es ahí cuando la historia, por intentar volar demasiado alto, acaba pinchando. La historia global que tiene que contar es tan grande, el protagonismo coral tan diluido, las formas de esa realidad tan crueles, que personalmente como lector lo veía todo sin implicación o sentimiento alguno. Solo en aquellos momentos puntuales en que se centra en Flash -quitando la ocurrencia de quemarse a lo bonzo... ¡dos veces!-, en su relación con su entorno, y en su interactuación con Batman, contados pero que concentran lo mejor del escritor, uno puede llegar a interesarse por las motivaciones de cada personaje y dejarse llevar por la empatía por sus respectivas necesidades emocionales, que culminan en un final parco, sencillo y emotivo a tamaño festival de destrucción, paradojas y muerte.

Del arte de Andy Kubert, autor del dibujo de esta miniserie, servidor poco malo puede decir y sí bastante bueno. Los diseños de los "nuevos" personajes son vistosos y espectaculares, quizá un poco dark and gritty para adecuarse al tono de ese mundo paradójico. El menor de los Kubert, que ha mantenido su vinculación a DC y que en los últimos años ha ofrecido trabajos tan destacados como ¿Qué le sucedió al cruzado enmascarado?, aquí lo da todo en una historia muy propicia para las escenas de acción y lucha, las páginas completas o las dobles repletas de personajes y escenas grandilocuentes, con una planificación de la narración fluida y una composición espectacular que sabe, cuando toca, enfatizar el plano corto y poner el freno narrativo a una historia que, por las mencionadas necesidades editoriales, parece ir a 100 millas por hora desde la primera hasta la última viñeta.

Resumir mi sensación sobre Flashpoint es fácil. Agridulce. Por un lado la historia planteada, narrada al margen de un megacrossover y sin suponer lo que supone a nivel editorial, me habría gustado, aunque bien es cierto que sin llegar a la grandeza de algunas de las sagas de Johns y Kolins con Wally, prodigios narrativos donde la épica y el desarrollo de personajes iban de la mano, y que culminaron en aquel maravilloso Flash 200 -que curiosamente también daba pie a otro reinicio del personaje, pero con sensaciones completamente diferentes a este-, uno de esos tebeos que uno lamenta no poder volver a leer de nuevo por primera vez. El equipo creativo cumple con el expediente con la solvencia que su talento les permite, pero no brilla con la grandeza de trabajos previos, por lo menos en la parte del guión. Mañana les hablaré muy por encima de los crossovers -16 miniseries de tres números y varios especiales- y de la proyección de futuro de la editorial. A mi pesar.

Sketch-busters CCI: Mike McKone (II)

2012-03-07T20:07:00.001+01:00

Me ha tocado buscar y rebuscar entre las carpetas de originales un dibujo de la sección de velocistas de DC -por aquello de ir abriendo boca al repaso de Flashpoint-, hasta que finalmente ha aparecido este Bart Allen para salvar mi perezoso e improvisador trasero friki bloguero. El caso es que Mike McKone es uno de los dibujantes que en su momento más ilusión me hizo conocer y por el que hicimos una de las mayores barbaridades en cuanto a colas se refiere en el Salón del Comic de Barcelona, empleando ocho horas aproximadamente de tiempo en una de las suyas. Lo divertido y lo curioso del asunto fue que luego se convirtió en un autor relativamente asequible de conseguir merced a sus posteriores visitas a Avilés y Madrid, perteneciendo este dibujo al primero de los lugares anteriormente mencionados. Lo malo de la vida del aficionado es que no sabe qué oportunidad de conseguir una dedicatoria será la última, o cual una pérdida de tiempo, y afortunadamente, en el caso de McKone no se trató de ninguna de esas tesituras. Un autor simpático, atento y accesible que firmaba a diestro y siniestro y realizaba unas cabecitas la mar de apañadas para contentar al personal. Ya que abro el fuego con Kid Flash, tras la excelente etapa dibujada por el autor en los Jóvenes Titanes bajo la tutela de Geoff Johns y en la que por fin se le daba al personaje la oportunidad de madurar y de evolucionar, a lo largo del próximo par de semanas podrán disfrutar de los dos primeros sketchs que tuvimos la oportunidad de conseguir años ha en Barcelona, tras la mencionada barbaridad de esperar ocho horitas de nada... El Azul y el Dorado, no les digo más...

Lunes caído

2012-03-05T21:11:00.000+01:00

No el ánimo, por empezar esta semana ya con un año más en el coleto, ni las ganas, de afrontar todo lo que se ponga por delante -dentro de lo humanamente soportable, claro está- a lo largo de los próximos días. Lo que se ha caído es temporalmente la conexión a la red en casa y lejos de intentar emular a Enjuto en aquel glorioso sketch de Intennééééééé he decidido darle algo de cuartelillo al ordenador, a la red y a su santa madre y dedicar la tarde a otros menesteres. Pero descuiden que servidor no se olvida ni de ustedes ni de esa extraña manía de comenzar cada lunes con esta líneas a medio camino entre el diario personal, el ejercicio de escritura espontánea y la auto motivación. El caso es que funciona, por ahora, así que seguiremos dando el callo hasta que el cuerpo aguante. Y como no solo de lunes vive el blog, pues esta semanita van a tener por aquí una buena ración de tebeos, más por cantidad que por calidad, al menos desde mi humilde punto de vista, y es que el despedirme -o poco menos- de mis personajes y mi editorial favoritos ha sido una experiencia agridulce.

Les dije ayer que terminaba con Chuck, pero no del todo, y aún hoy quiero terminar con la canción que acompañaba la intro de cada capítulo con un montaje realizado por un aficionado manitas en el que sintetiza de forma maravillosa el primer capítulo, en el que por ejemplo, se aprecia a la perfección ese punto de respeto al nerd cuando Sarah y Chuck cruzan sus caminos por primera vez. Mientras que ella hace gala de todos sus talentos de espía a la matahari el chaval imperterrito le arregla el móvil en un pispas y se lo devuelve sin perder un momento la compostura o la dignidad. Ah, Chuck, a los dos nos encantan los bocatas del Subway y consideramos Y, el último hombre como una de las mejores series recientes que ha parido madre... Demonios, me resisto a despedirme finalmente de ti...

Short skirt/long jacket
Cake

I want a girl with
A mind like a diamond
I want a girl who
Knows what's best
I want a girl with
Shoes that cut
And eyes that burn
Like cigarettes
I want a girl with
The right allocations
Who's fast and thorough
And sharp as a tack
She's playing
With her jewellery
She's putting up her hair
She's touring the facilities
And picking up slack

I want a girl with a short skirt
And a long jacket

I want a girl who
Gets up early
I want a girl who
Stays up late
I want a girl with
Uninterupted prosperity
Who used a machete
To cut through red tape
With fingernails that
Shine like justice
And a voice that is dark
Like tinted glass
She is fast and thorough
And sharp as a tack
She's touring the facilities
And picking up slack

I want a girl with a short skirt
And a long, long jacket

I want a girl with
A smooth liquidation
I want a girl with
The right dividends
And at the city bank
We will meet accidentally
We'll start to talk when
She borrows my pen

She wants a car with
A cupholder arm rest
She wants a car
That will get her there
She's changing her name
From Kitty to Karen
She's trading her MG for
A white Chrystler Laberan

I want a girl with a short skirt
And a long jacket

Chuck: Hasta la vista, baby

2012-03-04T17:13:00.000+01:00

Como avanzaba, aquí se acaba el repaso a Chuck (2007-2012), la serie creada por Chris Fedak y Josh Schwartz amparados por la producción del director McG y que pretendió desde el primer momento crear un sólido entretenimiento televisivo para un público joven, no necesariamente juvenil, centrado en las andanzas de un chaval normal de treintaitantos que acaba metido en un tinglado de espionaje internacional y cómo su vida pasa a ser controlada por dos agentes de la CIA, con uno de los cuales acabará teniendo una relación sentimental. A grandes rasgos la serie se podría definir como Alias pasado por un tamiz de comedia romántica, una serie intrascendente, procedimental, sin grandes aspiraciones y con un protagonismo coral que permitía abarcar varios campos. ¿Porqué después de esas cinco temporadas siento que he perdido algo, tras ver el último capítulo de la misma? Pues se lo voy a tratar de explicar.

1. Frikis como nosotros

No hace falta que mencione la gran comedia televisiva sobre frikis que arrasa en la actualidad, serie divertida, con grandes dosis de frikismo geek nerd concentrado y uno de los personajes más irritantes y detestables de la pequeña pantalla cuyo nombre comienza por S. Muchos la vemos, y nos reímos con ella, pero la verdad es que el retrato que se hace del mundillo es un poco a la vez tópico, exagerado y deformado. Unas veces te identificas y otras te quedas parado pensando ¿así es cómo el mundo en general nos ve a los -por usar el término- frikis? ¿así de absurdos parecemos los que leemos comics, jugamos a videojuegos, somos fan de Star Trek? ¿así de risibles? Y frente a ese retrato exagerado, deformado, como planteado como escenario para desarrollar una telecomedia, nos encontramos con Chuck Bartowski y su amigo Morgan Grimes. Leen comics desde el instituto, adoran el cine de ciencia ficción, hacen maratones de trilogías -ya saben, la única, la de Indy, la del DeLorean, la de McClane-, se pegan maratones de juego para terminar el CoD, y todo ello sin aspavientos, haciendo hincapié en los elementos de comedia que todo el mundillo propicia -que son muchos- pero sin caer en la farsa ni en ridiculizar unos gustos que a veces pueden ser considerados marginales o minoritarios. Y esos elementos, véase la pasión de Chuck por los comics de Brian Vaughn, por Star Wars, por la ciencia ficción, van apareciendo imbricados en las tramas, en los diálogos, convirtiéndose en un elemento orgánico más de la serie. Tanto es así que Chuck, la serie, se convirtió en un elemento altamente apreciado por los fans en los paneles de la Comic Con de San Diego, presente en la pared de la habitación del personaje con un poster de la misma, tanto por la participación de los actores, como por los guiños a los seguidores o las actuaciones en vivo de Jeffster. Personalmente me sentía totalmente cómodo en cualquiera de esas conversaciones entre Morgan y Chuck, casi como si me estuviese tomando unas cervezas con ellos poniendo a parir a Jar Jar Binks o hablando del próximo lanzamiento del CoD: MW II.

2. Todos somos familia

Chuck es la historia de un friki pero también lo es la de su familia, tanto la sanguínea como la extensiva a su mejor amigo y más tarde a su equipo, el equipo Bartowski. Pocas veces he visto un reparto que encajara tan bien, incluso tratándose de arquetipos típicos, y que acabaran desarrollando una química tan entrañable. La genuina preocupación de Sarah, la hermana atenta, cariñosa y sensata, apoyada en todo momento por Asombroso, el novio perfecto a todos los niveles, pero que encima es buena persona, no solo es creible, sino que evoluciona de forma natural a lo largo de las cinco temporadas, hasta el punto de quedarte la sensación -tras dos bodas, un funeral y un nacimiento- de que eres un primo lejano que de cuando en cuando se deja caer por el peculiar microcosmos Bartowski a compartir una comida señalada. Si la familia directa es importante, no lo es menos la familia del siglo XXI, los amigos, las personas que te conocen mejor que tú mismo y que están a tu lado, a veces no tan a menudo como te gustaría, pero siempre en el momento en que más los necesitas. Y ahí se puede decir que tanto Morgan como Casey dan el nivel hasta el final, arriesgando vidas, empleo y posición más allá del deber siempre que la vida o la seguridad de uno de sus amigos o familia estuviera en peligro, llegando a hacer verdaderas barbaridades a vida o muerte -y pienso en Casey y en su duelo mexicano de la última temporada-.

3. El Compramás, esa casa de locos

Los trabajos suelen dar mucho juego: jefes, compañeros raros, ascensos o traslados suelen suponer transtornos en la vida de cualquiera. Y cuando llevas una doble vida y tu curro de mentira para aparentar está en la planta de arriba y tu trabajo de espía lo desarrollas en el sótano secreto del Compramás, los problemas se multiplican por diez. A eso hay que sumarle la arrolladora presencia del jefe del centro, un Big Mike más grande que la vida, capaz de darte un abrazo de padre o de echarte un puro de suegra sin torcer el gesto, y luego darte el consejo que te puede cambiar la vida, o la presencia de dos de los elementos más repulsivamente divertidos de la serie, Jeff y Lester, Lester y Jeff, conocidos para los amigos como Jeffster, arteros, egoístas, extravagantes, interesados, patosos... Y aún así, en el fondo de todo, no necesariamente malas personas. El retrato de una corporación de centros de venta de electrónica equivalente a lo que aquí sería el Mediama+++, con sus estrategias de promoción, su plantilla basura o su rivalidad con otros establecimientos de la zona ha sido una de las mejores fuentes de comedia de la serie, y al final, hasta a esa gente sabes que la vas a echar en falta.

5. Tu cara me suena...

Toda serie que se precie cuanta con la participación de actores conocidos ya sea en papeles de secundario recurrente o interpretando un papel episódico. Chuck ha volado muy alto en ese aspecto, y sin ánimo de ser exhaustivo, ya que seguramente me dejaré a alguien, me gustaría reflejar algunos de los actores que han sabido tomar a chufa su caché y su carrera (¿eh, Bo Derek?) o que han aportado su granito de arena en esta trama de comedia romántica de espías con pequeñas o medianas pero siempre jugosas interpretaciones: Tony Todd, Michael Clarke Duncan, John Larroquette, Nicole Richie, Tony Hale, Jordana Brewster, Morgan Fairchild, Bruce Boxleitner, Gary Cole, Michael Rooker, Reginald Veljohnson, Dominic Monagahn, Jenny McCarthy, Arnold Vosloo, Tricia Helfer, Chevy Chase, Scott Bakula, Vinnie Jones, Armand Assante, Brandon Routh, Kristin Kreuk, Cristopher Lloyd, Dolph Lundgren, Linda Hamilton, Lou Ferrigno, Eric Roberts, Robert Englund, Timothy Dalton, Richard Chamberlain, Summer Glau, Lou Diamond Phillips, Mark Hammill, Jeff Fahey, Carrie Ann Moss, Rebecca Romjin y Angus McFayden. Si la mayoría de estos nombres no aparece ligado a uno o más proyectos de género y en muchos casos a un personaje concreto al que se le asocia de forma indisoluble me como el sombrero que llevé ayer noche.

6. Más que pastiche, crossover genérico

Este es quizá el elemento que más ha descolocado progresivamente a la audiencia, hasta quedar reducida al puñado de fieles que la apoyaron desde un primer momento y contribuyeron a mantenerla en antena pese a las continuas amenazas de cancelación. Un capítulo podía empezar con un suave toque de comedia de enredo y farsa de personajes para introducir un conflicto emocional potente en varios personajes, evolucionar hasta un punto de impacto lleno de tensión y acción en el que además se mantenía todo lo anterior y finalizar con un suave tono de comedia familiar. Eso si no mencionamos los finales de temporada en los que los puntos b y c se multiplicaban exponencialmente y podías estar riéndote a carcajadas para encontrarte en la siguiente escena con un personaje literalmente muerto de la peor manera posible y con una intensidad dramática brutal, al nivel de cualquier fin de temporada de Alias, sin ir más lejos, y pienso sobre todo en el final de la tercera. Normalmente, y pienso en la audiencia hablando desde mi propia experiencia, el público prefiere una serie plana, en la que se toca un registro único mantenido a lo largo de la misma. Cuando se da con el concepto, por ejemplo CSI, la serie está vendida. Adereza el género principal con las consabidas interrelaciones personales y tendrás un producto que se mantendrá lustros en pantalla. Algo similar a lo acontecido con Chuck le ocurrió a Perdidos, que fue perdiendo espectadores conforme el pastiche genérico se fue destapando poco a poco, y muchos se cayeron del burro cuando el drama de personajes aderezado con intriga se convirtió en una serie de acción, luego en otra de ciencia ficción y finalmente en una de fantasía casi metafísica. Quizá si Chuck se hubiese centrado en mantener unas coordenadas genéricas más definidas y ceñirse a ellas habría mantenido a esa audiencia normal que fue abandonando progresivamente la serie. O no, que ejecutivos tienen las cadenas yanquis, oigan.

7. Cuando un geek conoce a una espía

Ya acabo, perdonen ustedes el entusiasmo y la extensión, pero es que para mí no es para menos. Llego al quid de la cuestión, al meollo del asunto, al corazón de la serie, que es el corazón de Chuck Bartowski. En realidad Chuck no ha ido de espías, ni de organizaciones criminales secretas, ni de frikis. Chuck nos ha contado la historia de cómo un muchacho rondando la treintena, sin saber muy bien qué hacer con su vida se metió en un problema que le permitió conocer a la mujer de su vida, a la chica que le robó el corazón y el alma desde el primer momento en que la vio y cómo, contra todo pronóstico y obviando las dificultades, consiguió despertar en ella unos sentimientos similares que fueron fraguando en una relación sincera, adulta y comprometida. Al final, Chuck nos contó una historia de amor, y nosotros nos la tragamos desde el primer minuto hasta el último. Que os vaya bonito, chicos, os lo merecéis.

Commissionando personalmente XXVIII (Especial cumpleaños): Greg Woronchak (III)

2012-03-03T12:34:00.000+01:00

El año pasado por estas mismas fechas apareció en subasta una ilustración realizada por el dibujante Hoa Phong -al que en breve dedicaré una entradilla de commissions, porque su arte merece muy mucho la pena- tomando como referencia la famosa ilustración de Adam Hughes en la que se mostraba la plana mayor del panteón superheróico femenino del Universo DC. Al ser una recreación tampoco tenía intención de pujar muy alto, y finalmente la pieza acabó en manos de otro coleccionista, pero me había picado el gusanillo y me puse en contacto directamente con Hoa para encargarle un trabajo similar a modo de autoregalo de cumpleaños. Para mi desgracia el dibujante había decidido dejar de aceptar encargos y dedicarse a dibujar lo que le apeteciera y ponerlo a la venta en subastas periódicas. Una pena porque su estilito a lo Noto me encantaba mucho. Pero dado que estaba ya lanzado con el tema, que se acercaba la fecha de mi cumple y que no disponía de los miles de dólares necesarios para que Adam Hughes recreara parcialmente una de sus mejores obras, decidí ponerme en contacto con Greg Woronchak, una de mis primeras commissions conseguidas a través de subasta y autor de uno de los dibujos al que más cariño le tengo (tres gatitas tienen la culpa). Como suele ser habitual en él, Greg hizo un trabajo espectacular, aunque reduciendo el número de personajes a lo esencial, manteniendo el equilibrio entre rubias y morenas, incluyendo, faltaría más, al gatete de rigor y presentando, con escasas excepciones, a las que han sido a lo largo de los años mis heroínas preferidas. Que ustedes lo disfruten.

Chuck 3.0-5.0: El Geek que enamoró a la espía

2012-03-02T01:03:00.000+01:00

Hace la friolera de dos años les decía que Nos vemos en unos meses comentando Chuck 3.0. Entre pitos y flautas fui dejando pasar la oportunidad de comentarles la tercera temporada, y ahora, en apenas tres meses, nos hemos zampado los 35 capítulos de las dos últimas temporadas de la serie, los 13 últimos ya en versión original incapaz de esperar al doblaje español y evitando por todos los medios leer cualquier tipo de destripe sobre el final de una serie que me ha gustado como pocas. Quería dividir en dos entradas el repaso argumental a las tres temporadas finales, y posteriormente repasar una serie de aspectos sobre la misma como serían el genuino sentimiento friki de sus personajes, las estrategias comerciales y de promoción de la serie, la abultada lista de cameos a lo largo de sus cinco años de emisión. Lo cierto es que Blogger me ha jugado una pésima jugada, y he perdido la primera de esas entradas, que me toca rehacer ahora mismo sobre la marcha. Esperemos que me acuerde de todo aquello que quería contarles...

Chuck 3.0: Chuck vs. Superman

Chuck es ahora un intersect humano en todo el sentido de la palabra. Más que la base de datos de la CIA se ha convertido en una suerte de espía definitivo, con habilidades en prácticamente todas las disciplinas del espionaje que le convierten en un valioso activo de campo. Para apoyar al equipo Bartowski, formado por Chuck (Zachary Levi), Sarah (Yvonne Strahovski) y Casey (Adam Baldwin) la CIA destaca al agente Shaw (Brandon Routh), un superespía que les ayudará a desentrañar la red criminal conocida como el Anillo, que estaba en la sombra tras las acciones criminales de FULCRUM y que parecía haber movido los hilos desde un principio.

Intentando lidiar con los cambios en su vida, con la vida de recién casada de su hermana Ellie (Sarah Lancaster) con Asombroso (Ryan McPartlin) y con el loco trabajo del Compramás, lo último que necesita Chuck es verse cuestionado sobre el terreno por un agente mejor que él con una extraña relación con Sarah entre la admiración y la atracción y unas raíces en el pasado de explosivas consecuencias para todos ellos. Tampoco necesita que su padre, Stephen (Scott Bakula) intente por todos los medios eliminar de la vida de su hijo la maldición del Intersect, justo en el momento en que más inseguro se siente Chuck por su relación con Sarah y cuando las actividades del Anillo pondrán en serio y continuado peligro las vidas de Chuck y de todos sus seres queridos.

Chuck 4.0: Chuck vs. James Bond

Tras los dramáticos sucesos vividos por todos llega una sorprendente revelación. Mary Bartowski (Linda Hamilton), la madre de Ellie y Chuck sigue viva, aunque trabaja para Industrias Volkoff, un conglomerado de traficantes y desarrolladores de armas de última generación que ha volado bajo el radar durante décadas y que ninguna agencia de inteligencia del mundo ha sido capaz de desentrañar. En una aventura más internacional y peligrosa que nunca, el equipo Bartowski volará a lo largo y ancho del planeta desentrañando las operaciones orquestadas por Alexei Volkoff (Timothy Dalton) un elegante pero letal hombre de negocios y criminal con unos peculiares valores sobre la familia y la forma de llevar su "empresa".

Recuperar a su madre, desmantelar el imperio criminal de Volkoff, asumir la maternidad de Elli y definir de una vez por todas su relación con Sarah puede ser algo demasiado difícil hasta para un Chuck que llevará hasta el límite sus habilidades, su resistencia y su capacidad de entrega hacia los demas. Ayudado como no podía ser menos por su inseparable amigo Morgan (Joshua Gomez) y con el inestimable apoyo de Walker y Casey afrontarán todo lo que Volkoff o el gobierno les ponga por delante.

Chuck 5.0: Chuck vs. el Intersect

La intervención del agente Decker (Richard Burgi) ha vuelto el mundo de Chuck patas arriba. Despedido de la CIA, el equipo de Bartowski se reconvierte en Carmichael Industries, una empresa de seguridad y asesoramiento para manejar aquellas situaciones que se escapan de la normalidad en el mundo corporativo o industrial. Pero ni siquiera en el sector privado van a poder llevar una vida tranquila, y la competencia con una compañía rival será feroz, tanto como su directora, la antigua espía Gertrude Verbanski (Carrie Ann Moss), con la que Casey tuvo un encontronazo en la década de los 80.

Se acerca el final del camino y todos parecen ser conscientes de ello. Las últimas últimas misiones se suceden, mientras las versiones del Intersect comienzan a fallar, a corromperse y a borrar la memoria de sus poseedores y un definitivo actor entra en escena, el hombre para el que fue diseñado originalmente el Intersect, alguien que no se detendrá ante nada para recuperar lo que considera legítimamente suyo.

Y con este pequeño repaso, que he escrito de memorieta dos veces y en el que he intentado ofrecer un vistazo general a los 63 capítulos que componen las temporadas 3 a 5, me gustaría dejar saldada la mitad de la deuda con una serie que me ha regalado grandísimos momentos de diversión y emoción, a un nivel quizá un par de peldaños por debajo de Perdidos o Galactica -sin dudarlo mis series recientes predilectas- pero al mismo nivel en que pudieron hacerlo en su momento series como Alias, 24, House o Dexter. Para mañana les dejo esas consideraciones personales sobre la serie, el repaso a los cameos y la búsqueda de una posible explicación a la paulatina pérdida de interés y espectadores que acabaría con la cancelación de la serie.

Lunes de batalla

2012-02-27T17:29:00.000+01:00

Me hubiese gustado bastante que el título de la entrada fuese un homenaje al hipotético premio que podría haberse llevado la última obra maestra dirigida por Steven Spielberg, pero finalmente tendrá que ser un esforzado grito de guerra para empezar la semana con el ánimo y la disposición propicias para hacer frente a todo aquello que se nos presente por delante. Superada una semana bastante fuerte que me dejó para el arrastre, en el tramo final conseguí recuperar el tono y el ritmo lo suficiente como para saldar la deuda personal contraída con First Wave, un tebeito digno que me entretuvo bastante y al que quería dejar retratado por estos lares, mientras degluto, no siempre con placer, todos y cada uno de los crossover, spin-offs o basuras conectadas con Flashpoint, el evento comiquero de DC para el año pasado. En cuanto haya finiquitado el tema es mi intención dedicar unos cuantos posts temáticos al evento, todo dependiendo claro está del nivel de cabreo o desgana que quede al terminar la miniserie. Pero no avancemos tanto los acontecimientos, y centrándonos en el corto plazo, puedo asegurarles que esta semana tendremos un pequeño repaso a Chuck -mucho más concentrado y parco que el dedicado por ejemplo por Oneyros, otro devoto fan de la serie- y de cara al sábado, la publicación de una commission con la que me regalé a mí mismo los 37 añazos del 2011, y que tiene su historia curiosa. Para el avance les dejo una joya de la ilustración reciente...

Y para aprestarnos adecuadamente a la batalla habitual de cada semana, aquí les dejo un temazo del grupo 30 seconds to Mars. Le dan ganas a uno de ponerse el parche, la cazadora de cuero y los pantalones de camuflaje y salir en busca de malas compañías y empresas de imposible culminación. Qué demonios, esta semana pueden llamarme Serpiente.

This is war
30 seconds to Mars

A warning to the people, the good and the evil
This is war
To the soldier, the civilian, the martyr, the victim
This is war

It's the moment of truth and the moment to lie
The moment to live and the moment to die
The moment to fight, the moment to fight
To fight, to fight, to fight

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world from the last to the first

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world, it's a brave new world

A warning to the prophet, the liar, the honest
This is war
Oh, to the leader, the pariah, the victim, the messiah
This is war

It's the moment of truth and the moment to lie
The moment to live and the moment to die
The moment to fight, the moment to fight
To fight, to fight, to fight

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world from the last to the first

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world, it's a brave new world
It's a brave new world

I do believe in the light
Raise your hands up to the sky
The fight is done, the war is won
Lift your hands toward the sun

Toward the sun
(It's the moment of truth and the moment to lie)
(The moment to live and the moment to die)
Toward the sun
(It's the moment of truth and the moment to lie)
(The moment to live and the moment to die)
Toward the sun
(The moment to fight, the moment to fight)
(To fight, to fight, to fight)
The war is won

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world from the last to the first

To the right, to the left
We will fight to the death
To the edge of the earth
It's a brave new world, it's a brave new world
It's a brave new world

A brave new world
The war is won
The war is won
A brave new world

Sketch-busters CC: Daniel Acuña (IV)

2012-02-26T22:12:00.001+01:00

Termino esta semana en condiciones extrañamente similares a la anterior, dedicando una entrada al dibujante Daniel Acuña y esperando a saber, más por juguetona curiosidad que nada, qué premios cinematográficos van a parar a manos de sus felices ganadores esta noche. Ojalá que la entrada de mañana pudiera llamarse Lunes de guerra. Pero vamos a lo que vamos. Para empezar, déjenme que les hable un poco más en profundidad de Claus & Simon, la peculiar pareja protagonista de tres números en blanco y negro de la extinta colección Brut Comix (Feria de Monstruos, C&S en Hollywood, Cajón de sastre) y de un album a todo color (Los reyes de la evasión) editado en Francia en primera instancia que gozó de mayor proyección internacional al tiempo que dotó del formato de lujo apropiado a las aventuras del cándido payaso y su amigo el dinosaurio. La verdad es que fueron esos los personajes que me pusieron tras la pista del dibujante Daniel Acuña, al que he intentado seguir desde entonces en otros proyectos desarrollados principalmente para el mercado americano. Les dejo con unas reseñas biográficas de los creadores de Claus & Simon, y para rematar las entradas dedicadas a la obra conjunta de Arcas y Acuña les dejo con un sketch protagonizado por la peculiar pareja, con broma incorporada en la dedicatoria acerca de mis dudas sobre si Anthem, un proyecto del que sólo llegó a publicarse el primer número, tendría continuidad o no. Y de propina, la minidedicatoria que ambos dos, A & A, nos hicieron sobre el album de Los reyes de la evasión.

Santiago o Santi Arcas es un historietista e ilustrador español, nacido en Cartagena en 1974. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Entre 1998 y 2001, y con dibujos de Acuña, publicó el comic book "Claus & Simon" en la colección Brut Comix de Ediciones La Cúpula. La cuarta historieta de la serie fue serializada en la revista francesa "L'Echo des savanes" durante el año 2004. Desde marzo de 2005 publicó la serie Lorena Jones en la revista infantil "Mister K", con dibujos de Víctor Ibáñez.
A mediados de 2006, gracias a la mediación de su agente David Macho, fue fichado por la editorial estadounidense DC Comics para colorear la serie Checkmate de Jesús Saiz, mientras desarrollaba otra historieta con vistas a su publicación seriada en L'Echo des Savanes, pero esta vez como autor completo. Islas Pato, que así se titulaba inicialmente, narra una historia de zombies en unas islas imaginarias del Mar Caribe, y fue publicada finalmente en formato álbum y con el título de Sandra por Ediciones Glénat, primero en Francia (07/2008) y después en España (23/04/2009).
Fuente: Wikipedia

Daniel Acuña es un historietista e ilustrador español, nacido en Águilas en 1974. Trabaja fundamentalmente para el mercado estadounidense. Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Valencia, comenzó publicando en fanzines como "Tío Sain" (1995) y revistas como "La Comictiva" (1996).
Entre 1998 y 2001, y con guiones de Santiago Arcas, publicó el comic book "Claus & Simon" en la colección Brut Comix de Ediciones La Cúpula. La cuarta historieta de la serie fue serializada en la revista francesa "L'Echo des savanes" durante el año 2004 y por ella fue nominado en la categoría de Mejor Dibujo en el Salón del Cómic de Barcelona 2006. Tras trabajar como portadista para la revista Dolmen, fue contratado en 2005 por la editorial estadounidense DC Comics gracias a la mediación de su agente David Macho. Empezó realizando portadas, pero pronto se le encargaron series como Uncle Sam & Freedom Force (2006), Green Lantern y Flash en 2007, Los Eternos en 2008 y Wolverine en 2011.
Fuente: Wikipedia

Galería de portadas: First Wave

2012-02-25T17:28:00.000+01:00

Fieles a la vieja costumbre, y de forma casi obligada en este caso por la altísima calidad de los ilustradores y su trabajo, acompañamos a la reseña de First Wave con su correspondiente galería de cubiertas. En este caso el trabajo excepcional de J. G. Jones como portadista regular de la serie limitada se ve apoyado por el no menos espectacular arte de Neal Adams, Tony Harris, Lee Bermejo, Geoff Darrow, Eduardo Risso y Jim Lee, que juegan con los personajes a su antojo y componen ilustraciones de las que da gusto contemplar. Personalmente me quedo con las de Bermejo y Harris, siendo la de Lee la que menos me gusta incluso en el modo de componer una escena en la que un elemento del decorado tapa parcialmente a uno de los personajes... Por lo demás, el complemento ideal para disfrutar todavía mejor un tebeo artesanal que constituye un digno entretenimiento basado en la potencia de los personajes y en el oficio de sus creadores, que no nos engañemos, es mucho. De propina les dejo con las portadas del primer número de Doc Savage (obra también de J. G. Jones) y de Spirit (excepcional ilustración de José Ladrönn), para redondear este pequeño homenaje a unos tebeos que durante unos meses intentaron resucitar un cierto estilo en el mundo de los comics del que me declaro sentido admirador.

First Wave: El Universo DC en clave de pulp

2012-02-24T19:53:00.000+01:00

Algo se esconde en las selvas de Sudamérica. Un lugar de ciencia y de riqueza. De infinitas posibilidades. Y también de aterradoras realidades que amenazan la vida de un prisionero evadido de dicha ciudad y perseguido por una extraña criatura, nada menos que el explorador y arqueólogo William Litlejohn, más conocido por ser uno de los asociados de Doc Savage. Los ecos de tan extraños acontecimientos llegan poco a poco a la civilización, y más concretamente a la ciudad de Central City, que vive una suerte de Edad Dorada para los criminales y los justicieros enmascarados, en una época indeterminada de posguerra a mediados de siglo XX. Dos organizaciones parecen mover los hilos de los acontecimientos. En las altas esferas el Árbol Dorado, una organización que promueve el desarrollo científico y la creación de una utopía en Hidalgo, un país sudamericano. Sobre el terreno es la Mano Derecha Roja la que parece estar haciendo los movimientos más osados acosando a las tribus del lugar y extendiendo sus actividades hasta Nueva York. Nada de ello escapará a los ojos de aquellos que defienden la justicia y el bien.

Doc Savage, filántropo, explorador, aventurero y científico de fama internacional intenta superar la pena provocada por la pérdida de su padre mientras su equipo le apoya incondicionalmente. Dolido por no haber podido atender su funeral, decide investigar las causas de su muerte, para encontrar un ataud repleto de bolsas de polvo de oro. Mientras en Nueva York su equipo busca la ayuda de Benson, el Vengador, para averiguar la identidad de los asesinos, Doc Savage sigue una pista que le conducirá a Central City, donde el vigilante enmascarado Spirit lucha contra el crimen ayudado por la sensual Ebony y respaldado a medias por Dolan, un comisario con una curiosa idea de lo que es justo... para sí mismo. Siguiendo un soplo, Spirit se topa con una peculiar entrega que deben realizar los Blackhawk, un equipo de mercenarios aéreos liderados a distancia por Janosz Prohaska, profesionales duros y férreos a la hora de cumplir un contrato.

Las piezas se disponen sobre el tablero. Nueva York, Central City, y Gotham. Allí desarrolla sus operaciones el Batman, un letal luchador contra el crimen que no duda en emplear cualquier medio a su alcance para luchar contra el crimen a todos los niveles, ya sea en los callejones más oscuros o en los casinos más lujosos. A la ciudad llega Anton Colossi, uno de los hombres más ricos del mundo, en representación de la sociedad El arbol dorado, en busca de inversores para el proyecto de Neolantis, una sociedad utópica ubicada en el país de Hidalgo. Bruce Wayne, alter ego de Batman, será tentado en colaborar en dicho proyecto, un proyecto que parece estar en el centro de todos los hilos que se han manejado en la selva, en Central City y en Nueva York, y en el que Doc Savage, Batman, Spirit, los Blackhawk -con la inestimable ayuda de Rima, la chica de la jungla- se las tendrán que ver con una amenaza de proporciones apocalípticas.

First Wave es una serie limitada de seis números, pero también es el nombre con el que se conoció el proyecto editorial que narraría los sucesos de uno de los 52 mundos alternativos del Universo DC. En él no hay super-hombres, sólo justicieros enmascarados, vigilantes que luchan contra el crimen haciendo uso de sus habilidades. Recuperando el concepto de Doc Savage, remozando por completo el de Spirit -dándole un toque "adulto" que resulta un tanto excesivo en mi opinión- y empleando dos personajes clásicos de la casa Benson -Justice Inc.- y un Batman cercano al de sus orígenes primigenios, más violento y capaz de emplear armas de fuego y métodos letales contra sus enemigos, ese universo podría entenderse como un contenedor de series e ideas con una ambientación a medio camino entre la trama negra desarrollada en Nueva York y Central City y las aventuras de serial de inspiración pulp protagonizadas por Doc Savage o Batman.

Pero First Wave, además de ser un concepto editorial y un mundo alternativo es esta serie limitada de seis números escrita por Brian Azzarello y dibujada por Rags Morales. El primero no necesita presentación. Guionista todo terreno con especial habilidad para las series de género criminal -100 balas, Batman- no ha hecho ascos a incursiones en el género de horror -Hellblazer- o el de superhéroes -Superman-. Por su parte, Rags Morales es uno de los dibujantes más sólidos y fluidos a nivel narrativo hoy en día, algo que ha demostrado con creces en sus trabajos en JSA, Crisis de Identidad o Hawkman, y que en esta serie limitada ofrece una visión de un mundo alternativo en sus años cincuenta, con nuevas versiones de personajes ya conocidos y viajando desde los callejones urbanos a la selva sudamericana o a las fantásticas instalaciones de Neolantis.

A priori este era uno de esos proyectos sumamente interesantes, respaldados por un gran guionista y un buen dibujante, al tiempo que la punta de lanza de una nueva linea editorial que podría haber ofrecido buenos tebeos y mejores historias. Leída la serie limitada a uno le queda una sensación extraña. Algunos personajes están bien retratados, caso de Savage o del Vengador y sus monólogos sobre la decadencia moral urbana, y consiguen un tono muy de aventurero a su pesar para Spirit, pero la conjunción de tantas ideas juntas en un espacio tan limitado acaban por embarullar la historia con continuos saltos de escenario y protagonismo coral hasta el punto de que uno no llega a tener clara la historia prácticamente hasta antes mismo del final. A lo entretenido de la lectura contribuye muy mucho un Rags Morales que se casca lo que le echen sin torcer el trazo, perder detalle o convertir en farragosa la narración: tanto da que dibuje un funeral bajo la lluvia en Nueva York, una pelea de matones en Central City o una escena de acción con fuga aérea incluida, leer First Wave es como ver uno de los antiguos seriales de la Republic, en los que siempre están pasando cosas y los cliffhangers son de escándalo. Por lo que se refiere a la línea editorial, las buenas intenciones de la editorial con la creación de las series Doc Savage (14 números, con equipos rotatorios y la participación de Brian Azzarello o Howard Porter entre otros) y Spirit (tercer intento reciente de continuar las aventuras del personaje que llegó a los 17 números y que contó con la participación de Mark Schultz y David Hine en los guiones y de Moritat en el dibujo) acabaron sucumbiendo, no sé si a unas ventas deficientes o a ese apocalipsis comiquero que ha sido Flashpoint y del que espero hablarles en breve dedicándole unas cuantas entradas. Porque al fin de una época hay que dedicarle todo el espacio que se merece.

No habrá lunes para los malvados

2012-02-20T17:33:00.000+01:00

Ni para nadie, a este paso, por lo que tendremos que disfrutarlos mientras buenamente se pueda. En semanas como esta, además, da gusto empezar una semana que trae algunas novedades para un servidor. Un pequeño desplazamiento va a romper durante unos días la habitual rutina, y es algo que ciertamente se agradece. A eso le sumamos el próximo fin de Chuck y que estoy leyendo/sufriendo Flashpoint al completo para poder departir contra dicho evento agusto, con lo que entretenido voy a estar a lo largo de los próximos días. Eso, por supuesto, no será óbice para que por aquí encuentren ustedes un nuevo dibujo de Daniel Acuña, ese lagarto murciano cuyo arte no ha dejado de mejorar con el paso de los años y al que todavía le quedan muchos más para seguir dejándonos asombrados ante la fuerza y la belleza de sus viñetas, así como alguna reseña que pienso sacarme de la manga digital porque ustedes lo merecen y servidor tiene el cuerpo golfo. Y si me apuran, espero que en breve fructifiquen un par de proyectos en los que me he embarcado y me he dejado embarcar respectivamente y que podrán encontrar aquí un hueco más que merecido.

Y dado que ayer se entregaron los premios de la Academia Española de Cine, y la única película española por la que pagué una entrada de cine el año pasado resultó la más que merecida vencedora, aunque sólo sea por el hecho de tratarse de un producto de género sólido, rodado con las pelotas e interpretado de forma casi suicida, la canción de hoy comparte título, malas mujeres y peor vida con No habrá paz para los malvados. Ahí les dejo

Ain't no rest for the wicked
Cage the Elephant

I was walking down the street,
When out the corner of my eye
I saw a pretty little thing approaching me.
She said "I've never seen a man
Who looks so all alone,
Could you use a little company?

If you can pay the right price
Your evening will be nice,
And you can go and send me on my way."
I said "You're such a sweet young thing
Why you do this to yourself?"
She looked at me and this is what she said:

"Oh, there ain't no rest for the wicked,
Money don't grow on trees.
I got bills to pay,
I got mouths to feed,
There ain't nothing in this world for free.
I know I can't slow down,
I can't hold back,
Though you know, I wish I could.
No there ain't no rest for the wicked,
Until we close our eyes for good".

Not even fifteen minutes later
I'm still walking down the street,
When I saw a shadow of a man creep out of sight.
And then he sweeps up from behind
And puts a gun up to my head,
He made it clear he wasn't looking for a fight.

He said "Give me all you've got
I want your money not your life,
But if you try to make a move I won't think twice."
I go like "You can have my cash
But first you know I got to ask
What made you want to live this kind of life?"

He said "There ain't no rest for the wicked,
Money don't grow on trees.
I got bills to pay,
I got mouths to feed,
There ain't nothing in this world for free.
I know I can't slow down,
I can't hold back,
Though you know, I wish I could.
No there ain't no rest for the wicked,
Until we close our eyes for good".

Now a couple hours have passed
And I was sitting at my house,
The day was winding down and coming to an end.
So I turned on the TV
And flipped it over to the news,
And what I saw I almost couldn't comprehend.

I saw a preacher man in cuffs he'd taken money from the church,
He stuffed his bank account with righteous dollar bills.
But even still I can't say much
Because I know we're all the same,
oh yes we all seek out to satisfy those thrills

"Oh, there ain't no rest for the wicked,
Money don't grow on trees.
We got bills to pay,
We got mouths to feed,
There ain't nothing in this world for free.
I know we can't slow down,
We can't hold back,
Though you know, we wish we could.
No there ain't no rest for the wicked,
Until we close our eyes for good"

Sketch-busters CXCIX: Daniel Acuña (III)

2012-02-19T23:05:00.000+01:00

Prácticamente lo último que haré esta semana que se está acabando, además de ver otro nuevo capítulo de Chuck de forma casi compulsiva -intentando desesperadamente evitar cualquier espoiler sobre el final de la serie, a tiro de cinco capítulos-, es dejarles este dibujo del artista murciano Daniel Acuña, un dibujante cuya carrera he seguido con sumo interés, que diría el senador Palpatine, ya desde los primeros tiempos de saloneo y coleccionismo de dedicatorias. Sus primeros tebeos publicados en España me los dejó el novio de una compañera de trabajo, y los disfruté con bastante agrado. Aquel par de números de Claus y Simon, el payaso y el dinosaurio antropomorfizado siempre metidos en líos, me dejaron el suficiente buen regusto y mejor recuerdo como para que cada vez que coincidiéramos con ellos nos tomáramos un ratillo para hacerles cola. Arcas y Acuña, Acuña y Arcas como equipo creativo son personas de lo más divertido, y al margen de las dedicatorias de Acuña dibujante el guionista Santi Arcas también realizaba un monigotillo de Simon la mar de apañado con su firma. Aún a falta de revisar en profundidad el desaguisado de los primeros años de dibujos, he localizado los dibujos que nos realizaron en el Salón del Comic de Madrid del año 2005, un Expocomic lleno de diversión y de buenos momentos, y no lo vamos a negar, de dibujos tan currados y tan entrañables como estos. Hoy les dejo sólo uno, pero les avanzo que las próximas entradas de la sección llevarán, además del arte de Daniel Acuña, una breve reseña de ambos creadores y una pequeña dedicatoria sobre album. Que ya en el 2009 les avancé en estas entradas (Nightwing y Phantom Lady dan fe de ello) que iba a subir todos los dibujos del caballero Acuña y tres años después todavía no había cumplido mi palabra. Todo llega en este mundo, la muerte, los impuestos... y los sketchs de Plissken. Que ustedes lo disfruten y en un ratillo, lo duerman bien.

Big Culo Day 2012: Galería de Milo Manara

2012-02-15T20:14:00.000+01:00

Este año iba a sustraerme a la participación de este evento blogueril, más que nada por no repetirme, pero ha habido tres factores que finalmente me han impelido a no hacerlo. El primero de ellos es que es uno de esos escasos acontecimientos virtuales frikis que han sobrevivido al tiempo, han ganado fuerza con cada edición y concitan la simpatía y la participación de propios y extraños, y si no vean la lista de participantes en el blog de JC, alma mater e impulsor incansable de este evento. El segundo es que este año es más necesario que nunca reivindicar tan excelsa parte corporal. El país va de culo. Los empresarios y políticos ya han decidido cual es la parte de sus trabajadores que prefieren, y les doy una pista, la usamos para sentarnos pero ellos pretenden usarla de puerta trasera. A tomar por ídem, señores, y métanse su apocalipsis del currito por donde les quepa, o sea, por AHÍ... Y finalmente porque elegir este año el sujeto de la entrada ha sido relativamente fácil, y seguramente habrá protagonizado varias a lo largo de las cuatro ediciones precedentes. El caso es que el autor Milo Manara, insigne y magistral ilustrador de féminas y con no poca predilección por tan universal fetiche, tiene unas cuantas buenas decenas de dibujos, portadas e ilustraciones dedicadas al mismo. Eso sí, me ha tocado revisar y elegir cuidadosamente aquellas que entren dentro de la más sensual de las sugerencias pero no superen dicho umbral. Y es que evadirse al erotismo del italiano no resulta una tarea fácil.

La amenaza del lunes fantasma

2012-02-13T18:29:00.001+01:00

A este paso, el dedicarle una entrada cada lunes al comienzo de una semana marcada por el madrugón y el retorno a la rutina laboral va a acabar siendo una quimera o una utopía o un mal recuerdo de una época en la que lo normal era ir a trabajar los lunes y no pasarlos dando gracias porque el empresario, jefe o patrón de turno no haya hecho uso de ninguna de las cada vez más numerosas triquiñuelas legales para reducir plantilla de forma cada vez más fácil e indolora económicamente para él. Me voy a tener que releer otra vez El club de la lucha, mi libro rojo de cabecera para los tiempos que corren y que van abocados a un final tan apocalíptico como el propugnado por Tyler Durden y sus monos espaciales. Por la parte que le toca a un servidor, uno sigue aguantando el tipo a duras penas, capeando el temporal a base de recuperar lecturas comiqueras atrasadas y de volver a reencontrarse con viejos amigos como Qui Gonn y Obi Wan en la oscuridad de una sala de cine, recordando aquellos felices tiempos de trece años atrás en los que aún no habían llegado muchos sinsabores y malos tragos y en los que el estreno del Episodio I: La Amenaza Fantasma aún no se había convertido en una gran decepción (para el común de los mortales, que no para un servidor, que aún alucina lo que no está en los escritos con ese duelo de destinos final a tres bandas que avanzaría muchos buenos momentos).

Como diría Dickens, era el mejor de los tiempos, era el peor de los tiempos, y siempre nos quedarán muchos pequeños placeres al alcance de la mano para resistir. Algunos de ellos podrán compartirlos aquí como siempre, dejando de lado amargas despedidas esta semana y centrándonos en los aspectos símplemente lúdicos de esta nuestra afición, que tendrá un sketch "ñoño" mañana, aprovechando el día de explotación comercial que es, y la tan cacareada reseña de un tebeo que, para el momento que la lean ustedes por aquí, ya se habrá hasta desintegrado de sus estanterías.

Y para dar comienzo a una semana como esta, en la que se confirma poco menos que el apocalipsis del currito español a manos de esa rara avis que es el "empresario bueno para el hombre", les dejo con una canción de los Foo Fighters que viene como anillo al dedo a este lunes, y que además nos sirve para felicitar a la banda por los cuatro grammys que recibieron ayer noche... Ah, los grammys, qué gran premio que ha honrado hasta a los Solfamidas... Y con esto servidor les deja, a la espera de que tengan una buena semana. Sean ustedes buenos y como siempre, tengan mucho cuidado ahí fuera...

Long way to ruin
Foo Fighters

Say have you heard the news today?
One flag was taken down
To raise another in its place
A heavy cross you bear
A stubborn heart remains unchanged
No home, no life, no love
No stranger singing in your name

Maybe the season
The colours change in the valley skies
Dear God I've sealed my fate
Running through hell, heaven can wait

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead end in sight

Let's say we take this town
No king or queen of any state
Get up to shut it down
Open the streets and raise the gates
I know one wall to scale
I know a field without a name
Head on without a care
Before it's way too late

Maybe the season
The colours change in the valley skies
Dear God I've sealed my fate
Running through hell, heaven can wait

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead ends

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead end in sight

For every piece to fall in place
Forever gone without a trace
Your horizon takes its shape
No turning back, don't turn that page

Come now, I'm leaving here tonight
Come now, let's leave it all behind
Is that the price you pay?
Running through hell, heaven can wait

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead ends

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead ends

Long road to ruin there in your eyes
Under the cold streetlights
No tomorrow, no dead end in sight

Commissionando CXLII: Al Rio, In memoriam (y II)

2012-02-11T19:22:00.000+01:00

Me gustaría completar lo antes posible el pequeño homenaje a Al Rio con un par de textos escritos por personas que lo conocieron directamente, su representante Terry y el guionista David Campiti,con el que trabajó en la serie Exposure. Os dejo con esas emotivas palabras y con una nueva galería, la mejor muestra de su talento y la herencia artística de un gran dibujante. Tanto personajes Marvel, como DC, dibujos simples o composiciones que podrían servir de portada, ya sea entintándose a sí mismo o sirviendo como base para que otros lo entinten (como Geof Isherwood en la pieza de Batman y Catwoman), todas las piezas son una maravilla que ahora mismo ya tienen el valor de lo irrepetible.

Aquí Terry, amigo de Al Rio y representante suyo durante muchos años. La depresión y los pensamientos suicidas no deberían ser ignorados. Me siento como si hubiese dejado a mi amigo derrumbarse por no reconocer que pudiera necesitar ayuda profesional. Hablaba con él frecuentemente y el arte siempre parecía traerle alegría. Sabía que tenía problemas pero pensaba que los estaba manejando conforme venían. Nunca pensé que pudiera ser un suicida, pero en verdad desearía haber reconocido los síntomas y haber podido hacer algo al respecto. Debería haber visto las señales.
De su última entrevista:
¿Qué te hace seguir?
¿Que qué me hace seguir? Eso es fácil: amo dibujar. Corre sangre con viñetas a través de mis venas. Mi adn está hecho de dibujo, lápices y tinta [risas]. Eso me define, dibujar es la cosa más importante en mi vida. Es mi poder superheróico. Gracias a dios mi misión aquí en la tierra es dibujar...
Te echaré de menos siempre, Alvaro.
Si quieres ayudar a la familia de Al Rio, por favor mira en la sección de arte en venta, o podría hacer prints sobre demanda.Si quieres tan solo donar hazlo aqui. El fallecimiento de Al Rio ha dejado a su familia sin ingresos.
Terry (Al Rio website)

No es un sueño, ni un bulo, ni una historia imaginaria: el artista brasileño Al Rio fallecía esta mañana, 31/1/2012, por un aparente suicidio por ahorcamiento.
Al Rio, nacido Alvaro Araújo Lourenço do Rio el 19/5/1962, creció en Fortaleza, al noroeste de Brasil. Comenzó su carrera en Rio de Janeiro, como artista a principios de los 90, ilustrando libros para una escuela local de inglés. Después de trabajar como director de animación en la misma compañía, Al se convirtió en animador en Brasil para la Disney, trabajando en proyectos como la serie animada de Aladdin.
Tras unirse a la agencia central de comic internacional Glass House Graphics a mediados de los 90, comenzó a trabajar para DC, aunque su gran oportunidad vino al suceder a J. Scott Campbell en la serie de Wildstorm Gen 13. A partir de ahí, Al, conocido por su versatilidad y por su habilidad de dibujar algunas de las más sensuales mujeres de comic, trabajó para Marvel, Vertigo Press, Dark Horse, Chaos! Comics, Avatar Press, Crossgen, Zenescope, Image, y más, dibujando títulos como su propia serie Exposure, Captain America, DV8, Voodoo, Purgatori, Lady Death, X-Men, New Mutants, Spider-Man, Vampirella, y Star Wars, entre muchos otros. En el momento de su muerte, Al Rio estaba a punto de completar Fever Moon, una novela gráfica para Random House (Del Rey), escrita por los autores Karen Marie Moning y David Lawrence, que sería publicada este verano.
Su serie Exposure, la cual Al orgullosamente declaraba como la más sexy historia supernatural jamás creada, ha sido recientemente serializada en exposure.keenspot.com, y una campaña para una colección en tapa dura de Exposure se lanzó hace días en Kickstarter. (Los beneficios más allá de los costes de producción e impresión serán donados a la familia de Al Rio)
Un gran fan de la ciencia ficción, trabajaba en un libro recogiendo todos los aliens, naves, mundos extraños y todo el materia sci-fi que había creado con los años.Al también estaba a medias en la creación de dos libros más: Cómo dibujar chicas al estilo Al Rio y una edición definitiva a gran tamaño de sus pinturas, ilustraciones y dibujos, El arte sensual de Al Rio.
Gran artista, Al también fue una gran persona, asesorando a estudiantes de arte y donando a causas benéficas. Deja tres niños, Rene, Adrielle e Isabel, y a su esposa Zilda. Su funeral tuvo lugar el 1 de febrero en el Cemitério São João Batista, en Fortaleza, Brasil.
Pocos podían dibujar tan bien, adaptándose a tantos estilos sin esfuerzo como Al Rio, dijo David Campiti, su agente durante muchos años. Estuvimos juntos semanas atrás trabajando duro en sus proyectos, así que la noticia de su muerte es todo un shock. Fue un amigo de toda la vida cuyo arte era un placer para mí e incluso inspiró la carrera de dibujante de mi mujer. Generoso y humilde, será añorado profundamente.
Las contribuciones a su familia pueden realizarse a través de Kickstarter, y las condolencias pueden ser enviadas a través de terry@alrioart.com y David@glasshousegraphics.com.
David Campiti, Bleeding cool.

Commissionando CXLI: Al Rio, In Memoriam (I)

2012-02-08T22:46:00.000+01:00

Hace unos años tenía la buena costumbre de apuntar en una libretita algunos de los contenidos que pensaba ir elaborando y publicando en el blog, desde reseñas de tebeos o películas hasta listas con dibujantes susceptibles de ser incluidos en alguna de las secciones del mismo. Concretamente elaboré una lista con sus buenos 30 nombres de dibujantes que podían aparecer en la sección de commissions por su buen hacer o por su renombre. Uno de los eternos candidatos era Al Rio, que ya por la broma infinita de hacerlo constar todo en acta, en dicha lista aparecía entre Ben Dunn y Renato Guedes. Al Rio era el candidato ideal para aparecer en la sección. Su dibujo contundente y espectacular y su especialización en el género "good girl" -dedicado a mostrar señoritas despampanantes en poses sugerentes, pero siempre dentro de ese estilo suave por el que servidor siempre me ha decantado- garantizaba cuando menos un par de entradas con una selección de la abundante producción de Rio como dibujante de commissions. Desgraciadamente, esas dos entradas serán no tanto un repaso a su obra como un homenaje a un artista que nos dejaba de forma abrupta y sorpresiva hace poco más de una semana. Inmediatamente surgieron palabras de reconocimiento para un autor que quizá mereció mejor suerte a nivel artístico, así como se organizó una recogida de donaciones en la web del artista, el mejor lugar para comprobar sin ningún género de duda el talento que Al atesoraba en sus manos. Estas entradas llegan como los refuerzos del 7º de caballería en la batalla de Little Big Horn, tarde y cuando ya poco pueden hacer más que recordar a un dibujante de los que me gustan, un jornalero para la gloria que trabajó incansablemente durante toda su vida para hacer aquello que más le gustaba y dejando cachitos de su arte y su talento en las casas de cientos de afortunados coleccionistas. En esta primera entrada les dejo con una selección de sus commission a lápiz, así como una semblanza biográfica.

Alvaro Araújo Lourenço do Rio (19 May 1962 – 30 January 2012), conocido profesionalmente como Al Rio, fue un dibujante de tebeos brasileño, mejor conocido por su trabajo de ilustración en el género "good girl" y por las series americanas Gen 13 y DV8, publicadas por Wildstorm Comics.
Otras compañías para las que trabajó Rio fueron Marvel Comics, DC Comics, Dark Horse Comics, Chaos Comics, Image Comics, Zenescope Entertainment, Malibu Comics, Crossgen, Vertigo, y Amazing Comics. Trabajó en títulos como Dungeon Siege, Grimm Fairy Tales, Avengelyne, Voodoo, Grifter and the Mask, Secret Files, WildC.A.T.S., X-Men Unlimited, Captain America, Star Wars - A New Hope, Purgatori, Titan A.E., Exposure, Knockout, Mystic, Peter Parker - Spider Man, Spider-Man, Threshold, y Ana - Jungle Girl. Creó las portadas para discos como The Sexorcist by Necro, Circle of Tyrants o Secret Society.

Fuente: Wikipedia

Lunes ceniciento

2012-02-06T19:03:00.000+01:00

Estos días ando un poco morriñoso porque estoy llegando al final del camino con un par de series de televisión a las que les había cogido cierto cariño. Por un lado, y tras un tiempo de impass en el que no había podido acceder a las dos últimas temporadas, estoy devorando Ashes to ashes, serie británica que continúa las andanzas y peripecias del rudo policía Gene Hunt en el Londres de los ochenta. Saber que te quedan cuatro capítulos para despedirte de un personaje como ese hace que paladees cada minuto y al mismo tiempo quieras dilatar los tiempos al máximo para no llegar a ese instante final que marca irremediablemente el final de una serie. Peor, mucho peor estoy llevando el cierre definitivo de Chuck, serie a la que hemos seguido fiel y devotamente tanto en casa como en este blog (con posts sobre las temporadas uno y dos) y de la que acababamos de disfrutar de su cuarta temporada cuando gracias al amigo Oneyros me enteré del final, diría que a traición, de una serie que ha contado con un fandom fiel y que se ha mantenido en el filo de la cancelación casi desde su primera temporada. Ahí reconozco que va a ser todavía más difícil el visionado y ulterior despedida de unos personajes a los que considero amigos catódicos y que me han ofrecido momentos de entretenimiento de verdadera altura emotiva y humorística.

Y bueno, pues también toca hacer referencia a otra despedida, en este caso virtual, de un pionero e inspirador de prácticamente todos los que durante años hemos estado aporreando el teclado para compartir nuestro amor por los tebeos y por el noveno arte, cada uno a su manera. Después de convertirse en referente, en padre putativo de la tebeosfera, de crear el sitio de referencia para cualquier lector de tebeos de habla hispana, de remozar el aspecto y la morfología del sitio en un par de ocasiones, de capear unas cuantas agrias polémicas merced a los trolls de turno que convirtieron los comentarios de su blog en verdaderos mataderos, y después, en fin, de dar tantos y tantos buenos consejos y reflexiones sobre el mundillo de una forma lúcida y serena, Álvaro Pons decidió echar el cierre a La cárcel de papel hace unos días. Se acaba verdaderamente una era.

La verdad es que empezar la semana con tanta despedida, con el tiempo frío y los cielos encapotados puede no ser la forma más óptima, pero lejos de dejarnos vencer por ese ambiente tristón trataremos de extraer la energía y el optimismo suficientes como para plantearnos una semana en condiciones, en la que podrán disfrutar de la reseña comiquera que quedó en el tintero y de una galería dedicada a un autor que nos abandonó la semana pasada de forma igualmente abrupta y repentina -demonios, otra despedida- y al que me gustaría rendirle siquiera ese sencillo y simple homenaje en forma de recuerdo de su obra. Debería ser Bowie el que amenizara esta entrada, pero cenizas hay muchas, y en este caso serán los muchachos de Faith No More los que nos hagan llegar aquello de Cenizas a las cenizas... Sean ustedes buenos y vuelvan cuando gusten por esta su casa virtual, y recuerden, como siempre, tener mucho cuidado ahí fuera.

Ashes to ashes
Faith No More

I want them to know it's me
Its on my head
Ill point the finger at me
Its on my head

Give it all to you, then I'll be closer

Smilin with the mouth of the ocean
And I'll wave to you with the arms of the mountain
Ill see you

I will let you shout no more
Its on my head
Ill pick you up from the floor
Its on my head
Ill let you even the score
Its on my head

Give it all to you, then I'll be closer

Smilin with the mouth of the ocean
And I'll wave to you with the arms of the mountain
Ill see you

Give the same to me then I'll be closer closer
Give the same to me then I'll be closer closer

Smiling with the mouth of the ocean
And I'll wave to you with the arms of the mountain

Give the same to me then I'll be closer closer
Give the same to me then I'll be closer

Commissionando personalmente XXVII: Greg LaRocque

2012-02-05T13:57:00.001+01:00

Lo prometido es deuda, y esa deuda se la iba a pagar a mediados de semana, pero resultó que el dibujo que hoy les dejo aquí para rematar la semana estaba entre el fondo de "desaparecidos" del archivo virtual. He tenido que esperar al fin de semana y al ratillo muerto de la mañana dominical para escanear la commission de Greg LaRocque a cachitos y dejársela a ustedes tan apañá como verán bajo estas líneas. Lo cierto es que del trabajo de Greg LaRocque poco más me resta por añadir. Al post sobre sus originales con una breve nota biográfica se añaden los dedicados a su carrera actual como dibujante de commissions (aquí y aquí), que ofrece regularmente en Ebay y en otras plataformas digitales como Comic Art Commissions. Siendo uno de esos nombres a los que recordaba con agradecimiento de mis lecturas juveniles, cuando se dio la oportunidad decidí aprovecharla, llegando a un acuerdo con él para conseguir una pequeña rebaja en un dibujo de dos personajes a lápiz sin fondo. Decidí centrarme en los personajes de la Legión de Super-Héroes, y principalmente en los miembros femeninos de la misma. Al final opté por dos de los personajes más espectaculares y a la vez más sufridos de la era Levitz, Estrella del Alba y Sombra Nocturna, que pasaron sendos calvarios en sus relaciones personales con Wildfire y Mon-El respectivamente. El dibujo resultante es de una gran calidad, y el detalle conseguido con el lápiz hace que uno se acuerde una vez más de lo poco favorecido que quedaba su arte tras el entintado de Mike DeCarlo. De propina les dejo el print de regalo que el caballero me envió acompañando a la commission, de nuevo con la majestuosa Estrella del Alba surcando las estrellas. Dejo ya de darles la chapa y me retiro al calor de mi sofa para cobijarme tras una manta y cuatro gatos y disfrutar del limbo de reposo y tranquilidad que para servidor de ustedes es la tarde de los domingos.

Sketch-busters CXCVIII: Keramidas

2012-02-02T19:18:00.000+01:00

Como avanzaba el lunes, hoy recupero uno de los dibujos realizados en la guarda de un album, costumbre y condición sine qua non para que los artistas europeos dediquen con firma y dibujo sus trabajos, huyendo de la hoja en blanco y de los usos mercantilistas de la misma que unos cuantos desalmados practicaban. A mí personalmente me gusta conservar la colección de sketchs aparte, en sus correspondientes carpetas, en tanto resulta más fácil revisar la colección de cuando en cuando. La visibilidad de los álbumes dedicados se reduce muchísimo, a las contadas ocasiones en que se vaya a releer el tebeo en cuestión. A pesar de todo, es un aro por el que apetece pasar en más de una ocasión, y muestra de ello serían las dedicatorias de Giardino o de Guarnido en sus respectivos álbumes. En esta ocasión, se trata del dibujante francés Nicolas Kéramidas, cuyos inicios se dieron en el campo de la animación. El artista trabajó para Disney en proyectos como Tarzán, El jorobado de Notre Dame, Hercules o Lilo y Stitch. Junto al gran Crissé realizó la serie de álbumes Luuna, en los que se narran las aventuras de una joven india que durante su iniciación recibe no uno sino dos animales totémicos, un lobo blanco y otro negro que reflejan la dualidad entre el bien y el mal, surgiendo esta última en las noches de luna llena. Kéramidas fue uno de los autores invitados al Salón del Comic de Barcelona del año 2007 por Norma Editorial, cuyo stand se convierte día tras día en el lugar de obligada visita para los amantes del comic europeo, la ilustración y ciertas colecciones americanas. Aunque no conocíamos la obra del artista francés, seguimos el buen consejo de Milo y matamos un ratillo en una cola bastante tranquila, que tuvo una más que cumplida recompensa no sólo con la dedicatoria, sino con el buen rato que la lectura del álbum nos deparó posteriormente.

Los lunes, como el relámpago...

2012-01-30T19:17:00.000+01:00

Son fugaces, golpean con una descarga eléctrica y generalmente vienen precedidos por el atronador fin de semana. Lo mejor que se puede esperar de ellos es que desaparezcan rápidamente, aunque uno siempre sabe que "caerá" otro nuevamente al cabo de los siete días. Eléctrico comienzo de semana tras unos apretados días en que la sombra de Flash me ha perseguido e inspirado a la hora de correr como alma que lleva el diablo por las calles de mi ciudad. También es verdad que ya creo que va siendo hora de hincar por un momento la rodilla en el suelo, parar por un momento la carrera, dejar que los pies se recuperen, disfrutar del momento y del paisaje y tomar aliento para lo que sin duda está por venir. Ah, Wally, juntos podemos correr hasta donde queramos, amigo...

Tanta prisa y tanto apretar el paso me hizo perder el ritmo en algunos aspectos, como en este blog, y se quedó en la cuneta el post dedicado a la commission de Greg LaRocque, que aparecerá sin falta esta semana, al igual que una nueva entrega de la sección de dibujos de colección, en la que, estoy caprichoso, recuperaré alguna dedicatoria hecha en album. Por lo demás, tranquilidad y expectación a partes iguales, a ver qué es lo que nos depara la semana. Les dejo con una canción que me ha puesto las pilas a lo largo del día, a la espera de que la disfruten por lo menos tanto como un servidor, y les emplazo a que regresen por esta su casa virtual cuando quieran o puedan. Yo por mi parte, les deseo lo mismo que deseó Superman para acabar con la Crisis Final: lo mejor para todos y cada uno de ustedes.

Dog days are over
Florence & The Machine

Happiness, hit her like a train on a track
Coming towards her, stuck still no turning back
She hid around corners and she hid under beds
She killed it with kisses and from it she fled
With every bubble she sank with a drink
And washed it away down the kitchen sink

The dog days are over
The dog days are done
The horses are coming
So you better run

Run fast for your mother run fast for your father
Run for your children for your sisters and brothers
Leave all your love and your longing behind you
Can't carry it with you if you want to survive

The dog days are over
The dog days are done
Can you hear the horses
'Cause here they come
And I never wanted anything from you
Except everything you had
And what was left after that too. oh.

Happiness hit her like a bullet in the back
Struck from a great height
By someone who should know better than that

The dog days are over
The dog days are gone
Can you hear the horses
'Cause here they come

Run fast for your mother and fast for your father
Run for your children for your sisters and brothers
Leave all your love and your longing behind you
Can't carry it with you if you want to survive

The dog days are over
The dog days are gone
Can you hear the horses
Because here they come

The dog days are over
The dog days are gone
Can you hear the horses
Because here they come

Flashpoint: Punto de impacto alternativo

2012-01-28T18:26:00.000+01:00

Estamos en un mundo muy diferente de cómo lo conocemos. No hay héroes encapuchados, ni supervillanos. Los Estados Unidos ganaron la Guerra Fría gracias a la intervención de un único hombre extraordinario con poderes de velocidad concedidos por un rayo y un baño de productos químicos electrificados. Gracias a Flash se evitó el desastre de la Bahía de Cochinos y la intervención en Vietnam. Pero más todavía. En una mañana soleada, en Dallas, Flash se interpuso entre una bala y el presidente Kennedy, que escapó con vida. El sacrificio de Flash fue enorme, pues la bala le destrozó la espina dorsal y dejo al hombre vivo más rápido postrado en una silla de ruedas, aun cuando se mente conservara la habilidad de procesar y analizar información a una velocidad diez veces superior a la de cualquier computadora. Lo que para cualquier hombre habría supuesto un drama insuperable, para Barry Allen no fue más que un escollo temporal. Apoyado incondicionalmente por su esposa Iris, y con la inestimable ayuda de Vandal Savage, un brillante científico, Allen creó Flash Enterprises, una empresa dedicada al estudio de la ciencia y al progreso de la humanidad.

En el año 99 los avances de Savage y Allen han permitido a los EEUU, gobernados aún por un John Fitgerald Kennedy, afrontar uno de sus más ambiciosos retos: la exploración de Marte, el planeta rojo, mediante una expedición formada por Wally West y James Jesse. El descubrimiento de un extraño artefacto marciano provocará un accidente que dejará a West convertido en poco menos que un relámpago humano, para desconcierto de sus superiores. La atención provocada por esos extraños acontecimientos hará que Ralph Dibny, un investigador privado, realice pesquisas para su cliente, un hombre misterioso con pánico al fuego y facilidad para desaparecer muy interesado en saber qué se ha descubierto en Marte. Todas las piezas se disponen sobre el tablero antes de que las traiciones, los sacrificios heróicos y la fuerza de la velocidad pongan patas arriba el mundo de Barry Allen una vez más y se vea forzado, a pesar de todo, a convertirse en el hombre que salve al mundo de su punto más crítico.

Flashpoint (1999-2000) fue una serie limitada de tres números ambientada en el universo Elseword que exploraba versiones alternativas de los héroes DC de toda la vida jugando con los conceptos conocidos y buscando sorprender al lector con nuevos enfoques o situaciones. Los guiones corrieron a cargo de Pat McGreal, un cómico con créditos en comics Disney, aquí elabora un trabajo bastante serio en el que apenas hay alivio cómico y en el que aparecen bastantes personajes de la mitología de Flash en roles completamente diferentes (el Capitán Frío es científico, el Bromista es astronauta, Savage es el socio de un Barry Allen paralítico...), aunque manteniendo en todo momento la fidelidad a la esencia de los mismos. La historia, que no excede en extensión a tres comic-books, se toma su tiempo para plantear la situación, ofrece una parte central de sorpresas y revelaciones y culmina en un espectacular clímax que llevará a Flash a otros mundos y realidades para salvar la suya propia. A cargo del dibujo nos encontramos al gran, y nunca suficientemente bien valorado, Norm Breyfogle, un dibujante todoterreno que flaquea en la parte central de la historia para dar el do de pecho en el espectacular clímax de la historia.

Me ha apetecido recuperar este tebeo, editado ahora hace doce añitos de nada, y creo que hasta el momento inédito en nuestro país, por motivos más que obvios. Dejando de lado que Flash es uno de mis personajes preferidos, este mes comienza la edición en España de Flashpoint, el gran megaevento de DC que se ha cargado el universo de personajes y de historias que tanto he amado a lo largo de los años y lo ha renovado por completo. A falta de leer la serie, que comentaré oportunamente cuando termine su publicación, ya avanzo que esta ha sido la más demoledora señal de que los pijamas han cumplido ya su ciclo vital en mi interés cultural por los mismos, y más cuando constato que lo que más me apetece leer, revisar o recuperar son tebeos publicados cuando menos hace tres lustros o realizados autores, desgraciadamente cada vez menos. Esperemos que mis Hombres G (Grant y Geoff) mantengan el tipo, porque si no...

Sketch-busters CXCVII: Mézières

2012-01-25T20:40:00.013+01:00

Aún a falta de poder escanear todos los dibujos y ordenarlos apropiadamente -encontrar hueco para hacer 300 pasadas de escáner en mi tiempo libre después de pasarme la mañana haciendo lo mismo por amor al trabajo no me motiva en exceso, ya me entienden- rebuscando rebuscando entre las carpetas me ha saltado a la vista inmediatamente este autor francés y este personaje, de los que creo haberles hablado ya con anterioridad en aquella entrada sobre los tebeos de mi infancia. Dado que esta será la única entrada dedicada a Mézières en el blog, muy a mi pesar, pues les dejo primero su reseña biobibliográfica cortesía de la Wikipedia y luego les hablo algo de Valérian y Laureline.

Jean-Claude Mézières (23 de septiembre de 1938) es un historietista e ilustrador francés. Nació y creció en París, fue introducido en el dibujo por su hermano mayor e influido por dibujantes como Hergé, Franquin y Morris, y más tarde por Jijé y Jack Davis. Se educó en el Institut des Arts Appliqués, trabajando hasta su graduación como ilustrador de libros, revistas y publicidad. Su gran interés por el mundo del Oeste americano, le llevó a viajar a los Estados Unidos en 1965, en busca de aventuras como vaquero, una experiencia que sería de gran influencia en todo su trabajo posterior.
A su vuelta a Francia, Mézières se unió a su amigo de la infancia Pierre Christin para crear Valérian: Agente Espacio-Temporal, su más célebre serie de historietas de ciencia ficción y que ha sido de notable influencia para multitud de películas de ciencia ficción y fantasía como Star Wars. Mézières también ha trabajado como diseñador en diversos proyectos cinematográficos, destacando El quinto elemento de Luc Besson. Por otra parte, ha continuado su trabajo como ilustrador en otros medios. Además, ha impartido cursos sobre producción de cómics en la Universidad de París VIII, Vincennes.
Mézières ha sido reconocido internacionalmente con numerosos premios prestigiosos, entre los que destaca el Grand Prix de la ville d'Angoulême.

Como con otros tantos tebeos, mi primer contacto con Valérian, agente espaciotemporal se produjo en una biblioteca municipal, leyendo y releyendo los mismos tomos remendados con celo y amarillos por el tiempo y el uso, y con aquellas graciosas fundas para la ficha bibliotecaria pegadas en la contracubierta y con las fechas de devolución estampadas a lo bruto sobre la misma. A Valerian me lo encontraba verano tras verano, pues sólo estaba su colección en la biblioteca de Santa Pola, y además mermando año tras año hasta el punto que sólo estaba disponible para préstamo el álbum Los héroes del equinoccio, uno de los tebeos que más veces habré leído en mi vida. Mucho había en aquellas páginas que me cautivaba: un dibujo colorido y repleto de seres fantásticos, una ambientación de fantasía desbordante y mundos imposibles, una protagonista sensual y de armas tomar que salvaba el día en más ocasiones de las que a su compañero le gustaría reconocer, y un protagonista de aquellos con los que me resultaba fácil identificarme, un tipo honesto y decente al que la etiqueta héroe a su pesar le venía como anillo al dedo. La presencia de Jean-Claude Mézières en el Salón del Comic de Barcelona del año 2006 fue para mí un acontecimiento y una cita obligada a la que hice lo posible por no faltar, y aquí tienen el resultado. En este caso me debatí hasta el mismo instante final en ceder a mi amor platónico por Laureline, pero finalmente me decanté por Valérian, antihéroe de mi infancia hasta los restos. Les dejo de propina la simpática dedicatoria que realizó en el tomo, que por cierto tras un par de lecturas y poco uso ya presenta alarmantes señales de desmonte. Este tebeo en una biblioteca de las de mi época no habría aguantado ni un mes...

El lunes del Dragón

2012-01-23T19:02:00.006+01:00

Comienza hoy para la cultura china un gran año, el año del Dragón, augurio de buena suerte que ya me gustaría poder hacer mío y convertirlo en una señal de buenas cosas por venir. Quizá para favorecer ese deseo hasta le dedicamos la cena del domingo, a base de comida china de la de aquí para dar la bienvenida en nuestra casa al bichillo de la buena suerte. Y desde luego, aunque no fuera por el influjo de la mitológica criatura, la semana pasada vio por primera vez en mucho tiempo en este su espacio virtual de entretenimiento freak no solo cumplido el programa semanal al pie de la letra sino que superé la maldición de las tres entradas semanales, ritmo al que me había acomodado durante bastante tiempo. No les engaño, ese será más o menos el ritmo habitual de muchas semanas, pero también es cierto que he empezado con ganas el año y con el ánimo de reverdecer viejos laureles blogueros, por lo menos en cuanto a producción escrita se refiere. Para los próximos días, verán por aquí una critiquilla comiquera de un tebeo que cuenta con unos añitos a sus espaldas pero que comparte título con otro de candente actualidad -y que me servirá de paso para hacer público el motivo de la apatía lectora que me ha invadido los últimos meses-, compartiré con ustedes la commission de Greg LaRoque para finalizar el repaso al trabajo de dicho autor en cuanto a mí se refiere y estoy pensando en dedicar una entrada de Aquellos maravillosos años a una película ochentera y dragonesca que pude ver decenas de veces de chaval y que en aquella época fue lo más para mí y mis hermanos. Pero el tiempo, y el Dragón, dirán si el aliento de la creatividad ha quemado las telarañas de mi pereza invernal lo suficiente como para cumplir con todo ello.

No les doy más la chapa y les dejo con una canción que no puede más que continuar con el homenaje rendido a John Belushi que ayer, con una sentida y cumplida reseña de la biografía no precisamente elogiosa de Bob Woodward, realizaba al que será hasta el fin de los tiempos uno de mis referentes iconográficos y culturales más personales. La canción elegida no es precisamente de mis preferidas, pero lo cierto es que la identificación personal de John con la letra provocó interpretaciones verdaderamente desgarradoras de la misma, con una intensidad tal que llegó a estremecer a sus propios compañeros de la Blues Brothers Band, que sabían que Jake Blues estaba cantando sobre los problemas que atormentaban a la vida de John Belushi. Esa intensidad y ese desgarro se ha trasladado a prácticamente todos los conciertos de la BBB que hemos visto en directo, y el momento de interpretar Guilty es uno de los más emotivos... Ahí les dejo con el temazo, señores. Sean ustedes buenos, disfruten de la semana y vuelvan cuando gusten. Y recuerden, amigos, tener mucho cuidado ahí fuera.

Guilty
Blues Brothers

Yeah baby, yeah I've been drinkin'
And I, I shouldn't come by, no
But I found myself in trouble
And I had nowhere else to go

Got some whiskey from the barman
I got some cocaine from my friends
I gotta keep on movin'
Til I'm back in your arms again

Guilty, yes I'm guilty
And I'll be guilty for the rest of my life
How come baby, how come I never do what I'm supposed to do
How come everything I try never turns out right?

You know how it is with me baby
You know I just can't stand myself
And it takes a whole lot of medicine darling
for me to pretend that I'm somebody else

The Blues Brothers - Guilty por presidentcletus

Como una moto: La corta pero intensa vida de John Belushi

2012-01-22T16:35:00.020+01:00

El cinco de marzo de 1982 el cuerpo sin vida de John Belushi fue hallado en su apartamento del Chateau Marmont, un complejo residencial situado en Sunset Boulevard. El cuerpo mostraba señales evidentes de consumo de drogas y la autopsia confirmaría las elevadas dosis de cocaína y en menor grado heroína que la sangre y la orina del actor contenían. A sus 33 años, con 140 kilos de peso, solo, y tras un largo período en el dique seco a nivel artístico y profesional, dejaba este mundo uno de los actores cómicos más intensos y sólidos de cuantos nos han hecho reír a lo largo de las últimas décadas. El periodista y escritor Bob Woodward, conocido mundialmente por haber coescrito el libro Todos los hombres del presidente junto a Carl Bernstein en el que destapaban el escándalo del Watergate que inició la caída de la administración Nixon, recibió el encargo de hacer una serie de artículos para el Washington Post sobre la muerte en extrañas circunstancias de Belushi.

Los pasos preliminares fueron visitar a la viuda de John, Judy, en su casa de Martha's Vineyard, y en una investigación previa con los más allegados al actor, su mánager Bernie Brillstein o su compañero y amigo Dan Aykroid. Pronto se hizo evidente para Woodward que John Belushi era un sujeto demasiado grande para una mera serie de artículos. En palabras de Brillstein, "John es un libro". Y así Bob Woodward, escritor de prestigio que ha sido un grano en el culo para prácticamente todas las administraciones que han gobernado EEUU desde los años 70, dedicó dos años de su vida en escribir un monumental retrato sobre un hombre que vivió como quiso y cuya intensidad dentro y fuera de la pantalla pequeña y grande le marcaron como artista y como ser humano. A través de cientos de entrevistas con 217 personas relacionadas con John y los testimonios de una cincuentena de testigos no acreditados que corroboraban total o parcialmente las historias de los primeros, y contando con el respaldo documental de un vasto corpus de agendas, diarios, extractos bancarios y de tarjetas de crédito, informes médicos y policiales, registros de hotel, facturas de taxi, restaurantes, limusinas, Woodward elabora un exhaustivo relato de la vida de John Belushi que se publicó en EEUU en 1984 con el título de Wired: The fast times and short live of John Belushi.

En España, tan adelantados en todo y atentos a todo aquello que pueda interesar al lector medio, tan solo hemos tardado 27 años en poder acceder a una traducción de ese libro, editado por Papel de Liar con el título de Como una moto: La vida galopante de John Belushi. Resultaría ridículo recordarles lo mucho que adoro a ese actor que, con tan sólo siete películas -únicamente decentes la mitad de las mismas-, tres discos y cuatro temporadas en el Saturday Night Live se convirtió en uno de los actores más queridos en su país merced a la interpretación de personajes tan icónicos como el Samurai Futaba, Bluto Blutarski, Joliet Jake Blues o Wild Bill Kelso. Leer las más de 500 páginas del libro de forma compulsiva, a veces con una sonrisa en los labios, a veces con una mueca de disgusto, ha sido una experiencia agridulce, repleta de luces y sombras, las mismas que Woodward nos retrata a lo largo de su intenso retrato del actor, un relato que pasa de lo general -sus inicios, su carrera en Hollywood, la relación con sus amigos- a lo particular, la pormenorizada reconstrucción de los últimos 18 días de vida de John Belushi.

El libro ofrece un exhaustivo repaso a los inicios de la carrera de Belushi, actor aficionado con dotes para la comedia, la improvisación y las imitaciones que huyó de la herencia familiar -restauración- para abrazar su sueño de actuar, primero en el circuito independiente de Chicago con sus amigos Insana y Beshekas y más tarde en el teatro Second City de Chicago, donde coincidió con Chevy Chase. Tras labrarse una prestigiosa reputación Belushi formó parte de un proyecto televisivo arriesgado e innovador en la época, sin saber ni soñar quizá que estaban iniciando una institución televisiva estadounidense aún hoy vigente y en forma y de la que acabaría siendo uno de sus pilares fundamentales y uno de sus más insignes representantes. Me refiero claro, al Saturday Night Live. Sus actuaciones eléctricas, intensas, con una presencia física arrolladora que se transmitía a sus sketchs o a sus célebres imitaciones -Marlon Brando, William Shatner o Joe Cocker parecía cobrar vida en él-. La rivalidad con sus compañeros de plató como Chevy Chase, las dudas sobre su talento o la voluntad de innovar desarrollando nuevos personajes junto a su colega y amigo Dan Aykroyd -los Blues Brothers- resultan familiares para el conocedor del actor pero se nos narran con agilidad, humor -se llegan a transcribir gags enteros- y una fría objetividad que aún así calan hondo en el lector.

Del SNL y la cada vez mayor popularidad del actor a Hollywood solo hay un paso, quizá el de actuar como secundario en la película Rumbo al sur (Jack Nicholson, 1978) junto a Jack Nicholson. Luego llegó Desmadre a la americana (John Landis, 1978) y la explosión de popularidad que supuso el papel de Bluto Blutarski, zafio, vago, borrachuzo, noblote... futuro senador de los Estados Unidos de América. El esperpento de las universidades americanas y sus hermandades tamizado por el humor del National Lampoon's fue un taquillazo y lanzó a John a la fama. Este fue el único éxito cinematográfico real de la carrera de Belushi. Indeciso sobre qué pasos seguir, aceptó un papel secundario en Viejos novios (Joan Tewkesbury, 1979) junto a Talia Shire, una muchacha que supera sus inseguridades del pasado enfrentándose a sus antiguas relaciones. Steven Spielberg, que había quedado impresionado por Bluto, casi le preparó un papel a medida para su farsa 1941 (Steven Spielberg, 1979), una película desaforada y mastodóntica sobre la histeria de masas que se vivió en Los Angeles tras el ataque a Pearl Harbour. El mayor fracaso de la carrera de Steven Spielberg ha acabado adquiriendo categoría de película de culto, pero en la época hizo mucho daño a su carrera y a la de Belushi, que parecía incapaz de repetir su primer gran éxito.

Su siguiente proyecto, el salto a pantalla grande de los Blues Brothers, un canto de amor al blues, el soul, la vida golfa y las relaciones fraternales que aquí conocimos como Granujas a todo ritmo (John Landis, 1980), se saldó con un relativo fracaso, y eso a pesar de que los discos de los Blues Brothers vendieron millones de copias. De nuevo el fracaso acabó convirtiéndose en clásico de culto con el paso de los años y hoy en día los Blues Brothers son una institución mundial con atracciones en parques temáticos, bandas tributo y continuos pases televisivos de la película. Sus dos siguientes proyectos se saldaron de nuevo con sendos fracasos de taquilla, paliados en parte por las estrategias de los ejecutivos. La comedia romántica Continental Divide (Michael Apted, 1981) y Neighbours (John G. Avildsen, 1981), una comedia negra sobre un gris habitante de suburbio que ve su vida puesta patas arriba por la llegada de unos estrambóticos vecinos, suponen un triste y decepcionante colofón para una carrera que ya jamás pudo llegar a remontar.

Si aquí están las luces y las mieles de John Belushi, Woodward nos ofrece la mirada al lado oscuro de la vida nocturna de Los Angeles, Nueva York o Chicago, las tres ciudades que marcaron la vida y el descenso a los infiernos del actor. Por las fiestas y farras de días, repletas de consumo de alcohol y toda clase de drogas circulan personalidades como Chevy Chase, Dan Aykroid, Carrie Fischer, James Taylor, Carly Simon, Candice Bergen, Robin Williams, Robert De Niro, Treat Williams, Ed Begley Jr., Jack Nicholson, Hugh Hefner, y toda una pléyade de acólitos, admiradores, amigos y compañeros que se veían completamente deslumbrados y absorbidos por la que describen como una de las presencias más arrolladores y fascinantes y al mismo tiempo patéticas y repulsivas de cuantas conocieran jamás. En concreto la tercera parte del libro, que reconstruye sus últimos días, nos presenta a un actor cada vez más al margen del sistema, incapaz de poner en marcha sus dos siguientes proyectos (una comedia junto a Ayckroyd que iba a ser dirigida por Louis Malle, Moon over Miami, y una farsa de enredo sobre un experto en vinos que se ve inmerso en una trama de tráfico de diamantes, Sweet deception, rebautizada como Noble rot), alejado de su mujer y rodeado de todas las tentaciones que la ciudad de los sueños rotos puede ofrecer. Playmates, amigas, suministradores, fiestas, colegas... Es una inmersión aterradora y fascinante, en la que muchos de sus conocidos refieren una especie de melancolía desesperada en un hombre que quería vivir a su manera. El crepúsculo del dios Belushi...

Para mí uno de los aspectos más emotivos del libro y que más me interesaba del mismo por motivos obvios es el retrato que se hace de la relación entre John y Dan, Belushi y Ayckroyd, los compañeros de programa con una relación simbiótica en la que el primero aportaba la energía electrizante y catalizadora y el talento bruto y el segundo la elaboración técnica de guiones y gags y la calma necesaria para garantizar la culminación de un proyecto. Inquietos, recorrieron el país juntos en coche, montaron bares de blues en Chicago y Nueva York para sí mismos y sus amigos, con el único objetivo de compartir su amor por esa clase de música y de disfrutarla siempre que quisieran. En el momento de la muerte de Belushi, Ayckroyd estaba trabajando en los guiones de dos películas que ambos habrían tenido que protagonizar: Cazafantasmas y Espías como nosotros, papeles que heredaron Bill Murray y Chevy Chase respectivamente. Se conocían tanto y tan bien, que John hizo prometer a Dan que en su funeral pondría una canción en concreto, 2.000 pound bee, de los Ventures, una broma privada sobre sus tiempos en el SNL. Y Dan lo hizo. Acabo esta pequeña reseña con las dos fotos que resumen a la perfección la alegría y la tristeza que me ha supuesto leer este libro, la amistad sincera de dos buenos colegas, la tristeza por el camarada caído...

Galería de originales LXV: Greg LaRocque (I-IV)

2012-01-21T18:54:00.013+01:00

Hoy toca disfrutar del trabajo de un viejo conocido de este blog, el dibujante Greg Larocque, uno de esos curiosos y lamentables casos en los que la industria parece obviar y desestimar por completo el talento de un artista cumplidor y cuya obra resulta atractiva para el gran público, pero no tanto como la de artistas más hot con más problemas de entrega y no necesariamente mejores. Comentamos en profundidad su trabajo para el Flash de Mark Waid en la incompleta serie de artículos -aún tengo pendientes los dos últimos- sobre la magna etapa del personaje, y le dedicamos un par de entradas de commissionando en las que repasábamos en profundidad el impacto que su obra había causado en los años 80 en unos cuantos cómics clave del momento y más concretamente la huella que sus tebeos de Spiderman o de la Legion de Super-Héroes habían causado en mí. Aunque trabajara para las dos mayors en alguna de sus colecciones más destacadas, y en la mayoría de casos con la confianza suficiente por parte de los editores como para cubrir largas etapas como dibujante titular de una colección, lo cierto es que su nombre fue desapareciendo progresivamente de los créditos comiqueros, hasta el punto de que en los últimos años sólo ha trabajado realizando commissions -para qué les voy a engañar, fue una de mis elecciones un tanto culpables con un dibujo que espero compartir en breve- y autoeditando algunos trabajos para la editorial Exile, creada por él mismo. Como ya les di la chapa en su momento, hoy les dejo con una breve reseña escrita por él mismo para su web y con el texto que le dedica Lambiek.

Gracias por visitar mi site. Soy Greg LaRocque, y he estado trabajando como artista desde que tenía 17 años. He ilustrado comics desde 1980. Mis créditos incluyen Web of Spiderman, Avengers, Legion de Super Héroes, Flash, Iron Man, CryBaby y más. Mi trabajo de commissions incluye fantasía, super héroes y retratos. Puedes ver ejemplos de mi trabajo en las carpetas. Creé Exiled Studio a mediados de los 90 para publicar mi propio trabajo. Exiled Studio ha publicado desde entonces 4 comics y 3 novelas gráficas. La editorial puede gestionar todas las necesidades creativas y editoriales. Contacta conmigo en greglarocque1@verizon.net para comentar cualquier proyecto que tengas en mente, ya sea una ilustración o ayuda en ver tu comic publicado.

El artista de comic americano Greg LaRocque comenzó como profesor asistente para el Instituto Profesional de Arte en Baltimore, Maryland, cuando sólo tenía 17 años. Trabajó entonces en publicidad por un tiempo, antes de comenzar su carrera en los comics en Nueva York en los primeros años 80. Desde entonces, ha trabajado tanto para Marvel como para DC al mismo tiempo. Ha dibujado para Marvel Web of Spider-Man, Thor, The Avengers y Power Man & Iron Fist.

Tuvo una larga etapa en la Legion de Super-Héroes de DC con Paul Levitz y Karen Berger [guionista y editora respectivamente]. Tuvo otra notable etapa en Flash en los 90 con Mark Waid, en la que rediseñó el uniforme del personaje. Formó Exiled Studios a mediados de los 90 y lanzó sus series de propia creación The Exiled y Cry Baby. LaRocque también ha trabajado como diseñador gráfico en productos licenciados de SpongeBob, Looney Tunes y Batman.

Aunque siempre he tenido pendiente conseguir una de sus páginas para las etapas de Flash o de la Legion, tiempo ha me surgió la posibilidad de conseguir un lote de cuatro páginas por un precio realmente asequible. Fue un trabajo de relleno para la serie Justice League Task Force, un invento que se sacó la editorial de la manga para explotar la popularidad de la JLE en aquella época y que contaba con equipos artísticos rotatorios. LaRoque realizó este fill in sobre guión de Jeph Loeb para una historia que enfrentaba a un equipo de nuevos héroes -surgidos durante uno de esos eventos anuales tan publicitados como olvidables y perdidos en la memoria, Bloodlines- dirigidos por el Detective Marciano contra Wildman. Aquí les dejo esa casi secuencia de cuatro páginas. Cómo ganaba el trabajo de este hombre en cuanto Mike DeCarlo no andaba por las inmediaciones...

Sketch-busters CXCVI: George Pratt (II)

2012-01-18T19:20:00.022+01:00

Y ya que la semana pasada recuperaba el dibujo que George Prat realizó para Leti Sparks en el año 2004 y lo ubiqué en su correcta perspectiva espaciotemporal -resumida en Avilés 2.0, a la espera muy mucho me temo de un 3.0 que me devuelva a un ambientillo que amo con todo mi ser-, hoy toca el sketch que un servidor tuvo la suerte de conseguir ese mismo año, acompañado además de una cumplida reseña biográfica sobre el artista que aparece en su web. Y para aclarar, no me refiero a que se haga alabanzas innecesarias sobre la carrera o el talento de Prat, sino a que es un texto prolijo en detalles e información sobre un dibujante e ilustrador que merece la admiración y el reconocimiento de los aficionados.

Nacido el 13 de octubre de 1960 en Beumont, Texas, George Pratt se trasladó a Nueva York en 1980 para estudiar dibujo y pintura en el Pratt Institute, donde más tarde enseñaría a nivel medio y superior Metodología y materiales así como Narrativa secuencial a lo largo de siete años. También enseñó durante dos años en la Joe Kubert School en Dover, NJ; dio clases para el programa Máster de Ilustración en SVA para Marshal Arisman; fue profesor visitante durante diez semanas en el Savannah College of Art and Design; y enseñó a tiempo completo en la Virginia Commonwealth University durante tres años. Ahora enseña a tiempo completo en el Ringling College of Art and Design.

Pintor de éxito, su trabajo aparece en colecciones privadas a través del mundo, y ha sido exhibido en el Houston Museum of Fine Art.

La primera novela gráfica de George, El As Enemigo: Idilio de guerra, de DC Comics/Warner Books, ha visto cuatro ediciones americanas, ha sido traducida a nueve idiomas [entre ellos el español], y estuvo en la lista de lecturas requeridas de la Academia militar de West Point. El libro estuvo nominado a los premios Eisner y Harvey a la mejor novela gráfica, y también como mejor novela gráfica extranjera en Angouleme, donde ganó el prestigioso France Info Award for Best Foreign Graphic Novel. En Inglaterra también ganó el SpeakEasy Award for Best Foreign Graphic Novel.

Tierra de nadie, publicada por Tundra, reúne todos los dibujos preparatorios para El As Enemigo: Idilio de guerra en un libro, junto con monotipos inéditos y pinturas, acompañadas de citas sobre la Gran Guerra. El trabajo ha estado en muchas exhibiciones sobre la guerra a través de América, Canada y Europa.

Con Steven Budlong y James McGillion, creó Te veo en el infierno, niño ciego, una película sobre sus viajes a través del delta del Mississipi investigando para su novela del mismo título. El film ganó el premio al mejor documental en el New York International Independent Film Festival, y fue aceptado y proyectado en los festivales de Santa Bárbara, Nashville y Hot Springs. Posteriormente la película fue emitida durante un año por el canal de televisión Bravo.

Harvest Breed, una novela gráfica de Batman para DC Comics/Warner Brothers, fue escrita e íntegramente pintada por George. El libro fue nominado a dos premios Eisner: mejor novela gráfica y mejor pintor.

Wolverine: Netsuke, serie limitada de cuatro números, fue escrita y pintada por George para Marvel Comics. Esta se convirtió es una serie de éxito en ventas, ganó el premio Eisner al mejor pintor/artista multimedia y fue consiguientemente nominada para el premio a la mejor miniserie por la revista Wizard.

Sus proyectos actuales incluyen: See You In Hell, Blind Boy: A Tale of the Blues, una novela de texto escrita por George que incluye sus fotografías, ilustraciones, comics y grabaciones hechas en el delta del Mississippi. Las fotos de George sobre el blues fueron mostradas en el número de estreno del Argosy Magazine.

Find Me A Voice, que incluye pinturas e ilustraciones del Holocausto junto al poeta Gabor Barabas. Esto también ha sido adaptado como obra de teatro representada en Cincinnati, New York y New Jersey.

Artists at the Front, un film documental sobre los ocho artistas encargados por el Gobierno Americano para ir "hacia allá" y pintar la Primera Guerra Mundial desde las trincheras [entre los que se encontraban Harvey Dunn, Wallace Morgan, Harry Townsend, y George Harding, y esto se lo añado por puro completismo freak].

George fue honrado al ser incluído en el volumen definitivo de Walt Reed The Illustrator in America 1860-2000 [portada y texto alusivo a Pratt, aquí]. También fue premiado con la medalla de oro de los Spectrum Awards en el año 2002, y ha visto exhibido su trabajo en muchas ocasiones en la Sociedad de Ilustradores de New York, organización de la que es miembro.

Recientemente completo los dibujos y pinturas para un documental rumano en asociación con Kaigonan Films y National Geographic de Rumania. Titulada Hill 789, el film describe las luchas de Dimitri Dimancescu, un joven teniente del ejército rumano.

George continúa ilustrando y diseñando libros y cubiertas para varias editoriales, incluyendo: Random House, Henry Holt, Inc., Warner Books, Clarion Books, y Columbia Studios.

Actualmente reside en Sarasota, Florida.

Reconozco que en aquella época mi único contacto con Pratt a nivel artístico era la novela gráfica editada por Zinco, y protagonizada por un anciano As Enemigo que repasa alguna de sus "hazañas" de guerra junto a un desencantado periodista de guerra que había visto lo suyo en Vietnam. Fue esa estremecedora, terrible y hermosa reflexión sobre la guerra la que llevé a Avilés para que la firmara, aunque el sujeto de la dedicatoria fue otro, el Sargento Rock, un militar duro y decidido fiel a sus chicos de la Compañía Easy pero que lidiaba en su interior con una profunda repugnancia sobre la guerra y sobre lo que esta sacaba a la luz de los seres humanos. Aquí les dejo con el dibujo en cuestión así como el rapidísimo boceto en lápiz azul de Hans Von Hammer que constituye una de las dedicatorias a las que más cariño tengo de toda mi colección... Y qué ganas me están entrando de volver a leer Idilio de guerra...

Un lunes cualquiera

2012-01-16T18:18:00.006+01:00

Lo cierto y verdad es que este lunes es tan anodino, frío y gris como el día ha amanecido, y poco de nuevo tengo que contarles. La vida sigue, uno intenta mantenerse al pie del cañón en el par de fregados en los que se ha metido por voluntad propia -uno de ellos este; el otro, de momento, lo mantendremos bajo el radar, más que nada por si vuelve a quedarse en agua de borrajas-, busca aguantar el tipo a nivel laboral aunque la sensación de segundo flautista del Titanic sigue estando ahí y halla solaz ocasional en los ratos de esparcimiento con los amigotes o en la lectura compulsiva de alguna que otra joya. Precisamente esta semana, a libro pasado les comentaré la impresión causada por la biografía descarnada de uno de mis mitos personales y gurús espirituales, que no vitales, y cuando lo lean me entenderán perfectamente. Por lo demás, esta semanita podrán disfrutar de un nuevo lote de páginas en mi galería personal de originales y si la cosa se tercia de un nuevo dibujo de colección o galería de commissions, aún no me he decantado por ninguna opción. O las dos cosas, que estamos que lo tiramos, qué demonios.

Y para finiquitar por el momento esa fascinación casi obsesiva que dejó en mí el visionado de Drive, hace ya algunas semanas, les dejo con uno de los temas de su acertada banda sonora. Sean ustedes buenos, no se mezclen con mafiosos chungos, y como dirían en Astro City antes de abandonar su término municipal, Conduzcan con cuidado...

A real hero
College

Be a human being ( being bein being... )

And a real hero ( hero hero hero... )

Back against the wall and odds

With the strength of a will and a cause

Your pursuits are called outstanding

You're emotionally complex

Against the grain of dystopic claims

Not the thoughts your actions entertain

And you, have proved, to be

A real human being, and a real hero

Real human being, and a real hero

Real human being, and a real hero

Real a human being ( being being being... )

One hundred fifty-five people on board

All safe and all rescued

From the slowly sinking ship

Water warmer than

His head so cool

In that tight bind knew what to do

And you, have proved, to be

A real human being, and a real hero

Real a human being, and a real hero

Real a human being, and a real hero

Real a human being

Real a human being ( being being being... )

Real a human being.

Drive: El samurai conductor

2012-01-13T10:39:00.012+01:00

En la ciudad de Los Angeles viven más de cuatro millones de personas a lo largo de su extensa área metropolitana, y por las peculiares características de la industria local, quizá sea una de los lugares del planeta en que más sueños rotos y perdedores existan por cada persona que logre triunfar y alcanzar su objetivo. En ese ambiente solitario y duro vive el Conductor (Ryan Gosling), un especialista profesional que trabaja haciendo arriesgados trucajes de conducción, sin despeinarse cuando tiene que volcar un coche o estrellarlo contra un muro. Su mentor y compañero de trabajo, Shannon (Bryan Cranston) regenta un cochambroso taller de coches y lamenta cada día de su vida la mala suerte que le llevó a un callejón sin salida del que aspira a salir a cada minuto.

Además de su trabajo en la industria del cine, el Conductor hace otros trabajos extra. Cambiando continuamente de teléfono y dirección para que no se le pueda localizar después de cada uno de ellos, el Conductor alquila sus servicios a todo aquel que quiera hacer un trabajo ilegal y necesite una ruta de escape rápida y segura. A la hora convenida, y durante cinco minutos, el Conductor esperará en el sitio convenido. Si los clientes aparecen, el Conductor les llevará a un sitio seguro en el que podrán desaparecer con su botín. Si no lo hacen, quedarán a su suerte. El estricto código personal del Conductor resulta inquebrantable, como lo son sus nervios una vez que coge el volante y tira millas, independientemente de que tenga tras de sí varios coches de policia o helicópteros. Es su rutina y su modo de vida, y así Shannon y el Conductor van tirando en la ciudad de L.A.

Nadie es una isla, y el microcosmos de ambos va a ampliarse fatalmente para ellos. El Conductor conocerá a su vecina Irene (Carey Mulligan) y a su hijo Benicio (Kaden Laos), con los que irá forjando una serena y lenta relación de amistad casi a la desesperada, una suerte de última oportunidad de recordar lo que es sentirse vivo y de disfrutar de la vida, mientras Irene espera que su marido encarcelado, Standard (Óscar Isaac) salga de la cárcel. Por su parte, Shannon entra en tratos con Bernie Rose (Albert Brooks) para patrocinar un coche de carreras arreglado por el mecánico y manejado por el Conductor. Hay un futuro esperanzador y brillante que se abre ante ellos, una posibilidad de huir del pasado y del fracaso, pero la ciudad no perdona, y una serie de coincidencias fatales pondrán en peligro los sueños de todos ellos.

Drive ha sido la película revelación del pasado 2011 sin ningún género de dudas. Arropada por un buen puñado de premios (entre ellos la Palma de oro de Cannes a su director, Nicolas Winding Refn), por una casi unánimemente positiva recepción crítica, y sobretodo por un espectacular boca a boca, Drive ha ido ganando adeptos pese a su tardío estreno en pantallas comerciales y a su distribución limitada en muchos países. Más que sorpresa podíamos estar hablando de la confirmación cinematográfica de un director que en su Dinamarca natal ya había llamado la atención por su trilogía Pusher, un retrato duro, cínico y violento de los bajos fondos de Coppenhague, que emparentaría a Winding Refn con directores como Quentin Tarantino o Guy Ritchie. Posteriormente, sus trabajos en Bronson y Valhalla Rising le permitieron dar el salto a una producción americana, esta Drive que hoy nos ocupa.

Aunque se trate de una película rodada y estrenada este 2011, el espíritu del film hay que buscarlo dos décadas antes. Ya desde los títulos de crédito, un plano aéreo nocturno de L.A. seguido por varias secuencias en las que vemos al Conductor pasear de forma despreocupada por las calles de la ciudad, con su sempiterno palillo en la boca y su chupa de cuero con decoración de serpientes, camino de uno de sus trabajitos, y todo ello acompasado con la canción Night Call de Kavinsky, con unos resabios de tecno ochentero que ya dejan clara desde el inicio la intención del director: Estás viendo una película hecha hoy, pero podría haberla hecho hace veinte años y habría funcionado perfectamente. A través de ese submundo de perdedores, mafiosos de medio pelo con ínfulas de grandeza y soñadores perpetuos que se revuelcan en el fango día tras día a la espera de su gran oportunidad, nos llegan los ecos de las estilizadas fantasías criminales de Michael Mann (Corrupción en Miami, Thief), William Friedkin (Vivir y morir en Los Angeles) o Walter Hill (Límite: 48 horas, Driver). Es con la última de las películas citadas con la que Drive guarda más semejanzas, en tanto presenta una temática similar (el conductor profesional estoico y duro enfrentado a todos) y plantea a sus personajes como arquetipos sin nombre, tipos como el Conductor o el Policía. No se trata a pesar de todo de un remake encubierto o de un homenaje, ya que Drive es la adaptación de una novela de James Sallis, escrita por Hossein Amini (cuyo libreto también ha recibido varios premios y no pocas alabanzas).

Nos encontramos con una película estilizada y elegante en buena parte de su metraje, un retrato amable de unos tipos que pasean por el lado oscuro del sueño americano y a los que las circunstancias de su vida no les dejan demasiadas opciones para llevar una vida feliz. Poco a poco el relato va derivando hacia otra película, a una con un tono más violento y duro, más desencantado. Hay una serie de escenas que permanecen en mi retina con gran fuerza y que me voy a abstener muy mucho de revelar, pero en las que Winding Refn hace un retrato de la violencia de forma dura y visceral al tiempo que estilizada que no dejaron de recordarme el mejor Peckinpah, con ralentís y planos fijos de los que es difícil al mismo tiempo apartar la mirada y mantenerla en los mismos.

Y ya para ir terminando, dado que en lugar de estar leyendo estas líneas lo que deberían estar haciendo ustedes es estar viendo la película, no puedo dejar de glosar dos aspectos más de Drive. El reparto está soberbio, empezando por Gosling que da un recital en cualquiera de sus tres perfiles (el profesional estólido, el tipo que sólo quiere llevar una vida normal, y la máquina de matar), Cranston y su retrato del eterno fracasado que mantiene el optimismo mínimo que le permite seguir respirando un día más y Brooks y Perlman y su composición de mafiosos hijos de perra que hacen lo que deben hacer para sobrevivir aunque alguno de ellos lo pueda llegar a lamentar en el fondo. Solo chirría un poco en el reparto la angelical Carey Mulligan, que está muy bien en su papel de sufrida y sufriente mujer de presidiario, pero que no termina de dar credibilidad a un personaje que habría requerido quizá a una actriz un poco más dura y maltratada por las circunstancias de su vida. Y por supuesto, la banda sonora, la selección de canciones que acompañan al metraje empezando por la ya citada de Kavinsky o los temas Under your spell de Desire (que aparece en una de las mejores secuencias de Drive) o A real hero de College, canción que además nos despedirá de la inolvidable y apasionante experiencia de haber disfrutado de una gran película...

Sketch-busters CXCV: George Pratt (I)

2012-01-12T18:58:00.007+01:00

Estas semanas he estado metiendo mano a la carpeta virtual de originales, y organizándolos de forma más o menos definitiva, en tanto que al no ser tantos como los dibujos de convención, podré tenerlos todos controlados en un plazo menor de tiempo. Además de ubicarlos definitivamente como publicados aquí o en Comic Art Fans, he decidido subirlos todos allí, dándole visibilidad a la colección y compartiéndola definitivamente con la comunidad de coleccionistas de originales. La labor será mucho más ardua en el caso de los sketchs, que por volumen suponen cuatro veces más material que los originales a la hora de clasificarlos, además de que hay mayor cantidad de los mismos que requiere ser escaneada de nuevo. A falta de encontrar el tiempo necesario para liarme el escáner a la cabeza, voy repasando las carpetas hasta encontrar algún dibujillo que todavía no haya compartido aquí con ustedes, y de vez en cuando servidor se lleva alguna sorpresa mayúscula al darse cuenta de que tenía en el limbo alguna joyita como la que hoy pueden ver bajo estas líneas. Se da la curiosa coincidencia de que este dibujo fue conseguido, además, durante las Jornadas del Comic de Avilés del año 2004, o nuestro Avilés 2.0, en tanto que asistimos a él tras un parón y tras una especie de reboot personal a la hora de plantearnos las mismas. Aquel fue un grandísimo año, que contó no sólo con la presencia de autores del nivel de Rick Leonardi, Darko Macan, Marcos Martín, Corominas, Mark Buckingham o George Pratt -que es el artista que hoy nos ocupa-, sino que tuvo dos sonadisimas ausencias -nada menos que Bill Sienkievicz y Darwin Cooke- y fue el año en que conocimos a un grupo estupendo de aficionados a los que desde entonces llamamos amigos y con los que hemos compartido tantos buenos momentos que me resultaría imposible destacar ninguno. Fue un año muy especial y quizá por ello había ido dejando en el tintero los dibujos conseguidos entonces, una forma de burbuja temporal para no desgastar un recuerdo imborrable. El caso es que hoy les dejo aquí -y tras un par de experiencias oníricas desconcertantes soñadas en el transcurso de los últimos días- el retrato aterrador e improsionante que el ilustrador George Pratt realizó de Sandman para miss Sparks. Morfeo fue un personaje al que Pratt llegó a entintar en algún número y del que realizó alguna que otra ilustración verdaderamente impresionante, y fue la elección perfecta para una Leti Sparks devota del personaje y que en Avilés lo ha convertido en uno de sus temas favoritos. Será por aquello de que Asturias es una de nuestras tierras soñadas... Les dejo con Sueño de los eternos. Les mostraré el terror en un puñado de sketchs...

Lunes de "vuelta al cole"

2012-01-09T18:45:00.005+01:00

Aunque ya llevaba una semana de trabajo a cuestas no ha sido hasta hoy en que nos hemos reencontrado con todos los compañeros, con todos los atrasos y con todas las prisas de sopetón, pero la verdad es que se agradece volver a la norma, a los horarios habituales y a una relativa tranquilidad en el primer año en que comprobaremos entre muchas otras cosas si eliminar autovías festivas en beneficio de la patronal sirve de verdad para mantener mejores rendimientos y que los curritos de a pie podamos mantenernos un poco más en nuestros puestos, algo que ya empieza a parecerse un poco a ser el flautista suplente de la orquesta del Titanic: sabes que tu puesto está junto a tus compañeros y que tu obligación moral es tocar hasta el final, pero eres consciente de que como llegue un bote salvavidas se van a ir los titulares y de ti no se va a acordar ni el tato. Créanme que no soy pesimista ni estoy adoptando una postura derrotista, sino más bien tratando de traer un poco de humor -negro, pero humor al cabo- a este comienzo de curso laboral que se avecina decisivo para muchos y no exento de dificultades. Como diría Jack Burton, en estos momentos de indeterminación uno tiene que mirar a los problemas de cara y decirles: ¡¡Pero qué passsssa!!

La semana pasada, y después de un inicio un tanto catastrófico, pude remontar un poco el ritmo de publicaciones, gracias en parte a que comencé a clasificar de forma más o menos definitiva y ordenada la galería virtual de originales, por lo que no descarto que esta semana vuelva a aparecer alguna paginilla de la sección "fondo de armario" junto a un sketch de convención, y si me animo, un breve repaso a la que ha sido sin duda una de mis películas favoritas del año pasado.

Para amenizar el principio de semana les dejo con una canción que ya apareció un lunes pretérito en su forma original y que hoy nos llega de la mano de Green Day, reinterpretando el clásico de John Lennon Héroe de la clase trabajadora. A estas alturas del partido uno ya no sabe de dónde sacar la inspiración para animarse... Sean ustedes buenos y aguanten firmes al pie del cañón, y por encima de todo, claro, tengan mucho cuidado ahí fuera.

Working class hero
Green day

As soon as your born they make you feel small
By giving you no time instead of it all
Till the pain is so big you feel nothing at all
Working Class Hero is something to be
Working Class Hero is something to be

They hurt you at home and they hit you at school
They hate you if you're clever and despise a fool
Till you're so fucking crazy you can't follow their rules
Working Class Hero is something to be
Working Class Hero is something to be

When they've tortured and scared you for 20 odd years
Then they expect you to pick a career
When you can't really function you're so full of fear
Working Class Hero is something to be
Working Class Hero is something to be

Keep you doped with religon, sex and T.V.
And you think you're so clever and classless and free
But you're still fucking peasents as far as I can see
Working Class Hero is something to be
Working Class Hero is something to be

There's room at the top I'm telling you still
But first you must learn how to smile as you kill
If you want to be like the folks on the hill
Working Class Hero is something to be

Yes, A Working Class Hero is something to be
If you want to be a hero well just follow me
If you want to be a hero well just follow me

Galería de originales LXIV: Bill Marimon (I-IV)

2012-01-08T21:02:00.008+01:00

Una de mis primeras commissions encargadas a través de ebay fue la dibujada por el ilustrador, diseñador y dibujante Bill Marimon, una sencilla y bonita ilustración a color de Jack Knight y Courtney Whitmore, o lo que es lo mismo, Starman y Stargirl. Parece que me haya pasado gran parte de mi vida adulta dando vueltas alrededor de ese personaje y de su serie -sin ir más lejor recomprando de nuevo la colección en la edición definitiva que Planeta ha finalizado hace bien poco-. En aquellos tiempos en los que servidor era bastante pipiolo y prefería la cantidad a la calidad, localicé un lote en ebay de páginas dibujadas por Bill Marimon para la serie de DC Damage, personaje de nueva creación surgido de la imaginación del guionista Tom Joyner y el lápiz de Bill Marimon. La serie seguía las andanzas de Grant Emerson, nieto del Atom original, Al Pratt, que descubría en la adolescencia haber heredado la superfuerza y la capacidad de generar explosiones de su abuelo. De hecho, el personaje gozó de un importante papel durante la saga Hora Cero, y posteriormente, superando la etapa de su efímera serie propia, acabó formando parte de los Nuevos Titanes y de la JSA durante sus últimas encarnaciones. El lote constaba de cuatro páginas, por un precio ínfimo que no constituía ni siquiera el de los gastos de envío, y fue un capricho que me permití en aquel momento a modo de complemento de la commission de Marimon, que por cierto, les recupero para que puedan disfrutarla de nuevo. Y ya de paso, les animo a hacerse con el integral de Starman, por fin publicado de forma íntegra en nuestro país. Que terminen de disfrutar del merecido descanso dominical y que el despertador del lunes no les suponga el mismo martirio que a buen seguro me supondrá a mí.

Subasta benéfica: Reinventando 2.0 (II)

2012-01-07T12:15:00.011+01:00

A dos días de finalizar una nueva tanda de subastas de la iniciativa Reinventando 2.0 os dejo la galería con todas las ilustraciones que participan en la misma, y que si era posible, superan el nivel de la anterior tanda que compartí con vosotros hace un par de semanitas. Aunque estoy seguro que se me ha escapado otra subasta intermedia, podéis revisar todas y cada una de las ilustraciones y los autores participantes en la entrada que indexa a todos ellos en el sitio promotor de esta feliz iniciativa, Es la hora de las tortas, y que junto a la portada original y la reinterpretación del autor se incluye una breve entrevista sobre el motivo de la elección y otras consideraciones relacionadas con el mundillo. En esta ocasión, los autores participantes son Jordi Barrayi con su versión de La flauta de los Pitufos, Carla Berrocal y Torpedo, Nacho MG y su versión de una de sus portadas preferidas de Spiderman, Colo dando otro enfoque a la cubierta de Rank Xerox en Nueva York (aunque la mano del protagonista sigue yendo a lo suyo, a lo mismo... Ya me entienden, ejem), Roger Ibáñez y La búsqueda del pájaro del tiempo, la ilustradora Araceli Horcajo y la portada del número 244 de los X-Men (en la que nos cambia a las chicas X por los músicos de Bremen, pero se lo agradecemos porque incluye un gatete) y mi favorita de la tanda, la versión de Studio Kosen de la portada del nº 1 de Excalibur. Tan solo recordaros para finalizar que todos los beneficios de esta iniciativa van a parar a la Fundación Pequeño Deseo.

¡Feliz lunes nuevo!

2012-01-02T19:08:00.010+01:00

Recién estrenado el año y a un bloguero exhausto por la debable de fiestas y excesos que ya le toca durante una semanita madrugar y pasearse por media provincia para acudir a un curro semidesierto en el que el 70% de la plantilla anda de vacaciones. Afortunadamente ahí están los gatetes del campus para animar la entrada y la salida y John Belushi -o por lo menos su biografía- para aliviar los tempos del transporte. Se sigue agradeciendo la vuelta a la rutina, primero porque existe la misma y segundo porque de durar un poco más, estas fiestas del 2011 acaban definitivamente conmigo. Por cierto, que verían ustedes que los propósitos para acabar el año en cuanto a contenidos se fueron al garete, pero es que entre una ausencia temporal para pasar unos días fuera y la celebración de la 2ª fiesta de Lorochenta la semana se nos acabó antes de empezarla siquiera, y no hubo tiempo físico para más. Repasando las entradas del 2009 me encuentro con que ya les hablé de aquella apocalíptica primera fiesta en que Diana Sparks y Doc Plissken homenajearon con sus disfraces a V y Regreso al futuro respectivamente, de lo que tuvieron fotos comparativas y todo en este post. Este año la fiesta fue más concurrida, más preparada, más apocalíptica si cabe, y los disfraces y atrezzo estuvieron relacionados con uno de esos clásicos indiscutibles de Lorochenta que revisionamos para meternos en el papel. Qué puñeteramente buena sigue siendo Cazafantasmas, collons...

Acompañando estos momentos de frikismo desatado, no queda otra más que incluir una de las canciones de la banda sonora de la peli, una de mis favoritas, canción que ilustra uno de los momentos más intensos y culminantes de la película -el estallido fantasmal de Nueva York- y que comienza como una baladita para convertirse al poco en una melodia un tanto desasosegante que ilustra la ordalía paranormal organizada por la prepotencia de un William Atherton que llegó a reconocer a Ivan Reitman, director de Cazafantasmas, que la película y el papel de concejal tocapelotas sin pelotas- le habían arruinado la vida, hasta el punto de haber llegado a ser agredido por ser identificado como el capullo ese de los Cazafantasmas. Que magia de la buena ilumine su vida y guíe sus pasos en el año que empieza, y que todos estemos aquí dentro de 364 días para comprobarlo. Sean ustedes buenos y, empezando el año con actitud, les recomiendo que vayan a por ellos antes de que ellos vengan a por ustedes...

Magic
Mick Smiley

Empty woods, endless tunes
You see me, I see you
In a crowd, see my face
I love you
Take my hand and walk with me
Love you do will always be
Anything can come true
If you believe belive it will
I believe it's magic
I believe it's magic
I believe it's magic - magic - magic
I'm here for you, that's what you said
I never felt like this with woman, any woman
Strangers meet, strangers dream
Some call it love, I call it magic
Now I'm in you and it feels so right
So hold on, hold on tight
Yes its true
I believe, believe in you
I believe it's magic
I believe it's magic
I believe it's magic, magic, magic
I believe it's magic
I believe itÕs magic
I believe it's magic, magic, magic

My baby told me once
My baby told me twice
My baby told me three times
Three times nice
"Please - please - please - let's make some"
I believe it's magic
I believe it's magic
I believe it's magic, magic
I believe it's magic
I believe it's magic
I believe it's magic, magic
Magic, magic
Turned my hand and walked with me
She said "I'll tell you Mickey, I do believe
In the power of love, your magic wand's
The thing that makes me sing this song"
Please - please - please
I believe it's magic
I believe it's magic
I believe it's magic
Magic
Magic, magic

Sketch-busters CXCIV: Trevor Hairshine (II)

2011-12-28T19:21:00.011+01:00

Durante algunos años se ha dado la coincidencia de que autores que habíamos conocido por vez primera en las Jornadas de Avilés repetían al año o los dos años como invitados en unas jornadas nacionales, en este caso las de Unicomic. Así, uno tiene el placer de disfrutar por partida doble, con una charla cercana y amena y con una sesión de firmas, que no nos engañemos, es la guinda de un pastel ya de por sí apetitoso para el curtido lector y el avezado coleccionista. En esta tesitura nos encontraríamos a autores como Vicente Cifuentes, R.M. Guéra este mismo año (inolvidable su charla), Doug Braithwaite o el caso que hoy nos ocupa, Trevor Hairsine, un dibujante británico con un altísimo dominio del lápiz que como tantos otros compatriotas siguió el camino que parece ir de trabajar en 2000 AD a ser fichado por una de las majors yanquis. Su trabajo es dinámico y lleno de detalle, y en algunos casos ha llegado a ser comparado con Brian Hitch. Formó parte del grupo de autores Young Guns, etiqueta con la que Marvel denominó a una serie de jóvenes talentos como Olivier Coipel, Adi Granov o Steve McNiven. Entre sus trabajos podríamos destacar Juez Dredd, Strontium Dog, Cla$$ War, Capitán América: Los extremistas, Ultimate Six, Ultimate Nightmare, o X-Men: Génesis Mortal. Fue precisamente uno de estos tebeos el que me dio la idea de pedir el personaje de Emma Frost, y no uno del universo Ultimate, al que igualmente le había dado un buen puñado de excelentes páginas. Así pues, en una noche fría e invernal de finales del 2011, aquí les dejo a esta Emma Frost reflexionando melancólica entre la nieve. ¡Sean ustedes buenos y que ninguna inocentada les haya amargado el día!

El último lunes del año

2011-12-26T19:52:00.003+01:00

Quizá sea esta semana una de las más previsibles del año, en tanto en cuanto comienzan a repasarse noticias de toda clase en los medios de comunicación, se recuerdan los éxitos deportivos, se hacen listas con las mejores películas, libros o videojuegos y se recuerda a aquellas figuras que nos han abandonado. A menor escala, cada uno realiza su propio repaso al año que está a puntito de dejarnos, una reflexión interna a la que creo que muy pocos son capaces de abstrarse verdaderamente. Un servidor de ustedes no olvidará fácilmente el año 2011, por motivos más que obvios, y por primera vez en bastantes años, netamente positivos -aun cuando todo sea mejorable y haya factores tan habituales a día de hoy en muchos hogares españoles que han empañado algunos momentos-. El balance final no puede ser otro que el de añazo.

Eso por lo que se refiere a los elementos personales, porque sí que es verdad que este año he batido mi record de parquedad editorial en el blog, y los contenidos se han visto reducidos muy mucho por motivos tan diversos como el menor ritmo lector, la acumulación de cosas por hacer y un cierto pequeño cansancio que curiosamente he comprobado como compartido con muchos de los sospechosos habituales de mi lista de enlaces, en una suerte de cansancio del bloguero amateur y en una deriva de contenidos hacia las redes sociales. En principio, el ánimo de un servidor de ustedes es continuar al pie del cañón, manteniendo como mínimo el ritmo de este año, e incrementando los posts dedicados a televisión, cine y literatura, quizá los medios que más horas de entretenimiento me proporcionan ultimamente, sin descuidar, por supuesto, las secciones habituales dedicadas al arte original. Por cierto, que no me olvido de Los fantasmas atacan al jefe, es sólo que el tiempo ha parecido volatilizarse estos días y apenas he podido pasar unas horas frente al teclado en los últimos siete días.

Les dejo hoy con una canción alegre, festiva, buen rollera y llena de buenas intenciones que además sirve para abrir boca de ese repaso a un clásico navideño ochentero, pues una versión de la misma se incluyó en su banda sonora y sirvió para que el reparto al completo la cantara durante los compases finales de la película. Ya saben, en estas fechas, pongan un poquito de amor en su corazón y disfruten en la medida de lo posible de todo lo bueno que la vida les depare. Sean ustedes buenos y regresen sanos y salvos, como muy tarde, en el primer lunes del 2012.

Put a Little Love in Your Heart
Annie Lenox y Al Green

Think of Your Fellow Man
Lend Him a Helping Hand
Put a Little Love in Your Heart.
You See It's Getting Late
Oh Please Don't Hesitate
Put a Little Love in Your Heart.
And the World Will Be a Better Place
And the World Will Be a Better Place
For You and Me
You Just Wait and See
Another Day Goes By
And Still the Children Cry
Put a Little Love in Your Heart.
If You Want the World to Know
We Won't Let Hatred Grow
Put a Little Love in Your Heart.
And the World Will Be a Better Place
And the World Will Be a Better Place
For You and Me
You Just Wait and See
Take a Good Look Around and
If You're Lookin' Down
Put a Little Love in Your Heart
I Hope When You Decide
Kindness Will Be Your Guide
Put a Little Love in Your Heart.
And the World Will Be a Better Place
And the World Will Be a Better Place
For You and Me
You Just Wait and See
Put a Little Love in Your Heart....

La última proyección (Un cuento de navidad)

2011-12-23T18:41:00.010+01:00

El año pasado tuve la fortuna de ver cómo uno de mis relatos más queridos y personales encontraba un mínimo hueco en las ondas al ser seleccionado como finalista del Certamen Radiofónico de Cuentos Navideños Gloria Fuertes. El cuento llevaba escrito un par de años, y había fallado en una convocatoria previa, pero a lo largo de ese tiempo se benefició de alguna revisión adicional, de algún recorte y de un par de cambios formales. Nada que añadir o quitar a la historia. Como digo, este relato es absolutamente personal y aúna mi amor por el cine en general y por las salas de barrio en las que disfruté de tantos buenos momentos, la pena por la pérdida de esos espacios en detrimentos de las prefabricadas salas de los centros comerciales, y todo ello empleando como vehículo impulsor de la historia una proyección navideña de Qué bello es vivir, una de mis películas favoritas de todos los tiempos que suelo ver una vez al año -en efecto, mañana toca- que consigue arrastrarme con su eufórico optimismo a un mar de lágrimas de dichosa felicidad con uno de los clímax más satisfactorios, homenajeados e influyentes de la historia del cine. Cuando uno dude de la generosidad innata del ser humano, de su capacidad de sacrificio por aquellos que ama y de su voluntad inquebrantable para superar las más duras adversidades, debería ver una vez más esta película y pensar que, caso de ser mentira, es una mentira maravillosa que en cuanto creída, pasaría a ser verdad... La verdad más bella... Y termino diciéndoles que manda narices que seis décadas después sigan siendo los Potters del mundo los que manejan los hilos y sacan provecho de situaciones de crisis como aquella del 29, como esta de principios de siglo... Que venga Clarence y arregle esto, porque si no...

La última proyección

Pedro de la Ossa Antón

Cuando llega la noticia del cierre definitivo del cine, no resulta una sorpresa para nadie. Las sesiones semanales sólo cuentan con una decena de espectadores diarios, y los estrenos no consiguen llenar ni la mitad del aforo. El cine Principal lleva abierto desde finales de los años cuarenta. Por su pantalla han pasado grandes actores y allí se han proyectado deslumbrantes fantasías, arriesgadas aventuras y pequeñas tragedias. Pero los tiempos cambian y el progreso no ha dejado hueco para un pequeño cine de barrio como el Principal, con su moqueta roja, sus cortinas de terciopelo y sus butacas de madera. Es más cómodo ir al centro comercial, que ha abierto sus puertas un par de años antes a las afueras del pueblo. Allí hay diez salas de cine nuevas, con sonido digital y butacas de plástico, que proyectan día tras día las grandes producciones del momento y reciben tanto a resignados cinéfilos que no tienen otro lugar al que acudir como a compradores aburridos que, pertrechados de palomitas, buscan otra forma más de pasar la tarde, hartos de ver tiendas. La competencia no ha tenido color, y el dueño del Principal, Venancio, no puede mantener más tiempo en marcha una empresa que termina cada mes en números rojos. Ha sido una aventura larga y hermosa la de esa pequeña empresa familiar que salía adelante con el mínimo personal y la máxima ilusión. En la taquilla estaba Elisa, siempre sonriente, mientras que Paco el acomodador, refunfuñando por los modales de la juventud, rompía las entradas con coraje y acompañaba a los clientes hasta sus butacas. Fuera atendía Mariló el puesto de chocolatinas, esperando a que la tarde se pasara en un suspiro. Por encima de todos ellos, en la cabina de proyección, Jesús reinaba en sus dominios de proyectores de cine y bobinas de celuloide y nitrato.

El tiempo ha pasado para todos ellos, y las arrugas han surcado sus rostros al mismo ritmo que el terciopelo de las cortinas se ajaba. Han permanecido en el Principal en todo momento, desde los difíciles años cincuenta, en que se veían obligados a proyectar las películas autorizadas y censuradas por el régimen, hasta los tiempos de bonanza de los años setenta, cuando los espectadores llenaban la sala semana tras semana, intentando soñar con otras formas de vivir y de ver el mundo. Pero ahora esos momentos han quedado atrás, y Mariló se sienta en una banqueta mientras su hija, ya cuarentona, sirve cartuchos de palomitas a los espectadores. Paquito, achacoso, se enfurruña cada vez que estrenan una nueva versión de una vieja película y murmulla, iluminado por los efectos especiales y las explosiones, que las buenas eran las de antes. Para Venancio está muy claro que el tiempo de las salas de barrio ya ha pasado, y empieza a pensar que se ha ganado un merecido descanso a sus ochenta y pico años. Hace números y decide que ha llegado el momento de programar la última sesión del Principal. En su despacho, rodeado de recuerdos de pasados estrenos, decide mantener abierta la sala un mes más, hasta navidad. Una idea extraña se ha abierto paso en su cabeza, la de que quizá antes de cerrar pueda ofrecer un último momento de magia cinematográfica a los que durante años han sido sus fieles clientes. Pero antes de hacerse ilusiones y crear expectativas tiene que hacer un par de llamadas.

A tres semanas de navidad aparecen carteles por toda la ciudad, con un breve texto. “El cine Principal cierra sus puertas con la proyección gratuita de ¡Qué bello es vivir! el día 22 de diciembre. Entrada limitada al aforo del local. Único pase a las ocho de la tarde”.

El día 20 de diciembre llega Óscar, un coleccionista catalán que conserva, como una de las joyas de su colección, una copia en perfecto estado de la película navideña por excelencia, dirigida por Frank Capra en 1946 y programada cientos de veces en televisión a lo largo de los años. Jesús observa los rollos con reverencia mientras los coloca en las bobinas de un viejo proyector, retirado unos años atrás para adaptarse a las nuevas copias con sonido digital. Abajo, en el patio de butacas, Mariló, Paquito, Óscar y Venancio esperan con ilusión a que empiece la proyección de prueba. Las primeras imágenes en blanco y negro inundan la pantalla, con un pueblo nevado y gente rezando para que su amigo, un tal George Bailey, reciba la ayuda que necesita y merece. La calidad de la imagen es perfecta, pero el sonido se debilita por momentos. Jesús revisa la película palmo a palmo, prueba otro rollo, inspecciona el proyector, y se le cae el alma a los pies. El aparato que lee la banda magnética con el sonido está a punto de quebrarse, y no hay modo de conseguir una pieza de repuesto en tan poco tiempo. Venancio se hunde en su butaca cuando Jesús baja con las malas noticias, Paco masculla que algo tenía que salir mal y Óscar se lamenta por la oportunidad perdida de poder disfrutar de un clásico como ese en pantalla grande. Pero Mariló sonríe desde la fila de atrás y les anima a proseguir pese a las dificultades. Lo que ha empezado como una celebración parece estar abocado al desastre, y ninguno de ellos duerme bien las dos noches que faltan hasta el día señalado, temiendo lo peor y contando únicamente con la fe en la providencia para asegurar el éxito del pase navideño.

El 22 de diciembre es un día de costumbres, como la del sorteo de navidad, que año tras año lleva la alegría por barrios y salud y trabajo para todos los que no han sido premiados, el reparto de cestas navideñas o las comidas de empresa en la que por unos momentos se desdibujan las diferencias entre empleados y empleadores. En la ciudad flota un ambiente eléctrico, de euforia contenida y de alegría anticipada, y la última sesión del Principal se ha contagiado de esa atmósfera especial. Paco, vestido con su mejor uniforme y con una inusual sonrisa iluminando su rostro, contempla la larga cola formada por gente de todas las edades que aguarda a que el Principal abra sus puertas por última vez. Mariló prepara unos canapés y unos vasitos de mistela para la concurrencia, mientras un periodista local entrevista a Venancio. Las puertas se abren y familias enteras entran ordenadamente en el cine, mirando a su alrededor con la tristeza del que va a despedir a un amigo. Aquí vimos tal o cual película. Aquí tuvimos nuestra primera cita. La de tardes de sábado que pasamos en esas butacas. Óscar saluda a la gente, un tanto nervioso, mientras comenta aquí y allá la deficiencia de sonido, rogando silencio, atención y sobre todo indulgencia para Venancio, que ha puesto toda su ilusión en el empeño de esa proyección navideña. Con orden y mucho respeto se ocupan las localidades, y un reducido grupo de espectadores que no tienen asiento se quedan de pie al fondo de la sala. Se apagan las luces y la fantasía navideña de Frank Capra ilumina con su glorioso y celestial blanco y negro los rostros de todos los presentes, que han visto la película varias veces en televisión pero que quieren convertir esa ocasión en algo especial. Todo transcurre con normalidad hasta la mitad de la película. En ese momento Jesús escucha un leve chasquido por encima del ruido que hace el proyector y entonces, nada. El silencio terrible y desolador que todos temían se apodera del patio de butacas. Unos leves murmullos surgen aquí y allá y unas toses de desconcierto amenazan con dar paso a la protesta mientras en la pantalla el bonachón de George Bailey suplica al malvado banquero Potter una prórroga para su préstamo.

Óscar no es consciente de lo que hace hasta que se ve a sí mismo de pie y acercándose a la pantalla, mientras con voz primero temblorosa, pero luego cada vez más firme, hace suyas las palabras de George y las reproduce intentando ajustarse a lo que recuerda. Antes de poder sentir vergüenza, Paco responde desde la entrada del pasillo, resignándose a prestar su voz al egoísta y mezquino banquero. Cuando aparece el olvidadizo tío Billy, es Venancio el que se levanta inspirado por no sabe qué o quién, e intenta hacer comprensible la película a los espectadores. Poco a poco más personas se suman a ellos, y así, Ana, hija de la difunta taquillera, asume el papel de Mary, sufrida esposa de George que lo sacrifica todo por el amor a su familia. Mariló interpreta con su ajada voz y su bondad natural a la madre de los Bailey. Tono, el repartidor, salta como un resorte cuando aparece Clarence, el ángel sin alas, para ayudar a George en su momento de máxima necesidad, recordando todas las veces que su abuelo y él vieron la película juntos. Incluso una niña de cinco años aporta su granito de arena, levantando murmullos de admiración y risas de asombro cuando repite en voz alta lo que su madre le susurra al oído. Hay muchas frases que sólo se parecen un poco a las de la película, y no hay música ni sonido, pero en mayor o menor medida hay trescientas personas que se sienten electrizadas, que forman parte por unos momentos de la magia, la generosidad y la alegría que vive la familia Bailey en la pantalla durante la noche más difícil de su vida. Para cuando George Bailey ha visto lo que hubiera sido la vida de su comunidad si él no hubiese nacido, y regresa al pueblo que conoce gritando eufórico a los cuatro vientos ¡¡Feliz Navidad!!, todos los espectadores están de pie, felicitándose unos a otros entre risas y abrazos y lágrimas de felicidad, y muchos se dirigen hacia donde Venancio, Óscar, Paco y Tono permanecen bajo la pantalla.

Se acerca el final de la película y la niña es alzada en brazos por su madre para decir la última frase y poner así el broche de oro a una inolvidable celebración de la magia del cine y de la fiesta de Navidad. Por unos segundos decenas de personas aguantan la respiración y contienen sus ganas de palmearse y de abrazar a sus vecinos, y todos clavan la mirada en una niña que alarga su brazo hacia la pantalla como queriendo entrar en la película y que dice con voz musical y cristalina: ¡¡Escucha papá, campanas, dicen que suenan campanas cuando un ángel consigue sus alas!! Y dicho esto, estalla una ovación que hace palidecer a todas las que a lo largo de los años acompañaron los más sonados estrenos. Mariló, Paco y Venancio, bajo la pantalla, se abrazan con Jesús, que ha bajado de su cabina para unirse a la celebración, mientras miran a su alrededor con asombro, admiración y pena, sabedores de que esas son las últimas risas, los últimos aplausos que se escucharán en el cine Principal.

El último lunes que trabajaré este año

2011-12-19T20:32:00.004+01:00

Por la sencilla razón de que ya están ahí las navidades y su correspondiente semanita de permiso, más que nada, y porque cuando vuelva a escribir una entrada de lunes después de un día de trabajo será ya el año 2012, ese en el que los mayas se cansaron de contar unidades de tiempo porque pensaban que no hacía falta tanto y tantos ríos de tinta han generado sobre post milenarismos y fines del mundo. Servidor espera que todo siga más o menos como hasta ahora, porque como la cosa siga un poquito a peor al final nos va a tocar a todos convertirnos al minelarismo arrabaliano, que no es beber agua mineral -ni mucho menos- ni coleccionar minerales, sino más bien observar el mundo con una cierta mirada entre cínica y absurda que provocará el desconcierto del común de los mortales. Disgresiones aparte, y terminado ya casi el año, en estas fechas suelo hacer algo de glosa de las fiestas navideñas, y este año nada mejor que compartir con ustedes dos entradas al respecto. Por un lado tendrán a su disposición el relato escrito y radiado que fue seleccionado finalista el año pasado en el certamen de cuentos navideños Gloria Fuertes, certamen local del que soy fan declarado y en el que el año pasado tuve la suerte de poder rendir homenaje en el mismo a tres elementos que me han acompañado durante muchos años y, creo, me han hecho un poco mejor persona de lo que habría sido sin ellos. Pero no adelanto acontecimientos, y podrán leerlo de cara al viernes, momento ideal para publicar la entrada y dejarla a su disposición hasta el lunes. Y en segundo lugar espero poder recuperar la sección Aquellos maravillosos años con una de mis películas navideñas atípicas preferidas (otras serían Arma Letal, Jungla de Cristal, Solo en casa, Gremlins...), la versión de 1988 de un clásico navideño indiscutible... Pero de nuevo, no les adelanto más.

Y para empezar la semana con alegría, la misma que disfruté ayer revisando esa joyita contemporánea que es Love Actually, la Magnolia de las comedias románticas y una de esas películas cuyo eufórico clímax consigue arrancarme las lágrimas con invariable regularidad. Iba a dejarles la habitual Todo lo que quiero por navidad eres tú, pero tengo el cuerpo golfo y el alma traviesa, así que dejaré que las Pointer Sisters les animen a mover el esqueleto con su Salta por mi amor. Si esta canción hizo bailar en la ficción a todo un premier británico bien puede hacerles seguir el ritmo de la misma mientras la escuchan, o quizá hasta pegarse un indecoroso bailoteo delante de extraños. Si esta no es la época en que se disculpan las locuras no sé cual será. Sean ustedes buenos, disfruten de la compañía de los suyos y hagan acopio de sales de frutas, ibuprofenos y protectores estomacales, por lo que venga. Y como siempre les pido, háganme el favor de tener mucho cuidado ahí fuera.

Jump for my love
The Pointer Sisters

Your eyes tell me how you love me
Can feel it in your heart beat
I know you like what you see
Hold me, I'll give that you need
Wrap your love around me
You're so excited, I can feel you
Getting hotter, oh baby
I'll take you down, I'll take you down
Where no one's ever gone before
And if you want more, if you want more
More, more, more

Jump for my love
Jump in and feel my touch
Jump you want to taste my kisses
In the night then

Jump, jump for my love
Jump, I know my heart can make you happy
Jump in, you know these arms
Can feel you up
Jump, you want to taste my kisses
In the night then
Jump, jump for my love

You told me, I'm the only woman for you
Nobody does you like I do
Then make a move before you try and
Go much farther, oh baby
You're the one, you, you are the one
And heaven waits here at my door
And if you want more,
If you want more, more, more then
When you are next to me, oh I come alive

Your love burns inside
Feels so right
Come to me if you want me tonight jump
Jump if you want to taste my kisses
In the night then
Jump, jump, jump
Jump, you know my heart can
Make you happy
Jump, you know theese arms can feel you up
Jump in, you want to taste my kisses
In the night then
Jump, jump for my love

Los molinos de Mota (III): One more time...

2011-12-18T21:07:00.009+01:00

Que no es la tercera vez, sino la cuarta que visitamos la pequeña localidad de Mota del Cuervo por las mismas fechas y con el mismo objetivo, pero es la tercera que lo hago por méritos propios y no en calidad de consorte. Allá por el 2006, en uno de mis habituales rastreos de certámenes literarios, leí las bases de un concurso literario que debía tener como eje central de la historia la figura del molino de viento. Yo de molinos ni pum, les decía en 2006, pero desde entonces la verdad es que servidor se ha documentado tanto sobre los molinos como sobre la historia de Mota. En el primer caso la visita quedó reflejada en esta entrada, y el relato El encargo apareció algo de tiempo después por aquí. Un año después miss Sparks elaboró una suerte de crónica novelada sobre el primer molino de Mota y también resultó finalista, con lo que regresamos de nuevo a pasar las prenavidades allí (y lo leyeron aquí). A pesar de que lo volví a intentar un par de veces no fue hasta el 2009 que fui vuelto a seleccionar como finalista, en un año particularmente frío con nieve en La Jineta y temperaturas que nos tuvieron prácticamente todo el tiempo encerrados en la habitación, todo a cuenta de un relato sobre una hipotética aventura de Cervantes en la localidad moteña, y ya les hablé en esta entrada de una posible idea que me rondaba la cabeza...

Un año en blanco, y de nuevo el 2011 ha sido propicio, siendo seleccionado un relato sobre la inmigración como finalista, en un año en el que el nivel parece no haber sido excepcionalmente alto y en el que el primer premio ha sido declarado desierto. La verdad es que este iba a ser mi última incursión en Mota, por dos motivos. Creo que un relato romántico sobre el cine y los profesionales, una aventura histórica, un cuento de terror y una historia de inmigración y adaptación sería todo lo que se me ocurriría con molinos de por medio. Además, y dejando de lado el orgullo que supone saberte publicado, cada vez que nos acercamos a recoger un galardón nos gastamos premio y medio en transporte, alojamiento y comida. Este era el último año... Pero en la ceremonia de entrega de premios nos comentaron que el año que viene se celebraría la X edición del certamen... Y la última. Y claro, uno piensa que, demonios, una última última vez no estaría nada mal... Así que si alguno de ustedes tiene un poco de habilidad en esto de juntar letras, y se le ocurre una historia que crea buena en la que un molino juegue un papel importante, pues les animo a que participen en el certamen, del que pueden conseguir toda la información en la página web de la Asociación de Amigos de los Molinos. ¡¡¡Buenos vientos guíen sus musas, caballeros!!!

Por cierto, ya que me he puesto cebolletica, nada mejor que recordar esas otras ocasiones y comprobar de primera mano como parece que mi tripa crece al mismo ritmo que se cae mi pelo, que el jersey azul turquesa es el que más abriga y por eso repetí y lo bien que le sientan los brillitos a miss Sparks.

Subasta benéfica: Reinventando 2.0

2011-12-16T21:07:00.008+01:00

Hace más de tres años me hacía eco en este blog de una brillante y encomiable iniciativa solidaria en la que participaron un buen puñado de artistas españoles, que dieron su propia versión de todo un clásico de la historieta como el número 1 de Los 4 Fantásticos, a razón de una página reimaginada y recreada por dibujante. Fueron tres posts (1, 2 y 3) los dedicados entonces a ese proyecto. La pasada semana leí en el blog de Es la hora de las tortas que comenzaba la primera tanda de subastas de esta segunda entrega de Reinventando, pero es mejor ceder la palabra a los impulsores del proyecto:

Hace cuatro años nos embarcamos en un ambicioso proyecto: aunar fuerzas con una treintena de artistas españoles para homenajear el nº 1 de Los 4 Fantásticos de Lee y Kirby. El resultado fue “Reinventando lo Fantástico”.

Todas las páginas fueron subastadas, y la recaudación íntegra se destinó a la Asociación Española Contra el Cáncer. Olvidando los quebraderos de cabeza que el proyecto nos supuso, y alentados por el buen sabor de boca que nos dejó, hemos decidido repetir con otra treintena de dibujantes (algunos repiten, otros se estrenan), dándoles esta vez vía libre para homenajear sus portadas favoritas. No sabemos con qué nos encontraremos, no sabemos qué portadas elegirán, no sabemos cómo las interpretarán. Sólo sabemos que el resultado será espectacular, sin ninguna duda.

Este año, el importe recaudado en las subastas se destinará a la Fundación Pequeño Deseo, que trabaja con niños en hospitales o con enfermedades terminales o crónicas.

En las próximas semanas se irán subastando todos los originales de los artistas que han participado. Para ver qué artistas han colaborado, visita www.eslahoradelastortas.com

Y si quieres pujar por más de un artículo, dínoslo al finalizar la primera puja, y así podrás recibirlos todos juntos, ahorrando en gastos de envío.

A continuación, y como humilde manera de contribuir a algo que no tengo palabras para calificar superlativamente, os dejo con las siete primeras ilustraciones a subasta, pertenecientes a Mike Bonales, Vanessa Duran, Gabriel Hernández, Henar Torinos, Christian Suárez, Juan Román Cano y Mariano de la Torre, recreando o reinventando portadas míticas de autores de la talla de Barry Windsor Smith, José Luis García López, Bill Sienkiewicz, John Byrne o Bill Watterson. Ojalá que la iniciativa tenga tanto éxito como merece.

Las reflexiones de Spock: Reflejos en el ojo Vulcano

2011-12-15T18:39:00.009+01:00

Un taciturno y silencioso Spock, embajador de Vulcano en el planeta Romulo, viaja hasta un destino desconocido en una nave de clase Orion. Mientras abandona la zona neutral romulana, las preguntas insistentes y no del todo pertinentes de un comerciante sauriano distraerán a Spock de sus pensamientos, un paseo por la lógica y ordenada memoria del vulcano por su infancia en su planeta natal y su difícil relación con su padre -el vulcano Sarek- y su madre humana, Amanda Grayson, el momento en que se bautizó el Enterprise B, su reticencia a entablar contacto personal con compañeros de la flota o una misión emprendida bajo las órdenes del Capitán Cristopher Pike para investigar unos experimentos sobre los transportadores de materia. El locuaz sauriano sigue su camino y Spock aborda una lanzadera cuyo destino último es la Tierra, en busca de un viejo amigo al que creía muerto tiempo atrás y del que acaba de recibir noticias.

Spock aborda una nueva nave, pilotada por Moxx, un boliano que le conducirá a su destino. Antes de llegar al mismo y de reencontrarse con ese viejo amigo Spock seguirá sumido en el pasado, revisando en su mente momentos como su amargo encuentro en Vulcano con T'Pring, una misión de rescate en la que participaron Kirk y McCoy desoyendo sus consejos de seguridad y arriesgando su propia vida, o el modo en que intentó transmitirle a su compatriota la teniente Saavik la correcta manera de sintetizar en su comportamiento y en su mando las virtudes de la lógica vulcana con las ventajas del sentimiento humano a la hora de establecer cursos de acción correctos. Pero ha llegado el momento del reencuentro y de saldar una deuda contraída en el pasado...

Las reflexiones de Spock es una serie limitada de cuatro números publicada por la editorial IDW dentro de su sello de comics dedicado a la franquicia de Star Trek. Los autores del tebeo son todos ellos grandes conocedores del universo trekker en tanto que ya han trabajado previamente en otros proyectos del mismo. Por un lado nos encontramos con los hermanos Scott y David Tipton formando equipo creativo de guionistas, del mismo modo que lo han hecho en ocasiones anteriores para historias de las series Star Trek. Klingons, Star Trek. Alien Spotlight o Star Trek. The next generation. Verdaderos conocedores del universo en que ambientan sus historias, en este caso realizan una suerte de grandes éxitos vitales de la trayectoria de Spock, analizando algunos momentos de su infancia, juventud, madurez y ancianidad, explicando algunos puntos oscuros o centrándose en aspectos hasta ahora desconocidos. En el apartado gráfico nos encontramos con un viejo conocido, David Messina, quien además de haber colaborado previamente con los guionistas en proyectos previos, estuvo estrechamente ligado a dos tebeos ya reseñados en esta sección -ST: Countdown y ST: Nero- que funcionaron como precuelas a la película Star Trek (2009) que relanzó cinematográficamente la franquicia.

Nos encontramos con un tebeo que los iniciados leerán con sumo placer, al centrarse en el que quizá sea el personaje más mítico de todas series del universo Trek, Spock, el inescrutable vulcano que luchó toda su vida por conciliar una herencia mestiza incompatible y que encontró en la amistad de sus compañeros de viaje la mejor escuela para imbuir sus sentimientos de lógica y viceversa. Personajes como Pike, Kirk, McCoy, Sarek, Scotty, Uhura, Picar, Harriman, se asoman fugazmente a las viñetas de una historia que nos es la suya pero a la que contribuyeron de una u otra forma y en la que dejaron la huella que Spock, en su madurez, analiza y repasa en un momento especialmente difícil. Con una narración muy cinematográfica pasamos de la remembranza fugaz al recuerdo elaborado de un episodio complejo, siempre con la distante frialdad del vulcano, que analiza más que siente esos recuerdos. Situado cronológicamente después del film Star Trek: Generaciones, y estrechamente relacionado con los hechos allí narrados, la historia sirve para entender el porqué del dorado retiro de Spock en Rómulo y el grado de implicación que llegó a tener con dicha civilización.

La edición de Las reflexiones de Spock en España corre a cargo de Likantro Ediciones, que realiza un trabajo tan exquisito como en las ocasiones anteriormente citadas -Countdown y Nero-, añadiendo en este caso un par de detalles que aumentarán todavía más el deleite de los seguidores de la saga: una introducción a cuatro manos por Carlos Díaz Maroto y Luis Alboreca en la que se nos ofrece un interesante repaso por la vida de Spock que sirve para contextualizar la historia y que el lector menos instruido en la vida y milagros del vulcano tenga una mínima referencia para disfrutar del comic, y dos ilustraciones realizadas por los dibujantes españoles Cels Piñol y Javier Aranda, ambos dos relacionados de una u otra manera con lo Trek y que rinden homenaje a un personaje que mi suegro llama "Smog" y que nos ha acompañado a muchos de nosotros de una u otra manera a lo largo de nuestra vida.

Recuperando la marcha de los lunes

2011-12-12T18:38:00.006+01:00

Que no es lo mismo que recuperar marchosamente un lunes ni recuperarse de la marcha del fin de semana, sino más bien el volver poco a poco a la absoluta normalidad y al ritmo mínimo de posteo que ustedes merecen y servidor, aunque no lo crean, necesita para sentirse bien consigo mismo y con el universo friki. Afortunadamente por ahora se avecinan un par de semanas de relativa tranquilidad antes de las fiestas navideñas, que de nuevo lo trastocan todo -para bien, para bien-, así que por aquí tendrán ustedes más de lo mismo, pero no mejor, porque la verdad, después de tantos años, eso me resulta casi imposible. Volveremos a contar con una galería de commissions, ausentes desde hace algún tiempo, con la reseña de una novedad trekker y sin abandonar el fervor literario de la pasada semana -que se saldó con la presentación de tres relatos, tres, al certamen navideño al que soy adicto desde hace más de una década y la escritura de uno de ellos en un solo día, algo que pocas veces me había ocurrido- les daré cuenta de una nueva cita cultural. Por lo demás, esperen pocas novedades en el frente.

Para empezar la semana con energía, les dejo el tema de AC/DC que acompaña los créditos finales de Destino Final 5, película de terror sin prejuicios ni vergüenza que sabe sacar de una fórmula vista y revista hasta la saciedad un par de momentos de tensión y diversión bastante estimables, además de contar con tres factores que me alegraron muy mucho la tarde del domingo: una de las muertes es muy parecida a aquella situación narrada en mi cuentecillo La chica de ayer, la mujer de hoy; el giro final me resultó inesperado, reconocible en cuanto se presenta en pantalla, y bastante coñón y retorcido para una película de estas características; y la recopilación de todas y cada una de las violentas, sangrientas y excesivas muertes de las cuatro entregas previas de la saga con los acordes de la banda australiana. De placeres tan minúsculos como este se alimenta el alma polifriki de Plissken... Sean ustedes buenos, tengan mucho cuidado ahí fuera y vuelvan cuando gustes a esta, la que ya saben es su casa virtual.

If you want blood (YOU GOT IT)
AC/DC

It's criminal
there ought to be a law
criminal
there ought to be a whole lot more
you get a nothin' for nothin'
tell me who can you trust
we got what ya want
and you got the lust

Refrain:
If you want blood (YOU GOT IT)
If you want blood (YOU GOT IT)
BLOOD on the streets
BLOOD on the rocks
BLOOD in the gutter, EVERY LAST DROP, YOU WANT BLOOD
you got it
yes you have

It's animal
livin' in a human zoo
animal
the shit that they toss to you
feelin' like a Christian
locked in a cage
thrown to the lions
on a seconds rage

Refrain

O Positive

Blood on the rocks
Blood on the streets
Blood in the sky
Blood on the sheets

If you want blood
you got it

Want you to bleed for me

If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it
If you want blood, you got it

Sketch-busters CXCIII: Juanjo Ryp (I)

2011-12-11T20:59:00.007+01:00

Tanto he echado de menos Expocomic, el frío, las colas en la Casa de Campo (dentro y fuera, y no, no es un chiste de mal gusto ni un doble sentido), poder saludar a la friki panda y conseguir algún nuevo dibujo para la colección, que esta semana la entrada de esta sección va dedicada a un dibujillo conseguido en dicho evento, pero en su edición del año 2008. A pesar de los años que Juan José Ryp lleva en el mundillo, a su proyección internacional -que le ha llevado a trabajar con guionistas de la talla de Warren Ellis o Steven Grant o a adaptar los guiones de Frank Miller para Robocop 2-,y a que habíamos coincidido en una buena cantidad de salones, nunca nos habíamos acercado al autor. Finalmente, en aquel Expocomic nos decantamos por asistir a una de sus sesiones de firmas, y lo cierto es que fue una experiencia tan gratificante que la repetiríamos dos años después en el mismo escenario... Pero esa, como se figuran, es otra historia. Ryp dibujante, autor de tebeos como Monique & Denise, Alan Moore's Another Suburban Romance, Frank Miller's Robocop, Black Summer, No hero o el especial Punisher Max: Happy Ending, su estilo recargadísimo y ultrabarroco, con una cierta similaridad estilística con el trabajo de Geoff Darrow, es ideal para representar historias de ciencia ficción con abundante presencia tecnológica y con unas plasmaciones de la violencia física cercanas al gore más extremo. Por expreso deseo de Juan José Ryp, los dibujos que realiza en sus sesiones de firmas los hace en hojas de color a las que aplica una mínima nota de color, en este caso blanco. Como no podía ser de otra manera, en aquella primera ocasión me decanté por Robocop, cuya primera película adoro y del que tiendo a olvidar todo el material restante que sobre él existe, ya sean las secuelas, la serie de televisión o esa amenaza de remake que ya veremos en qué queda. Por ahora, les dejo en compañía de Murphy, el prototipo de Robocop que la OCP creó para conseguir un Chicago libre de criminales... y de obstáculos a sus negocios.

Galería: Subasta a beneficio de los Inkwell Awards

2011-12-09T20:48:00.008+01:00

Un poco más y me despisto tanto que les hablo de una convocatoria ya pasada. El año pasado, y por mediación de mi amigo virtual y excelente artista Dan Parsons me hice eco de la convocatoria de los Inkwell Awards, unos premios centrados en el gremio de los entintadores, quizá uno de los colectivos más menospreciados injustamente en el mundillo. El caso es que para mantener la asociación y la iniciativa en marcha de cuando en cuando se celebran subastas en Ebay con artículos donados a tal efecto. En este caso, el nombre más reconocible es Trevor Von Eeden, que dona varias sketch-covers, que son sin duda el artículo estrella de una subasta que podéis seguir en sus compases finales a través de este enlace. Otros artistas que participan en la misma y que me ha apetecido incluir en la galería son Roger Andrews con un delicioso estilo cartoon, y Larry Morgan con una portada de lo más pulp de un tebeo que me resulta completamente desconocido.

Haciendo como que un martes que parece domingo es lunes

2011-12-06T18:51:00.003+01:00

Aquí me tienen, haciéndome el loco después de haber sido negligente con mis obligaciones blogueras de cada lunes. El caso es que entre líos diversos, el habitual atracón literario navideño, que este año se ha saldado con el lavado de cara de un viejo cuento y la creación de una nueva fantasía navideña, previo al certamen de cuentos radiofónicos ilicitano en el que ya participo casi como una tradición más de estas fechas, y movidones diversos en el plano laboral -la crisis finalmente mordió nuestro trasero proletario-, finalmente me vi incapaz ayer de dedicar un ratillo a juntar cuatro letras, que hoy sí, aquí les dejo. Empezamos ya la recta final de un año que servidor no podrá olvidar jamás, con unas cuantas citas ineludibles en el horizonte, de las que sí les iré dejando buena cuenta por aquí conforme se produzcan. Y pendiente como todavía tengo el poner al día la colección virtual de sketchs, para la semana que viene les prometo rescatar uno para la sección de sketch-busters, así como subir una galería de dibujos que participan en una subasta benéfica, alguno de los cuales resulta más que apetecible como regalo navideño. Y poco más. Servidor da señales de vida, les molesta un poco -a aquellos que no hayan salido de viaje o que no estén dándolo todo como si hoy fuese el tercer o cuarto sábadomingo de los que consta esta semana, claro- y les deja una cancioncilla para entretener el rato, alegrar la lectura, y estar en buena sintonía con todo lo que nos rodea. Séanme ustedes buenos y por supuesto, como siempre les pido, tengan mucho cuidado ahí fuera...

Tuesday Afternoon
Moody Blues

Tuesday afternoon,
I'm just beginning to see, now I'm on my way
It doesn't matter to me, chasing the clouds away.

Something, calls to me,
The trees are drawing me near, I've got to find out why?
Those gentle voices I hear, explain it all with a sigh.

I'm looking at myself reflections of my mind,
It's just the kind of day to leave myself behind.
So gently swaying through the fairyland of love,
If you'll just come with me you'll see the beauty of

Tuesday afternoon, Tuesday afternoon.

Tuesday, afternoon,
I'm just beginning to see, now I'm on my way.
It doesn't matter to me, chasing the clouds away.
Something, calls to me,
The trees are drawing me near, I've got to find out why?
Those gentle voices I hear, explain it all with a sigh.

Expocomic 2011: ¡Ay!

2011-11-30T18:30:00.011+01:00

Llega el mes de diciembre. La capital de España está conquistada por las luces navideñas, los puestos de la Plaza Mayor venden cachitos de Navidad a precios populares europeos y el ajetreo reina en la ciudad. Pero un irreductible grupo de frikis resisten y madrugan día tras día para acercarse hasta la Casa de Campo a satisfacer sus más irrefrenables impulsos. Los de conocer a sus autores preferidos. Los de completar los huecos de su colección. Los de comprar las últimas novedades. Porque estamos a primeros de diciembre y eso quiere decir que un nuevo Expocomic está a punto de abrir las puertas del pabellón de Cristal para acomodar en su interior a las hordas de coleccionistas, amantes del comic, despistados, otakus y profesionales que a lo largo de los próximos días convertirán a Madrid en la capital del cómic.

Tras varios años consecutivos acudiendo a la cita con el evento -uno de los más agradecidos y con un altísimo porcentaje de éxito en cuanto a consecución de firmas, gracias al que a día de hoy es el más cabal y sensato sistema de organización de las mismas- nos vemos obligados por cuestiones de conveniencia económica a mantenernos en barbecho y recuperarnos de los excesos del último mes. Nos perderemos, muy a nuestro pesar, las exposiciones dedicadas a Fernando Fernández, Esteban Maroto, Luis y Romulo Royo o a Emile Bravo. Nos participaremos en la gran variedad de actividades que ofrece el salón, como diversos talleres, presentaciones, el concurso de Trivia DC, las clases magistrales de Tony de Zuñiga o Bit/Cafu (la del año pasado de David López fue una pasada), o los habituales maremagnums del Cosplay y el karaoke.

Y por supuesto, con todo el dolor de nuestro corazón, no podremos acudir a las sesiones de firmas de autores como Vicente Alcázar, Alfonso Azpiri, BIT, Sergio Bleda, Emile Bravo, CAFU, Carlos Diez, Tirso Cons, Leandro Fernández, José Fonollosa (¡Miau!), Forges, David López, Esteban Maroto, Jesús Merino, Rodolfo Migliari, Agustín Padilla, Carlos Pacheco, Cels Piñol, Kenny Ruiz, Angel Unzueta, Enrique Vegas, y sobre todo los que para un servidor son el trío cabeza de cartel de un año que ya apabulla por la cantidad y calidad del resto de invitados, y me estoy refiriendo a los señores Tony de Zuñiga, Rick Leonardi y (ayyy) un Jon Bogdanove al que no podré pedirle un adusto y colosal Acero, al que nadie ha dibujado nunca mejor que él. Pero como se suele decir en casos parecidos, mi pérdida es su ganancia, así que desde aquí los mejores deseos para todos los que puedan disfrutar de un evento tan especial e importante como Expocomic. Si gustan de tener más información sobre sesiones de firmas, exposiciones o logística no dejen de pasarse por la completa web dedicada al Expocomic... ¡¡Y abríguense, demonios, que a las siete de la mañana en la Casa de Campo de Madrid hace un frío polar!!

Lunezzzzzzzz

2011-11-28T19:31:00.007+01:00

Adormilado. Soporífero. Somnoliento. Perezoso. Son todos adjetivos que podrían aplicarse a un lunes de un fin de semana particularmente corto que pasé haciendo el vampiro todo lo que pude y más y que me dejó especialmente para el arrastre. A este paso, a medio camino entre el gambiterismo salvaje y el desaforamiento vital uno no va a llegar a ver el apocalipsis maya previsto para el año que viene. En este contexto, por un lado resulta casi necesario el descanso forzoso que tendremos el fin de semana próximo, pero no dejo de echar de menos con una punzada de melancolía los madrugones, las colas y las horas de espera que asocio a los Expocomic, eso y las charlas con los amigos, los huevos de los hijos de Lucio -suena mal, lo sé, pero qué buenos están- o los bocatacalamares servidos con la mano de la Plaza Mayor. Tanto grité lobo en los años anteriores que ya ni Milo se cree que faltemos a una cita como esta a la que tenemos tanto cariño, pero uno hace números y el descanso de es la opción más sensata. Tiemblen, ¡porque eso significa que lo cogeremos con más fuerza el año próximo!

La intención personal para esta semana es dedicar una tarde entera a arreglar el follón de los dibujos escaneados, ventilándome unas cuantas carpetas de dibujos y separando aquellos que están publicados de los que no. Junto a eso encontrarán un sentido avance del cartel, invitados y exposiciones de Expocomic 2011, salón del que espero que disfruten la mayor cantidad posible de sospechosos habituales, y alguna cosilla más apañaré para que este invento se sacuda la pereza y la somnolencia digital que ya amenaza con retenerme en el sofá todas y cada una de las tardes desde ahora hasta el mes de mayo, por lo menos.

Para empezar la semanita voy a volver a requerir la presencia de la banda de Dave Grohl. Energía, poderío y ganas de roquear con la que afrontar en buenas condiciones el inicio de una semana que, ay, mi paranoide mente ve apocalíptica y desintegrada. Ya les iré contando. Sean ustedes mismos y disfruten de todo aquello que hace más feliz y llevadera su existencia, y por supuesto, como siempre, tengan mucho cuidado ahí fuera.

Bridge burning
Foo fighters

These are my famous last words!
My number's up, bridges all burned

Oh won't you let me twist your fate
It's getting kinda late but I don't wanna wait no more
Well may I have this dance of days
Locked in your embrace
Passed your test of faith

Another time another place
Another line upon your face
Another in your way

Down crooked stairs, and sideways glances
Comes the king of second chances
Now throw him in the flame

Whatever keeps you warm at night
(Whatever keeps you warm at night)
Whatever keeps you warm inside

Your bridges are burning down
They're all coming down
It's all coming round
You're burning them down
It's all coming round
They're all coming down
Your bridges are burning down

Oh let me put you in your place
I love it when you say
Giving everything away

Tell what's in it for me
Tell me now what's in it for me
No one's getting this for free
So tell me now what's in it for me

Whatever keeps you warm at night
(Whatever keeps you warm at night)
Whatever keeps you warm inside

Your bridges are burning down
They're all coming down
It's all coming round
You're burning them down
It's all coming round
They're all coming down
Your bridges are burning down

Gathering the ashes
Everything thrown away
Gathering the ashes
Scatter as they blow away
Gathering the ashes
Everything thrown away
Gathering the ashes
Scatter as they blow away

Your bridges are burning down
They're all coming down
It's all coming round

You're burning 'em down
It's all coming round
They're all coming down

Gathering the ashes (Your bridges are burning down)
Everything thrown away (They're all coming down)
Gathering the ashes
Scatter as they blow away (It's all coming round)
Gathering the ashes (You're burning them down)
Everything is thrown away (It's all coming round)
Gathering the ashes (They're all coming down)
Scatter as they blow (Your bridges are burning down)

Una luna de miel en 29 películas y 2 series

2011-11-27T16:31:00.029+01:00

Decir que el cine ha sido junto a los comics una de las constantes de mi vida sería quedarse corto. Desde niño el cine ha sido una de mis devociones más personales, ya fuera disfrutando de él en compañía de la familia o los amigos o viendo en solitario las desgracias de Oliver Twist, las gamberradas de los Marx o las peripecias de Tarzán. Ese amor y esa relevancia en mi vida se reflejó en mi vida adulta, y marcó muchas de las experiencias o referencias que cimentaron la relación de miss Sparks y de un servidor. Tanto es así que no entendemos un paseo por el puerto de Gijón sin escuchar mentalmente el canon de Pachelbel o no dejamos de aplicar muchos de los recuerdos cinematográficos acumulados en nuestra memoria en cada uno de nuestros viajes. El cine destila la esencia de la vida y luego uno intenta rememorar o depurar la realidad a través de esa sensibilidad cinematográfica que, desgraciadamente, no siempre se ajusta a la realidad que está contemplando sin filtros de ningún tipo. También es comprensible que a la hora de plantearnos un viaje de novios, la opción elegida fuera el escenario de muchos de nuestros mejores ratos cinéfilos, el escenario ideal de decenas y decenas de películas que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida. Como a un servidor le encanta compartir con todos ustedes algunas de las experiencias vividas y disfrutadas a lo largo de los años, y les aseguro que pocas cosas he disfrutado más que esas dos semanas en los Estados Juntitos de América, he querido hacer un recorrido cinematográfico con las películas que reflejan los sitios que hemos visitado y las experiencias que hemos vivido. Prepárense que el viaje va a ser de órdago.

Sketch-busters CXCII: David Lafuente (y III)

2011-11-24T16:55:00.008+01:00

Últimamente esta sección se ha convertido en un pequeño quebradero de cabeza, no ya por mi habitual indecisión a la hora de elegir tal o cual dibujo, sino porque hace un mes y medio el disco duro del ordenador pasó a mejor vida -llevándose consigo todas las fotos del año hasta ese momento, los preparativos de la boda y los archivos actualizados del blog- con lo que a servidor le ha tocado ir tirando de la última copia de seguridad que tenía en casa, poco actualizada y con bastante material sin digitalizar todavía. Es por eso que toca escoger de entre la mitad aproximadamente de los sketchs de nuestra colección, revisar que no se hayan publicado todavía y entonces sí, compartirlo con todos ustedes de la forma habitual. En este caso la decisión no ha sido demasiado difícil, en tanto que quería publicar un dibujo realizado en Expocomic, y había uno perteneciente a un dibujante ya conocido por los sospechosos habituales que lo tenía aparcado en espera de una ocasión tan buena como esta, a una semana vista de la celebración de una nueva edición del Salón del Comic de Madrid. Este dibujo se corresponde con la primera vez que coincidimos con David Lafuente, allá por el lejano 2006, en un momento en que el dibujante estaba preparando ya el salto al mercado internacional. Mientras que yo opté por pedirle uno de sus personajes, miss Sparks se decantó por esta Supergirl a la que Lafuente clavó con su estilo desenfadado. Y por si se lo plantean, a día de hoy aún no tenemos claro si la semana que viene podremos asistir a un Expocomic con un cartel tentador y para mí espectacular o si la contención de gasto nos hará quedarnos en tierras ilicitanas en espera de mejor coyuntura... Tic, tac, tic, tac...

El lunes en que volví a la rutina

2011-11-21T20:01:00.009+01:00

Nunca antes había estado tanto tiempo alejado del teclado y del blog como las casi tres semanas que les he tenido abandonados. El motivo, como habrán supuesto muchos de ustedes, es un pequeño viaje que miss Sparks y un servidor hemos realizado por los Estados Unidos, visitando muchos de los lugares que hemos visto en decenas de películas y conociendo un país que en realidad es muy diferente de cómo el cine o la televisión nos ha transmitido. Con una riqueza natural verdaderamente impresionante y un patrimonio histórico reciente en comparación con el de la vieja Europa, y una población bastante atenta y considerada con el visitante, no dejan de traslucirse ciertos aspectos socioculturales que no terminan de convencerme y con los que no me sentía cómodo en absoluto, empezando por un sistema que traslada directamente parte del sueldo de los trabajadores al bolsillo del cliente que paga por un servicio y además aparte debe gratificar el trato del empleado -algo que el señor Rosa ponía en solfa magistralmente en la escena introductoria de Reservoir Dogs y con lo que siempre estuve de acuerdo-, y siguiendo por la extrema competitividad que se aprecia entre trabajadores y empleados que pueden llegar a discutir o pisarse clientes con tal de conseguir un par de pavos extra. Por lo demás, ha sido una experiencia única en la vida llena de momentos en los que lo único que me venía a la cabeza era: "Disfruta de este momento porque es la última vez en la vida que verás..." e insértese en los puntos suspensivos a elegir el Golden Gate, la Bahía de San Francisco, el Gran Cañón o el Teatro Chino de Graumann. En cualquier caso tengo la firma intención de compartir con todos ustedes un post especial esta semana en el que a través de la cartelera de decenas de películas les haré un recorrido por los Estados Ficticios de América que miss Sparks y yo estuvimos visitando hace unos días.

Por lo que se refiere a este su blog amigo, la niña digital de mis ojos y mi más longeva empresa hasta el momento, pues tengo la intención de continuar con los contenidos que habitualmente nutrían al mismo, empezando por sketchs de colección, commissions, subastas de originales, reseñas de tebeos o pelis, un poco de todo para todo aquel que quiera seguir pasándose por aquí y disfrutar de aquello que nos gusta y nos alegra la vida en todo momento.

Para terminar hoy, pues nada menos que una canción de los Foo Fighters, grupo al que tuvimos la suerte de poder ver en un concierto de casi tres horas en el Madison Square Garden y cuya música ha estado resonando en mis oídos desde mucho antes de que comenzara el viaje. Sean ustedes fieles a sí mismos, y recuerden tener mucho cuidado ahí fuera.

These days
Foo Fighters

One of these days the ground will drop out from beneath your feet
One of these days your heart will stop and play its final beat
One of these days the clocks will stop and time won't mean a thing
One of these days their bombs will drop and silence everything

But it's alright
Yeah it's alright
I said it's alright

Easy for you to say
Your heart has never been broken
Your pride has never been stolen
Not yet not yet

One of these days
I bet your heart'll be broken
I bet your pride'll be stolen
I bet I bet I bet I bet
One of these days
One of these days

One of these days your eyes will close and pain will disappear
One of these days you will forget to hope and learn to fear

But it's alright
Yeah it's alright
I said it's alright

Easy for you to say
Your heart has never been broken
Your pride has never been stolen
Not yet not yet
[ From: http://www.metrolyrics.com/these-days-lyrics-foo-fighters.html ]

One of these days
I bet your heart'll be broken
I bet your pride'll be stolen
I bet I bet I bet I bet
One of these days
One of these days

But it's alright
Yeah it's alright
I said it's alright
Yes it's alright

Don't say it's alright
Don't say it's alright
Don't say it's alright

One of these days your heart will stop and play its final beat
But it's alright

Easy for you to say
Your heart has never been broken
Your pride has never been stolen
Not yet not yet

One of these days
I bet your heart will be broken
I bet your pride will be stolen
I bet I bet I bet I bet

One of these days
One of these days
One of these days

El primer lunes del resto de mi vida

2011-10-31T20:12:00.006+01:00

Todo se ha cumplido ya. Señores, hoy empiezo a escribir un nuevo capítulo de esa novela meditabunda, errática, llena de disgresiones y dudas que es mi vida, pero lo hago repleto de felicidad, esperanza y energía. Cuando uno reúne en el mismo espacio físico a cien personas a las que quiere y respeta y recibe de todas ellas los mejores deseos y la mayor de las alegrías uno no puede hacer otra cosa más que dar las gracias a los hados, al universo o al azar por el momento de conjunción cósmica que hizo encajar todos y cada uno de los factores que podían haber ido mal en ese día y los convirtió en perfectos e irrepetibles. Me viene a la cabeza mi cita favorita de Spaced para definir a la perfección lo acontecido el sábado pasado: Dicen que la familia del siglo XXI estará formada no sólo por parientes, sino por amigos. El sábado tuve la suerte de constatar que mis amigos eran como mi familia, y que consideraba a mis familiares como a mis amigos. La vida sigue, pero con ese amor y ese cariño a mis espaldas, lo hace de forma realmente esperanzadora. Me perdonarán ustedes por no extenderme más, en tanto que son días de mucho ajetreo, pero lo que si quiero compartir con todos ustedes es una canción que refleje ese estado de ánimo que hoy me embarga. Sean ustedes buenos, y recuerden tener mucho cuidado ahí fuera.

Friends will be friends
Queen

Another red letter day
So the pound has dropped and the children are creating
The other half ran away
Taking all the cash and leaving you with the lumber
Got a pain in the chest
Doctor's on strike what you need is a rest

It's not easy love but you've got friends you can trust
Friends will be friends
When you're in need of love they give you care and attention
Friends will be friends
When you're through with life and all hope is lost
Hold out your hands cos friends will be friends right till the end

Now it's a beautiful day
The postman delivered a letter from your lover
Only a phone call away
You tried to track him down but somebody stole his number
As a matter of fact
You're getting used to life without him in your way

It's so easy love cos you got friends you can trust
Friends will be friends
When you're in need of love they give you care and attention
Friends will be friends
When you're through with life and all hope is lost
Hold out your hands cos friends will be friends right till the end

It's so easy love cos you got friends you can trust
Friends will be friends
When you're in need of love they give you care and attention
Friends will be friends
When you're through with life and all hope is lost
Hold out your hands cos friends will be friends right till the end

Friends will be friends
When you're in need of love they give you care and attention
Friends will be friends
When you're through with life and all hope is lost
Hold out your hands cos right till the end-
Friends will be friends.

La cosa: Si todos los remakes fuesen como este...

2011-10-31T09:35:00.006+01:00

Tras 1997: Rescate en Nueva York los grandes estudios se fijan en John Carpenter para dirigir un proyecto que llevaba años rondando por Hollywood, el remake de The thing... from another world, film de serie B de los años 50 dirigido por Christian Nyby y producido por Hawks, al que Carpenter tenía cierto aprecio. El guión, a cargo del hijo de Burt Lancaster, Bill, se fija más en el relato original en el que se inspiró Nyby que en la película de este. Escrito por John W. Campbell Jr., Who goes there? marcaba el punto de inicio del film de los 50, pero la mayor parte del relato quedaba al margen de lo que la película mostró, un alienígena vegetal patoso y anquilosado que acosaba a un grupo de curtidos soldados en una base polar, con científico desquiciado e historia de amor incluidos. La paranoia o el horror físico que, según dicen ya que no lo he leido, destilaba el relato original brillaban por su ausencia. Y eso es lo que Carpenter pretenderá recuperar en su John Carpenter's The thing.

Una nave espacial entra en la atmósfera terrestre. Fundido en negro. Tras los títulos de crédito un perro corre por el blanco manto de la Antártida, mientras un helicóptero intenta abatirlo a toda costa. El perro se refugia en una base estadounidense, y los noruegos ocupantes del aparato, que llegan a poner en peligro la vida de los americanos, son abatidos ante la aparente irracionalidad de sus acciones. El perro es acogido sin reservas y la cámara, en suaves travellings, recorre el interior de la base, describiendo tanto el espacio físico (pasillos, habitaciones) como el espacio moral (aburrimiento, hastío, roces) del lugar. Con unas escasas pinceladas se nos indica el carácter de cada personaje. En una inspección rutinaria del campamento noruego descubren que está completamente destruido, sus ocupantes muertos. Un hallazgo resulta particularmente ominoso: un bloque de hielo que tenía algo en su interior almacenado. Tras inspeccionar las cintas encontradas en la base noruega, marchan a una excavación, de la que procede dicho bloque, y en la que encuentran una gigantesca nave espacial que lleva millones de años bajo el hielo. Esa noche, alertados por los ruidos de la perrera, los miembros de la misión descubren un horror más allá de su comprensión, el perro recogido ha sufrido una grotesca mutación y ha intentado asimilar a los demás animales... A partir de ahí las sospechas irán pasando de unos a otros, la desconfianza se apoderará del grupo y algo que no es de este mundo intentará transformarlos a todos ellos en algo completamente distinto de la naturaleza humana, algo frío, alienígena y aparentemente imparable.

La película se rodó en Alaska, en condiciones muy duras, y contó con un reparto enteramente masculino, dentro del cual destacaremos a Kurt Russell, Keith David, Richard Dysart o Wilford Brimley. El equipo técnico, soberbio, dotó al film de una factura excelente. Rob Bottin se hizo cargo de los -escalofriantes- efectos visuales de las transformaciones y de las criaturas; Albert Whitlock (un habitual colaborador de Hitchcock) se ocupó de las maquetas y transparencias; Dean Cundey realizó una labor de fotografía tan gélida como las áridas estepas antárticas en las que se desarrolla el film; y Ennio Morricone compuso la banda sonora, tomando como modelo los anteriores trabajos de Carpenter en sus films y empleando una minimalista melodía para sintetizador que marca el pulso de las aterradoras situaciones que el metraje va desgranando. La composición en scope tan habitual en Carpenter sabe aprovechar todo el ancho de la pantalla, ya sea con los planos "de grupo" o aquellos que ubican a los personajes en el exterior, desamparados en mitad del glacial aire antártico. Carpenter supo hacer suyo un guión ajeno, hasta el punto de que ésta sería una de las películas más personales del director, su mejor film sin duda para el que escribe estas palabras y una obra maestra del género.

Ya desde el inicio la irracionalidad se apodera del relato. El aburrimiento se ve roto por acontecimientos cada vez más extraños, más grotescos, que superan la capacidad de comprensión de los ocupantes de la base. A medida que la desconfianza se apodera de ellos, el desconcierto y la incomodidad del espectador crecen. Cualquiera puede ocultar el mal en su interior, aunque ahora la alegoría no sería anticomunista, sino tal vez sobre los males que nos corrompen de forma silenciosa, imparable y sin piedad: el cáncer, el sida, los males del fin de siglo. Incluso, cuando durante el impresionante clímax (subrayado por la música de Morricone excepcionalmente) los supervivientes deciden asumir con entereza su destino y hacer "lo que tienen que hacer", Carpenter filma con cierta épica desesperada sus acciones, retratando el sacrificio heroico de unos personajes tan hawksianos como Carpenterianos, afines a la filmografía de ambos directores. El descorazonador final del film, valiente por su ambigüedad, su nihilismo último, no impidió que este film obtuviera una buena acogida por parte del público, en el mismo año en que se estrenó un film antitético -aunque de igual calidad cinematográfica, añadiría yo- como fue E.T. (El extraterrestre). La crítica fue muy severa con el film, sobre todo por la comparación con el clásico de Nyby y por el despliegue de efectos especiales, sobrecogedores, realistas (aunque por su exceso, rozando los delirios visuales del surrealismo). En su momento se ignoró, o se quiso ignorar, que acaso los momentos más tensos del film no presentaron ningún efecto especial en la pantalla. Ahora mismo recuerdo dos de ellos: el acceso de locura del científico Blair (Brimley), o la escena de la prueba de sangre, prodigio de narración contenida que mantiene en vilo al espectador, atemorizándolo antes de golpearle visualmente con los FX excepcionales (y aún vigentes en estos tiempos de efectos por ordenador) del Sr. Bottin. Durante años se especuló con la posibilidad de una secuela, pero hasta ahora las únicas continuaciones han venido en forma de comic (Dark Horse ha editado tres miniseries) y de videojuego (donde aparecen personajes de la película).

Extraoficialmente, se considera este film como el primero de la trilogía del apocalipsis, junto a Prince of Darkness e In the Mouth of madness, películas sin relación argumental pero que retratan tres diferentes situaciones apocalípticas...

Disfruten John Carpenter’s The Thing... si consiguen mantener la mirada fija en la pantalla.

[Para los fans de la peli recomiendo este frikisitio: http://www.outpost31.com/. Están planeando un viaje al set de rodaje en Canadá. ¡¡Me apunto!!]

The Thing: Double feature

2011-10-31T09:27:00.002+01:00

Hace unos días tuvimos la suerte de poder disfrutar doblemente en Elche de dos circunstancias bastante inusuales. Por un lado que se realizara un preestreno, pero por otro y todavía mejor, que se proyectara en pantalla grande la versión de 1982 de la película La cosa, como sabrán ustedes uno de mis clásicos personales y una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Poco se puede objetar a dicha iniciativa salvo el orden elegido para proyectar las dos películas. Y es que, pese a que cronológicamente los hechos narrados en La cosa (2011) son anteriores a los de la película de 1982 se decidió dejar el preestreno para el final a modo de plato fuerte. Con ello, ¿qué se consiguió? Pues que las similitudes miméticas de la precuela saltaran más a la vista y el salto de calidad entre una y otra se apreciara como más evidente. A buen seguro que si hubiéramos visto primero la nueva película la habríamos disfrutado con mayor indulgencia y además habrían encadenado el final de una con el comienzo de la otra de una forma casi perfecta. Y ahora, vamos con la segunda parte de nuestra sesión terrorífica...

La cosa (2011): La precuemake de un clásico

2011-10-28T13:07:00.010+02:00

1982. Un vehículo de exploración antártica noruego cae por una grieta en el hielo. Sus ocupantes no pueden dar crédito a lo que yace en el fondo de la sima. Un equipo de investigación liderado por el doctor Sander Halversen (Ulrich Thomsen) comienza a preparar el viaje a la Antártida, pero antes reclutan a la paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) con la promesa de que investigará un espécimen único. El equipo es conducido hasta la base en helicóptero por dos curtidos pilotos acostumbrados a trabajar en aquellas tierras heladas e inhóspitas, Sam Carter (Joel Edgerton) y Derek (Adewale Akinnuoye-Agbaje).

Una vez en la base la naturaleza del descubrimiento se revela en toda su asombrosa magnitud. El hielo ha hecho emerger un objeto volador no identificado que se estrelló en la tierra hace 100.000 años, y uno de sus ocupantes se congeló a unos metros de la nave, intentando llegar a no se sabe dónde. El equipo de científicos noruego se frota las manos ante un descubrimiento que huele a premio Nobel, mientras que Kate Lloyd se muestra renuente a alterar el envoltorio helado del ser en unas condiciones tan poco seguras como las de la base científica antártica. Tras una exploración preliminar la criatura del hielo cobra violentamente vida y huye del bloque de hielo, pero la amenaza es contenida en primera instancia.

Los científicos están desconcertados ante la celeridad con que se suceden los acontecimientos. Las bajas se amontonan mientras que los análisis parecen demostrar un comportamiento aberrante en las células de la criatura, que absorben y mimetizan las de cualquier otro ser que tengan a su alcance, ya sean aliens, perros o seres humanos. El horror, la paranoia y la muerte se apoderan de la base antártica. Todos pueden ser una cosa, nadie confía en nadie y las opciones se van agotando para detener una amenaza que puede poner en peligro a la entera humanidad.

La cosa (2011) no es el remake de La cosa (1982), aunque pueda parecerlo en más de un momento. No. Se trata en realidad de la precuela del magistral film de John Carpenter en la que se nos narra los hechos sucedidos previamente a lo reflejado en aquel film, esto es, el descubrimiento por parte de los noruegos de la nave y su tripulante, y qué condujo a la destrucción y horror que McCready (Kurt Russell) encontró en dicha base. Los guiños al respecto son muchos, y bastante ajustados: el noruego con las venas abiertas y la sangre congelada fantasmagóricamente, el hacha clavada en la pared, la aberrante criatura bicéfala quemada a la que Blair (Wilford Brimley) practicó la autopsia... Nada se puede objetar al respecto salvo una pequeña concesión a la espectacularidad que altera en cierta manera la continuidad de ambos films, referente a la explosión que dejó al descubierto la nave espacial.

Ese respeto por el material original y la búsqueda de mantenerse fieles al mismo parte desde los primeros intentos de desarrollar la película. Al establecerla como precuela se perdía cierta frescura -todo aquel que hubiera visto La cosa (1982) sabría cómo terminan la mayor parte de personajes- pero se mantenía virgen el film de Carpenter. El interés del director Matthijs van Heijningen, que acababa de ver cancelado un proyecto de película con zombis en Las Vegas, fue muy importante al tratarse él mismo de un entusiasta del clásico carpenteriano. El guión original escrito por Ronald D. Moore fue reescrito posteriormente por Eric Heisserer, en lo que prejuzgo como el fallo más grave de la película. Dudo mucho que Moore, experto en desarrollar personajes y escenas de acción y tensión con sobrada solvencia -¡¡Galáctica!!- hubiese ofrecido tan pronto y tan rápido algunas de las soluciones narrativas que La cosa (2011) emplea para mimetizar hasta el rídiculo su modelo original.

Si bien es cierto que no había sorpresa a la hora de abordar el final, sí se podía haber jugado con una estructura cinematográfica distinta, con unos tiempos diferentes, con unos modelos de personaje que no nos sonaran a conocidos. Tenemos de nuevo al piloto con vocación de héroe, tenemos autopsia, análisis celular, escena con perros, prueba dental (es brutal cómo se pone la vida de los ocupantes de la base en juego en base a su higiene dental), explosiones de violencia gore (aquí un tanto más falseadas por los efectos digitales, que si bien más vistosas y efectistas carecen de la sobria sensación de sucio realismo que Rob Bottin consiguió crear hace 30 años), y clímax ambiguo que, por si las moscas, se resuelve pronto para que la audiencia no tenga duda alguna. Si ese mimetismo juega claramente en contra de la película, a toro pasado podemos decir que se desperdicia igualmente uno de los elementos novedosos de la precuela, la exploración del hábitat alienígena en el que se nos muestran elementos con múltiples posibilidades que carecen de explicación alguna y que son obviados inmediatamente en detrimento de la acción pura y dura.

No voy a decir que La cosa 2011 sea una mala película, en tanto que como película de horror exprime un único escenario y una historia ya conocida para lograr que el espectador se interese por sus personajes, reciba un par de sustos genuinos a lo largo del metraje, se asquee con alguna de las delirantes transformaciones de las cosas y en suma, pase un mal rato que es de lo que se trata. Si la película se hubiese llamado El terror helado que cayó del espacio estoy seguro que habría sido mucho más benevolente con esta producción, pero al tratarse de La cosa 2011, uno no puede dejar de pensar en lo mismo de siempre. En cuánto talento atesoraba Carpenter en cada una de sus películas y en cómo parece haber quedado cada vez más al margen de un sistema que prefiere gastar 35 millones de dólares en este vehículo de lucimiento para un fanboy entregado antes que darle ese mismo dinero al Maestro para que se suelte la melena y nos entregue de una vez por todas el testamento cinematográfico que él como artesano y nosotros como adoradores rendidos de su obra nos merecemos.

El lunes del final de la cuenta atrás

2011-10-24T22:09:00.007+02:00

Sabrán perdonarme lo desatendidos que les estoy teniendo los últimos tiempos, pero conforme se acerca el día D, la logística del asunto obliga a más gestiones y quebraderos de cabeza, y uno no da para demasiado más. Súmenle ustedes la tercera representación de Resacón en Elche y tendrán a una persona que está preparada para lo que le echen. Además del feliz evento, la semana pasada vivimos tres acontecimientos históricos de forma casi simultánea, a saber, el linchamiento deplorable de Gadaffi, el aparente abandono de las armas de ETA y una maratón cinematográfica en la que se preestrenaba La cosa (2011) precedida de La cosa (1982), un verdadero lujo para un servidor que hasta el momento apenas había podido ver tres películas de Carpenter en pantalla grande, y mucho menos la que considero su obra magna. De hecho, esta semana tengo la intención de remedar ese programa doble y comentar las dos películas, complementarias en tanto que cuentan una misma historia aunque dispares en la calidad del resultado final. Y no les digo cual es mejor.

La canción de hoy es repetida, sí. La hemos oído cientos de veces, y se emplea cada vez que algo que se esperaba durante bastante tiempo está próximo a suceder. Seis meses de preparación, elecciones e ilusión están a punto de finalizar, y no creo que haya una canción que refleje mejor que esta lo que pasa por mi cabeza y mi teclado en estos momentos. Que los hados les sean propicios a lo largo de los próximos días y recuerden, como cada semana, el humilde y sentido consejo de un servidor: tengan mucho cuidado ahí fuera.

The final countdown
Europe

We're leaving together,
But still it's farewell
And maybe we'll come back,
To earth, who can tell ?
I guess there is no one to blame
We're leaving ground
Will things ever be the same again?

It's the final countdown...

We're heading for Venus and still we stand tall
Cause maybe they've seen us and welcome us all
With so many light years to go and things to be found
I'm sure that we'll all miss her so.

Sketch-busters CXCI: Esteban Maroto (IV)

2011-10-23T21:26:00.006+02:00

Dedico hoy la última entrada a Esteban Maroto, no sin cierto pesar, porque a pesar de haber coincidido con él por lo menos en otras dos ocasiones más de las mencionadas -Avilés y Barcelona- no se alinearon los astros de forma propicia para conseguir más dedicatorias. No me quejo en absoluto, ya que Esteban es uno de los dibujantes mejor representados en nuestra colección de dibujos tanto por la calidad de sus sketchs como por el excelente recuerdo de una persona amable, atenta y cercana para los aficionados. En este caso el dibujo fue realizado sobre album, una de sus maravillosas recopilaciones de ilustración repletas de sensuales mujeres y paisajes de fantasía repletos de detalles y con un estilo barroco y modernista que supone un verdadero festín para los sentidos. Tengo que decir que me parece uno de los dibujos más bellos de cuantos hemos tenido la fortuna de conseguir con el paso de los años, destilando una languidez y una tristeza que contrastan con la belleza del personaje retratado. Y para rematar la faena, dejo el completo artículo dedicado al autor en la web Tebeosfera, con lo que además de su arte, habremos conseguido ofrecer dos visiones retrospectivas de su obra y una entrevista en profundidad con el maestro.

Dibujante de sofisticada estilización, interesado por la fantasía con cierta presencia erótica, que hizo populares estilemas emparentados con la ilustración artística en la historieta de los primeros setenta. Famoso por sus intervenciones en la ciencia ficción (5 por infinito) y en la fantasía heroica, con personajes como Dax, Wolff, Red Sonja o Conan.

Llegado a los tebeos a mediados de los años cincuenta, Maroto creció como dibujante en el estudio madrileño de López Blanco. Participó en colecciones como Aventuras del F.B.I., El príncipe de Rodas, siempre como ayudante o junto a otros. Desde 1963, comenzó a trabajar para el extranjero a través de agencia tras afincarse en Barcelona, integrado en el estudio de Selecciones Ilustradas. Trabajó para los mercados extranjeros, sobre todo el alemán, donde publicó en revistas juveniles como Lasso, Roy Tiger (algunas de estas historietas, de la serie llamada "Alex, Khan y Khamar", la desarrolló Maroto junto a otros autores y la pudimos ver traducida en España por Euredit en los finales sesenta, en la colección Aventuras en la selva), Primo (donde dibujó la singular serie Capitan Terror, sobre guiones de P. Weichmann y que luego sería continuada por Ramón Sola) o Die Funf von Terra.

Durante los sesenta trabajó en historietas de aventuras y fantasía, pero también románticas, dada su gran capacidad para el dibujo de la figura femenina, a la que se acercaba con delicadeza, siempre respetuoso. Para revistas del Reino Unido dibujó la mayor parte de sus historietas románticas, comenzando por Boyfriend, en 1966, y continuando toda la década en otros títulos: Mirabelle, Jackie, Valentine, Diana, y sobre todo Romeo. Dejó de dibujar este tipo de argumentos en 1977 (en Oh Boy), pues desde 1965 había querido destacar como dibujante de fantasía. Precisamente aquel año desarrolló la serie 5 x infinito (con ayuda del colectivo de autores conocido como Grupo de la Floresta para fondos y algunos personajes en las primeras cuatro entregas) que la agencia SI destinó al mercado internacional (en EE UU se conoció primero la edición mejicana titulada Legionarios del espacio) y al nacional, publicándose en Delta 99, de IMDE, Drácula, de Buru Lan, y luego en su propia recopilación por Ursus. Gracias a esa obra Maroto obtuvo reconocimiento y galardones como dibujante en los EE UU (mejor dibujante extranjero en los premios de la Academy of Comic Book Arts en 1971) en un tiempo en que este reconocimiento resultó más importante para los editores y críticos que su calidad como historietista, en función de la importancia que se le confería a "lo americano" en España.

Maroto, a través de SI, se integró también en el conjunto de autores que dibujaron para las revistas de horror de Warren Publishing, desarrollando argumentos fantásticos generalmente. Interesado por el género de fantasía heroica, creó a dos guerreros con taparrabos que protagonizaron historietas en las que el dibujante ensayó nuevos modos de narrativa, más experimentales en lo gráfico. Uno fue Wolff, que apareció en la revista Drácula de Buru Lan en 1971, revisado en sus textos por Sadko (Luis Gasca) pero cuyos logros estéticos se vieron mermados por la abundancia de "homenajes" (estrategia demasiado utiliada por Maroto) y un coloreado chillón e inoportuno. El otro guerrero pionero fue llamado Manly, para su publicación en un suplemento del diario Pueblo, que luego sería rebautizado Dax the Warrior para su edición en EE UU, por Warren. Completa la terna de bárbaros de esta época Korsar, obra de Maroto para la revista alemana Pip, donde comenzó a ofrecerse en 1972. La calidad gráfica y la experimentación en la composición de página que Maroto desarrolló con estas series (figuras estilizadas según los cánones académicos, equilibrio de vacíos y masas de negro en la página, técnicas de rayado e isolado, etc.) le valió el reconocimiento definitivo por el público americano.

Gracias a estos méritos, Maroto logró publicar algunas obras en cómics americanos aparte de seguir en Creepy, Eerie o Vampirella (donde hasta desarrolló una serie protagonizada por Drácula). También fue el diseñador de la nueva apariencia de Red Sonja, con su popular "iron bikini", para The Savage Sword of Conan, dibujando alguna historieta que le entintó Neal Adams y aportando alguna imagen para el nuevo mercado de pósteres que se desarrolló en EE UU a caballo de los sesenta y los setenta. Otra de sus labores populares durante este tiempo fue su intervención en la saga de Satana, personaje diabólico y voluptuoso publicado por Marvel en Marvel Preview y Vampire Tales. Pero los setenta fueron, para este historietista, sobre todo años de espada y brujeria: vio publicado su Wolff en Francia, Dax el guerrero se tradujo en varios países, y Korsar pudo ofrecerse en una revista española (Cimoc, 1979). En paralelo, escribió y dibujó obras de ciencia ficción como Alma de dragón, para la revista Trinca primero (luego publicada con descuido por la revista La historieta, de Ursus, en 1973), como La Esfinge o Nave prisión, series que Maroto destinó a la nueva alineación de revistas de cómics del sello Toutain Editor desde 1979, en las cuales su firma fue elegida como una de las puntales en el etiquetado de la historieta como medio "para adultos" y "artístico" con el que intentaron hacer comulgar al público español de los finales setenta y primeros años ochenta. De hecho, su firma fue una de las seleccionadas para la colección enseña de SI titulada Cuando el comic es arte, y la edición del álbum Dax el guerrero por Toutain resultó llamativo para la época por sus dimensiones y calidad de edición. En las páginas de 1984, 1994 y Comix, las de Warren, también dibujó Maroto un buen surtido de historietas de ciencia ficción a finales de los setenta.

En sus obras de los años ochenta Maroto siguió interesado por dibujar fantasías en ciclos alusivos a cuentos, cosmologías o astrologías, lo cual restó interés a sus producciones. Su forma de dibujo se deslizó sin alardes, con viñetas quietas, de figuras afectadas, si bien nunca dejó de ser elegante. A este periodo corresponden series como Zodiaco y otras participaciones no integradas en series y portafolios de imágenes, como Zoo fantástico. Sus historietas destinadas a la revista Rambla sí que fueron aportaciones relevantes de su trayectoria, en esta época . También resultó interesante su propósito de adaptar Los mitos de Cthulhu, que en España se publicaron en la revista El Capitán Trueno en 1986. En paralelo, abordó revisiones de su obra como 5 por infinito, que fue reeditada con retoques de Neal Adams en 1984 bajo el título Zero Patrol (Continuity Comics).

En el final de esta década, Maroto trabajó más para el mercado exterior que para el nacional. Desde 1987, se vio su firma en varios títulos de DC Comics: fue escogido para dibujar una fantasía heroica sui generis, Amethyst. Luego fue invitado al título Action Comics Weekly para dibujar a Deadman en 1988, y a continuación hizo el lápiz de otra miniserie de fantasía, Atlantis Chronicles, sobre guiones de Peter David, que no ha envejecido con el tiempo y donde Maroto desarrollaba un estilo más suelto y dinámico. A mediados de los noventa, este autor estaba dedicado a otros sellos: Cadillacs and Dinosaurs, Lady Rawhide, ambas de Topps Comics, Dimension X (Karl Art Pub., 1992), X-Men Unlimited (Marvel, 1993), las portadas de Zatanna (DC, 1993), Verotika (Verotik, 1995), Zorro`s Lady Rawhide (Image, 1999), y también dibujó durante esta década nuevas historietas de la saga de Conan para The Savage Sword of Conan the Barbarian, revista así titulada ahora que había vuelto a sus guiones Roy Thomas, que fue quien reclamó el lápiz de Maroto para varias aventuras del personaje cimmerio, primero, y luego otras protagonizadas por Valeria.

En España, durante los noventa, vio publicados algunos libros recopilatorios de sus historietas de horror y con presencia femenina, como En el nombre del diablo (Toutain, 1991) o libros de ilustración, como Urania (Norma, 1999). En este tiempo desarrolló abundantes encargos de ilustración, sobre todo para el extranjero. Entre el final de los noventa y los 2000, Maroto ha repartido sus lápices entre Italia y EE UU. Ha sido el dibujante de la serie Brendon en los fumetti así titulados por su editor, Bonelli, desde 1998, y ha dibujado superhéroes para sellos como Crossgen (CrossGen Chronicles, 2002), Topps (Vlad the Impaler, 2003, serie limitada de tres comic books) hasta volver a Red Sonja (un póster para Dynamite). En España no hemos disfrutado de estas últimas obras, aunque sí de su firma en ilustraciones para tebeos como Hijos de la medianoche, por ejemplo, o en libros como Wonders (Norma) que recogen parte de su obra ilustrada. En EE UU y en Francia también se han publicado libros de ilustraciones o bocetos en estos últimos años.

Fuente: Tebeosfera.

Commissionando personalmente XXVI: Sparks & Plissken and Co.

2011-10-21T11:53:00.009+02:00

La entrada de hoy es especial por varios motivos. En primer lugar porque se trata de un dibujo por encargo realizado por el que es y será uno de mis dibujantes favoritos, el gran Óscar Jiménez. En segundo lugar porque puede que sea una de las ilustraciones más personales de todas cuantas se guardan en mis carpetas y portafolios, en tanto que nos refleja a la perfección -y no me sean malos, no me refiero a físicamente-. Y en tercer lugar porque el motivo de dicha commission no fue otro más que el de servir como base para nuestra invitación de boda. Desde el primer momento tuve claro el hecho de que, a pesar de ir a lo tradicional en prácticamente todo lo demás, la invitación debía reflejar cómo éramos y somos miss Sparks y un servidor. Por un lado, nuestros avatares virtuales, que nos han acompañado durante años. Por otro, nuestro amor incondicional por el mundo del tebeo y nuestra pasión por el arte original, personalizados en un dibujante al que conocimos en nuestro primer salón, retrató a the real Jenny Sparks como sketch de aniversario y posteriormente nos regaló uno de los dibujos más hermosos de todos los que hemos tenido la fortuna de recibir con el paso de los años, el retrato de Linda y Wally reflejando otra de esas parejas de tebeo en las que podíamos vernos reflejados en parte. Cuando me puse en contacto con Óscar lo cierto es que no terminaba de tener claro lo que quería, y mi concepto original era un tanto bizarro para una invitación de boda, Sparks y Plissken espalda con espalda enfrentándose a un grupo de enemigos como representación de esa unidad frente a cualquier problema o adversidad. Difuso, e inadecuado. Pero aquí entra el talento de Óscar Jiménez que supo extrapolar una de las frases que le dije: Quiero que refleje lo que sentimos por el otro. La primera persona con la que puedes contar, la última en fallarte... Y de ahí sacó un concepto delicioso con una estampa más adecuada y una pose y una actitud que refleja -o al menos a mí me lo parece- los sentimientos antes mencionados. Ah, por cierto. Quería dejar para el final el otro elemento que convierte en algo tan especial la ilustración. Y me refiero, cómo no, a nuestros adorados gatetes, a nuestros We4, a nuestros jedis felinos, que como no podía ser de otra forma la lían parda y hacen de las suyas, destrozando la tarta y jugando con el muñequito del novio... A modo de curiosidad final, decirles que el paso intermedio de añadir color al dibujo de Óscar Jiménez fue obra de la propia Leti Sparks, que trabaja mejor con las acuarelas de lo que ella misma reconoce.

Revelation Monday

2011-10-17T20:59:00.007+02:00

Lunes de revelaciones. Lo he dilatado el máximo tiempo posible, pero ya toca tirar de la manta. Alcemos el secreto de sumario, y siendo este como es un blog personal, desvelemos que es lo que me ha tenido ocupado y absorbido durante las últimas semanas. La pareja oficiosa formada por Plissken y miss Sparks formalizará ante dios y ante los hombres en un par de semanas una relación que dura ya más de tres lustros. No sé si a partir de entonces cambiaré el tratamiento de miss por el de mistress Sparks, pero en cualquier caso la ley divina y humana habrán sancionado algo aún más de lo que ya estaba. En breve uno de mis gags favoritos recurrentes se convertirá en una certeza absoluta...

Y dicho esto, con lo que me quito la espinita de no haber reflejado antes en el diario de bitácora personal y friki tamaño acontecimiento en la vida de su humilde servidor, intentaremos seguir con la marcheta mínima que he llevado las últimas semanas en el blog, recuperando el último dibujo de Esteban Maroto y publicando una commission personal muy especial que a buen seguro les dejará con la boca abierta.

Repito canción -creo- pero por título, temática y calidad me parece bastante apropiada para empezar una semana repleta, como las anteriores, de gestiones, arreglos, correos electrónicos y llamadas telefónicas con vistas a que todo salga de la mejor manera posible. A mí personalmente ya no me quedan más dedos que cruzar, así que les dejo con una Boda Blanca y les deseo que pasen una semana excelente. Tengan mucho cuidado ahí fuera, por cierto...

White Wedding
Billy Idol

Hey little sister what have you done?
Hey little sister who's the only one?
Hey little sister who's your superman?
Hey little sister who's the one you want?
Hey little sister shot gun!

It's a nice day to start again.
It's a nice day for a white wedding.
It's a nice day to start again.

Hey little sister who is it you're with?
Hey little sister what's your vice and wish?
Hey little sister shot gun (oh yeah)
Hey little sister who's your superman?
Hey little sister shot gun!

It's a nice day to start again (come on)
It's a nice day for a white wedding
It's a nice day to start again.

(Pick it up)

Take me back home

Hey little sister what have you done?
Hey little sister who's the only one?
I've been away for so long (so long)
I've been away for so long (so long)
I let you go for so long

It's a nice day to start again (come on)
It's a nice day for a white wedding
It's a nice day to start again.

There is nothin' fair in this world
There is nothin' safe in this world
And there's nothin' sure in this world
And there's nothin' pure in this world
Look for something left in this world
Start again

Come on
It's a nice day for a white wedding
It's a nice day to start again.
It's a nice day to start again.
It's a nice day to start again.

Sketch-busters CXC: Esteban Maroto (III)

2011-10-12T11:55:00.009+02:00

Aprovecho la coyuntura de un día festivo en el que servidor hace vida de persona de bien -esto es, a las doce a la camita y a levantarse despejado y tempranito- para compartir con ustedes un nuevo dibujo de Esteban Maroto, dibujante excepcional donde los haya y mejor persona en su trato con los aficionados. En este caso la ilustración se corresponde con el dibujo que Maroto tuvo a bien realizar durante la celebración del Salón del Comic de Barcelona del año 2002. Como suele ser habitual en los dibujos que realiza en convenciones, y partiendo de un mínimo esbozo, Esteban Maroto se recrea en los estilizados detalles de ropa y adornos, dotando al dibujo de un barroquismo muy conseguido, y complementado por ese puntual toque de color que resalta aún más la belleza de la ilustración. Y a modo de complemento, en ese afán de ir dejando documentación sobre el autor, hoy recupero un texto muy especial, nada menos que el que Ángel de la Calle le dedicó con motivo de su asistencia a las V Jornadas del Cómic de la Villa de Avilés, que, recordemos, fueron nuestras primeras -inolvidables, mágicas- y donde tuvimos el placer y el honor de cruzarnos por vez primera con Esteban Maroto.

Esteban Maroto nació, en 1942, en Madrid, pero su vida profesional ha trascurrido casi completamente en Barcelona. Desde sus primeros pasos en el tebeo, formato cuadernillo, con los personajes Alex, Kahn y Kamar, hasta sus actuales trabajos para el mercado norteamericano, en series como Cadillacs y Dinosaurios, han transcurrido más de treinta años. En ese tiempo Maroto se ha convertido en la única megaestrella española en el mundillo norteamericano de los cómics -como aseguraba hace poco tiempo la revista americana especializada en historietas Comics Books Artists-. Maroto se hizo internacionalmente conocido con sus historias para la serie Cinco por Infinito, que había creado junto con otros autores, pero que seguiría en solitario y cuya publicación en nuestro país, a finales de los sesenta, compartiendo tebeo junto al Delta 99 de Carlos Giménez, conmovió el raquítico panorama español de aquel tiempo, haciendo de Esteban Maroto uno de nuestros autores más conocidos. Los premios que aquellas historietas recibieron agrandaron aún más la figura del dibujante madrileño, por entonces encuadrado en la agencia Selecciones Ilustradas que dirigía Toutain. Después vendría La tumba de los dioses, y también Wolf, con guión de Sadko, que saludaría a los lectores desde Drácula, la revista que a principios de los años setenta se convirtió, con sólo doce números, en un hito entre las publicaciones de historietas españolas. Alma de Dragón sería el título de la historieta, que con destino a la revista Trinca, acercaría al cotizado dibujante nuevamente a los lectores españoles. Aquella historia no vería su fin en la mencionada publicación.

La internacionalidad de Maroto era incuestionable, y numerosos fueron los paises que publicaran sus trabajos. Las revistas de Jim Warren tampoco permanecieron ajenas al español, que realizó numerosos trabajos para Eerie, Creepy y Vampirella. Desde sus comienzos como editor de revistas mensuales de ciencia ficción y terror, Josep Toutain incorporó a Maroto a sus sumarios y en libro le editaría Dax el guerrero, una de las obras más conseguidas de la carrera del dibujante, y buen ejemplo de como entintar. Este libro ha sido reeditado no hace demasiado tiempo por Planeta. Tras multitud de trabajos menos significativos dentro y fuera de nuestro país, Maroto regresó, para presentarse a los aficionados más jóvenes, de la mano del guionista Peter David, y de la editorial DC Comics, con Crónicas de Atlantis, que daría paso a numerosas colaboraciones en editoriales americanas de todo tipo.

En las Jornadas de Avilés teníamos ganas de encontrarnos con este autor, que despierta pasiones encontradas entre los fans, y que ha recorrido buena parte de la historia del tebeo español, o hecho desde España, siempre desde la línea de fuego y representando, como pocos, las grandezas y servidumbres de ese oficio del siglo XX que llamamos dibujante de historietas.

Angel de la Calle

Fuente: Aquí.

Lunesfest

2011-10-10T21:43:00.006+02:00

Qué abandonados les tengo durante las últimas semanas, y qué poco tiempo me está quedando libre para atenderles como merecen. Lo cierto es que servidor va de lío en lío, y me queda el tiempo justo y las ganas para distraer la mente con cuatro ratos recordando viejos tiempos con el RE4 o volviendo a ver la serie británica Jekyll, finalizada ya la temporada del Doctor Who y necesitado de mi ración semanal de ficción de calidad. ¿Y en qué andará liado Plissken? Pues algunos ya lo saben y han sido lo suficientemente amables como para no comentar espoilers, mientras que el resto de lectores constantes y habituales saldrán de dudas la próxima semana. Ya les aviso que la vida de Plissken nunca volverá a ser la misma, aunque todo cambiará para seguir igual... Ahí les dejo eso.

Por lo que respecta a este su blog amigo, pues ya me da un poco de miedo aventurar nada, porque de buenas intenciones están empedrados los posts del lunes y luego las semanas se consumen en un erial de contenidos que me da bastante cosica. A pesar de todo, y dado que contamos con un festivo apetitoso a mitad de la misma, voy a intentar avanzar con la serie de entradas dedicadas al maestro Esteban Maroto y hablarles de otra película británica mezcla de comedia y ciencia ficción que puede alegrarles un ratillo de la mejor manera posible. Y honestamente, no creo que la cosa de para más.

Les voy a dejar ya con una canción que estos días se emplea para animar muchos de los festivales dedicados a la cerveza y a la comida alemana que se celebran a lo largo de toda la geografía española, emulando el original y -dicen- inimitable Oktoberfest muniqués. Servidor debería probar alguna vez uno de esos festivales, porque dicen las malas lenguas que allí uno se lo pasa bien incluso aunque no le guste la cerveza. Schwim schwim schim...

Fliegerlied
Tim Toupet

Ich lieg gern im Gras
Und schau zum Himmel rauf
Schauen die ganzen Wolken
Nicht lustig aus?
Und fliegt en Flieger vorbei
Dann wink ich zu ihm rauf
"Hallo Flieger!"
Und bist du auch noch dabei
Dann bin ich super drauf

Und ich flieg, flieg, flieg wie ein Flieger
Bin so stark, stark, stark wie ein Tiger
Und so groß, groß, groß wie 'ne Giraffe
So hoch oh, oh, oh
Und ich spring, spring, spring immer wieder
Und ich schwimm, schwimm, schwimm zu dir über
Und ich nehm, nehm, nehm dich bei der Hand,
Weil ich dich mag
Und ich sag

Heut ist so ein schöner Tag
La-la-la-la-la
Heut ist so ein schöner Tag
La-la-la-la-la
Heut ist so ein schöner Tag

[Me gusta tumbarme en la hierba y mirar al cielo,
¿A que son divertidas las nubes?
Y pasa un avión y yo le saludo con la mano,
y si tu también estás, entonces estoy de muy buen humor.

[4x]:
Y vuelo, vuelo, vuelo como un avión,
soy tan fuerte, fuerte, fuerte como un tigre,
y tan grande, grande, grande como una jirafa, así de alto.

Y salto, salto, salto una y otra vez,
y nado, nado, nado hacia tí,
y te tomo, tomo, tomo de la mano,
porque me gustas, y digo:

¡Hoy es un buen día!
¡Hoy es un buen día!
¡Hoy es un buen día!
¡Hoy es un buen día!]

Attack the Block: Cuando los alienígenas se encontraron con los Goonies de barrio

2011-10-06T18:13:00.012+02:00

Cuando la enfermera Sam (Jodie Whittaker) regresa a su casa en un bloque de apartamentos de los suburbios se ve asaltada por un grupo de muchachos, que pese a su juventud, se muestran violentos y expeditivos en el robo de sus pertenencias. El grupo de pandilleros, liderado por Moses (John Boyega), está formado por Pest (Alex Esmail), Dennis (Franz Drameh), Jerome (Leeon Jones) y Biggz (Simon Howard), un grupo de chavales que ya han desistido de soñar con un futuro mejor que el que les depara su vida en los bloques de los suburbios y se dedican a robar y atemorizar a los vecinos. Su asalto a Sam se ve interrumpido por un estruendo súbito. Un coche ha sido destrozado por el impacto de algo caído del cielo...

Cuando los muchachos investigan el accidente la sorpresa es mayúscula. Un animal de morfología desconocida pero salvajismo y fuerza manifiestas huye del lugar del accidente, pero no logra escapar al acoso de la panda, que aún atónita por la novedad se enfrentan a él como si de un mono evadido se tratase. El bicho capturado les resulta manifiestamente desconocido, y deciden llevarlo al ático de su edificio, donde el traficante de hierba local podría querer comprar el animal como trofeo o saber cómo conservarlo. Ron (Nick Frost), un tipo salao pero atontao, no sabe más que ellos, y la aparición de su iracundo jefe, no hace más que tensar la situación. Los muchachos dejan allí el trofeo y antes de marcharse a sus casas contemplan por las ventanas un espectáculo aterrador. Sobre la ciudad de Londres llueven más y más objetos como el que anunciaba la llegada de su "trofeo". Alguien parece haber llegado tarde y con hambre para la hora de la cena.

Superados ampliamente por la fuerza, la agilidad y el número de unas criaturas de apariencia desconocida, los muchachos, liderados por un Moisés maduro y valiente, habrán de enfrentarse a toda una serie de situaciones desesperadas en las que la vida y la muerte visitarán el bloque como tantas otras veces, sólo que en lugar de tiroteos y ajustes de cuentas la amenaza parece llegar de más allá de las estrellas. Una amenaza dentada, peluda, y con una determinación inhumana...

Ataque al bloque es una pequeña producción británica de ciencia ficción dentro del más puro estilo de la serie B que mezcla con maestría y sobriedad un argumento de género simple y directo -el enfrentamiento entre unos pandilleros y unos traficantes de droga con unos extraterrestres- con altas dosis de reflexión social no exentas de crítica amarga -el mundo en los bloques de viviendas sociales de los suburbios londinenses y las vidas de los que allí moran-, entroncando con el espíritu de otros films recientes como Shaun of the dead o Hot Fuzz pero eliminando gran parte del alivio cómico de estos. Attack the block no es una comedia, sino más bien una cinta de acción y ciencia ficción en la que el humor negro y algún gag visual bastante logrado no restan tensión ni emoción a una historia cuyo crescendo no deja de ir en aumento prácticamente desde los primeros minutos de la misma.

El talento que hay tras la película es el guionista y director Joe Cornish, un tipo que ya había trabajado como actor en las comedias mencionadas de Edgar Wright -de las que rescata para su película a Nick Frost- y con formación en la comedia televisiva británica, que realiza su debut como director en la pantalla grande con esta meritoria película. El nombre de Cornish puede ser uno de los que tocará seguir con atención en el futuro si su trabajo como guionista en Tintín o en la anunciada película dedicada al Hombre Hormiga cuajan y la mezcla de acción, comedia y argumentos de género resultan tan sólidas como en este caso. Además, como no podía ser menos en un director relacionado con el gang Spaced, la película está llena de referencias cinéfilas y literarias totalmente brittish: las criaturas son comparadas con Gremlins, Dobbie el elfo o Gollum, mientras que las calles circundantes al bloque reciben nombres de la enjundia de Windham, Moore, Clarke, Ballard, Wells, Adams o Herbert.

Ya para finalizar, me gustaría resaltar la convicción con que los británicos suelen abordar este tipo de historias desde el primer momento, introduciendo una historia tan loca como esta desde el primer momento y elaborando una sólida narración a partir de ella con un par de buenos sustos, momentos de persecución especialmente logrados y un par de secuencias especialmente bien planificadas y rodadas: el momento en que los chavales van entrando en sus casas -uno por planta- para pertrecharse antes de luchar contra los bichos, y la carrera final de Moses contra esa panda de extraterrestres a medio camino entre un Gollum peludo y un teleñeco monstruoso. Hasta la moraleja final resulta gratificante, aunque vistos los sucesos protagonizados por muchachos similares a los aquí presentados durante este verano parece que el mensaje de solidaridad y respeto a sus convecinos no caló demasiado hondo entre ellos.

Primer lunes de octubre

2011-10-03T19:34:00.008+02:00

Aunque oficialmente el otoño ya lleva varios días campando en el calendario todavía no se sienten al cien por cien sus tan ansiados efectos sobre el clima. Sí han afectado y bastante a la flora de la universidad de Alicante, que los últimos días ha estado proporcionando camas de hojarasca en abundante cantidad a los mininos supervivientes de las colonias pretéritas, verdaderos héroes de la intemperie y la gente poco generosa para con aquellas criaturas más débiles. Como el calor no termina de irse y todavía no hemos caído en los días crepusculares aún parece que se puede aprovechar el tiempo mucho más de lo que en realidad permite o cunde. Las horas vuelan... Tic, toc, hace el reloj, incluso para el doctor...

Pero permítanme que me centre en lo verdaderamente importante, en lo referente a los contenidos pasados, presentes y futuros de este blog que me atormentan con su peso, su trabajo o su planificación según se trate de unos u otros y que con tanta ilusión procuro compartir con todos ustedes. La pasada semana nos centramos en los apartados de arte original, y esta semana va a seguir la tónica, con otra entrada más dedicada al maestro Maroto y el repaso a un par de cintas frikis vistas recientemente procedentes de la pérfida Albi... perdón, de Gran Bretaña y que me han proporcionado dosis de entretenimiento y diversión en proporciones casi obscenas. Para poco más creo que de la semana, pero por intentarlo, que no quede.

Y como les avancé la semana pasada, hoy repetimos grupo y estilo, pero con una canción diferente. Seguimos enamorados de la voz de Hope Sandoval, disfrutando de las melodías suaves e hipnóticas de Mazzy Star, que en esta ocasión nos invitan a ¿desvanecernos?, ¿fundirnos? con ellos en una de esas canciones que me llevaba rondando años por la cabeza desde que la vi en el clímax de la película Angus, un retrato nada complaciente y bastante cruel -por real- de las dificultades que atraviesan todos aquellos que son vistos como diferentes en una época tan delicada como la adolescencia. Aunque ambientada en un contexto típicamente americano les aseguro que hay situaciones tan universales en ella como tristes reflexiones sobre la familia o la amistad y verdades como puños que se encajan en el corazón de una sociedad hipócrita y maniquea. La película contó en su reparto con actores de la talla de Kathy Bates o George C. Scott, en uno de esos papeles más grandes que la vida. Debería sonarles quizá porque fue otra de esas películas que en España la distribuidora masacró cambiando el título original por el de El gran peque se va de ligue, eliminando cualquier matiz serio a la cinta e intentando emparentarla con aquel cartoon intrascendente que fue El peque se va de marcha, obra del mismo director. Les he soltado todo el rollo porque además de la letra y la canción les dejo el tubo con el clímax de la película, que tres lustros después sigue emocionándome de la misma manera que lo hizo en su momento.

Fade into you
Mazzy Star

I want to hold the hand inside you
I want to take a breath that's true
I look to you and I see nothing
I look to you to see the truth
You live your life
You go in shadows
You'll come apart and you'll go black
Some kind of night into your darkness
Colors your eyes with what's not there.

Fade into you
Strange you never knew
Fade into you
I think its strange you never knew

A stranger's light comes on slowly
A stranger's heart without a home
You put your hands into your head
And then it's smiles cover your heart

Fade into you
Strange you never knew
Fade into you

I think its strange you never knew
I think its strange you never knew